Abbiamo già intervistato Elena in passato (puoi leggere la sua intervista creativa qui).
Questa volta, però, abbiamo deciso di immergerci nel vivo della professione e conoscere meglio le dinamiche che caratterizzano il lavoro di illustratore.
Elena di recente ha collaborato con Chiara Ferragni per la creazione di un regalo molto speciale per Fedez, ma ha anche realizzato una linea di abiti illustrati per SHEIN.
Insomma, un vulcano di idee!

Di seguito potrai leggere la trascrizione di alcuni dei punti più salienti dell’intervista di Elena e conoscere meglio il suo mondo illustrato!
Sei pront*? Buona lettura!

Ciao Elena, come ti sei avvicinata al mondo dell’illustrazione?

Raccontaci la tua storia.

Parto dagli inizi.
Ricordo ancora che, quando ero alle elementari, la mia maestra contattò mia madre e le disse “Guardi, signora, sua figlia potrà fare tutto nella vita tranne che disegnare!”.
Questa frase mi rimase così impressa che mi intestardii e mi impegnai talmente tanto nell’esercizio del disegno che col tempo sono riuscita a farne la mia professione.
E questo fa capire un po’ la mia testardaggine…
Purtroppo, però, non ho mai avuto la possibilità di seguire un percorso di studi a carattere artistico quindi tutto quello che so l’ho imparato da autodidatta.
L’unica scuola che ho frequentato è stata BigRock per quanto riguarda la computer-grafica e il 3D.

Comunque la passione per il disegno mi ha sempre accompagnata.
E siccome il mio stile si prestava ad un ambiente professionale specifico, come quello dell’editoria infantile, ho pensato di provare a cimentarmi in questo settore!

Qual è stato il passaggio che ti ha portata dall’hobby del disegno alla professione di illustratrice?

È stato un percorso molto lungo.
Non saprei dirti se c’è stato un momento specifico in cui è avvenuto questo cambiamento…
Inizialmente svolgevo un lavoro completamente diverso: mi occupavo di Social Media Marketing presso un’agenzia pubblicitaria.
Una mattina mi sono svegliata e ho detto a me stessa “Io questo lavoro non voglio più farlo!”.
Così ho mollato tutto e sono andata a Big Rock. Volevo studiare la computer grafica e lasciarmi ispirare da altri professionisti del settore.

Il mio primo lavoro da illustratrice è stato quello dei libri per l’infanzia e ho iniziato a disegnare personaggi, bambini, animali e immaginare come sarebbe stato un libro per bambini illustrato da me.
Senza saperlo, quindi, stavo iniziando a costruirmi un portfolio.

Poi, un giorno, un mio amico mi fa “Sai che esiste il Bologna Children Book Fair che è questa mostra internazionale che riguarda il mondo dell’illustrazione?”
Non la conoscevo.
Mi sono incuriosita e ho deciso di andarci armata di questo mio mini portfolio e un bigliettino da visita.
Lì ho conosciuto la Lemonade illustration agency che è l’agenzia che tutt’oggi mi rappresenta come illustratrice.
Da lì è iniziato tutto…

Come è nata la collaborazione con Chiara Ferragni?

Ho sempre stimato Chiara Ferragni come imprenditrice e così, per gioco, ho iniziato ad illustrare sia lei che la sua famiglia.
Sai poi come funzionano queste cose sui social: tagghi il personaggio, i disegni vengono ricondivisi, si crea interazione… E così, insomma, questi disegni sono arrivati a lei!
Da lì abbiamo iniziato a chiacchierare su Instagram. Ti parlo di circa 2 anni fa.
Poi c’è stato il videogioco che ho realizzato con mio marito Christian per Fedez per il brano Bella Storia e in quell’occasione diverse riviste online hanno iniziato a parlare di noi (come Wired o Evereyeye).
Per quanto riguarda l’ultimo lavoro per Chiara, la collana illustrata che ha donato a Fedez per il compleanno, mi ha contattata lei dicendomi che avrebbe voluto fare una sorpresa al marito… E così è stato. Ho realizzato i disegni e, poi, il gioielliere newyorkese Greg Yuna ha dato vita alla collana.
Sono molto orgogliosa di aver fatto parte di un regalo così speciale!

… E quella con SHEIN?
Come si arriva a collaborare con un’azienda del genere?

Personalmente ho sempre avuto il pallino per la moda, per i vestiti e sognavo una mia collezione illustrata. Probabilmente ho confidato così tanto nel destino che alla fine le mie richieste sono state esaudite. La stessa Shein mi ha contattata per chiedermi se fossi interessata ad una collaborazione per il programma SHEIN X.
Mi hanno rintracciata tramite Instagram e io, ovviamente, ho accettato subito!

Quale pensi possa essere il principale punto di distinzione per un illustratore sui social?

L’illustrazione è un linguaggio e la bravura di un illustratore è quella di saper coinvolgere il proprio spettatore attraverso l’utilizzo di questo linguaggio. Dalle persone che mi seguono ho ricevuto spesso feedback positivi rispetto al mio lavoro: mi dicono che traspare una grande tenerezza e che le illustraziono trasmettono allegria, soprattutto nei bambini.
Questa è la mia impronta.
Ma un tratto distintivo di un illustratore può ritrovarsi anche nella scelta di una tecnica specifica, in un’estrema ricercatezza stilistica o nell’emozione che trasmette…
Ognuno segue il suo percorso.

Che consiglio daresti a chi vorrebbe approcciare alla professione di illustratore ma non sa da dove iniziare?

Il primo consiglio che mi sento di dare, per quanto possa sembrare banale, è quello di disegnare tanto.
E disegnare in funzione del lavoro che si vorrebbe svolgere come illustratore.
Faccio un esempio: voglio lavorare nel mondo dell’editoria infantile? Creo un finto libro per bambini.
Oppure, voglio lavorare per la Rainbow? Allora mi metterò a disegnare le Winx…
Ecco, quindi disegnare immaginandosi già nel percorso professionale che si vorrebbe intraprendere.
Continuare poi a costruire e migliorare il proprio portfolio è fondamentale.
E sicuramente anche frequentare fiere di settore per conoscere case editrici, agenzie e altri professionisti…
Penso che il caro vecchio approccio LIVE sia ancora quello che funziona meglio!

La parte più dura all’inizio del percorso è introdursi alla professione, farsi conoscere. Nel gergo del gamer è un po’ come “superare il boss del primo livello in modalità extra-difficile”.
In ogni caso, se le cose non dovessero andare secondo le nostre aspettative, possiamo sempre riprovarci finché non riusciamo.
Alla base ci vuole una profonda convinzione: per riuscire è fondamentale credere nel proprio obiettivo e non smettere mai di provare a raggiungerlo!

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Ciao Emiliano, benvenuto. Siamo davvero felici di averti con noi. Parlaci di te: di cosa ti occupi esattamente e come nasce la tua passione per il disegno?

Ciao e grazie di avermi invitato, sono felice di essere qui con voi! Sono un “concept artist” ed illustratore professionale, mi occupo prevalentemente di pittura digitale e sviluppo di “idee” per vari media, come quello del mondo videoludico: creo le illustrazioni di quelli che saranno i mondi in cui andrà a mettere piede il videogiocatore. Mi occupo anche di illustrazioni per cover di libri; potete trovarne 3 nei fantastici lavori de “Collana Trivio” con cui ho collaborato recentemente.

Ognuno dei tuoi paesaggi racconta una storia e lo fa in maniera davvero coinvolgente. Quanto tempo impieghi ad ideare e poi realizzare un’illustrazione così come la vediamo?

Il tempo per l’ideazione dipende dalla complessità del lavoro; di solito tra la raccolta di materiale (reference) e la visualizzazione mentale di quello che voglio rappresentare impiego circa 30 minuti, massimo un’ora.
Per quanto riguarda la realizzazione, invece, solitamente non spendo più di 3 ore su ogni lavoro se si tratta di progetti personali; per i progetti dei clienti, invece, le ore aumentano: mi è capitato di stare anche oltre 20 ore su una singola illustrazione!

Durante la live sul gruppo abbiamo parlato di emozioni. Alcuni dei tuoi lavori hanno delle atmosfere vivide, talmente vibranti che sembra di poterle percepire sulla pelle. Quindi, vorremmo chiederti, cosa sono per te le emozioni e in che modo riesci a trasmetterle a chi guarda? C’è un lavoro di studio per ogni illustrazione o il risultato che ottieni arriva spontaneamente nel momento stesso in cui crei?

Penso che il risultato arrivi spontaneamente; cerco sempre di trasmettere quello che sento e ciò che mi trasmettono i colori. Spesso sono proprio i colori scelti a suggerirmi la direzione da prendere in un’illustrazione e mi piace lavorare con toni vividi e saturi per rafforzare questa visione emotiva.

Da cosa trai ispirazione per i tuoi progetti?

Da qualsiasi cosa: che si tratti di un paesaggio visto durante una passeggiata, una scena di un film oppure una sequenza in un videogioco. Da tutto. L’ispirazione arriva quando meno te lo aspetti.

Qual è il progetto che finora ti ha dato maggiori soddisfazioni?

Come anticipato nella prima domanda, le copertine realizzate per Collana Trivio – Il Barone Games è stato un progetto che mi ha regalato grandi soddisfazioni. Ho anche avuto modo di collaborare con delle persone fantastiche!

Se dovessi stilare una top 3 dei tuoi artisti di riferimento, chi sarebbero?

Sicuramente il maestro Nathan Fowkes che tutti conosceranno per “El Dorado”, “Rio”, “Il principe d’Egitto” e molti altri film d’animazione.
Anche Andreas Rocha ha avuto un ruolo importante nella mia evoluzione artistica, i suoi paesaggi sono sempre fonte d’ispirazione.
E ultimo, ma non per importanza, vorrei citare Raphael Lacoste che, come Rocha, ha avuto un ruolo chiave nella mia crescita artistica.

Ci racconteresti una tua giornata tipo?

Beh, in realtà le mie giornate tipo sono abbastanza noiose.
Voglio comunque darvi due consigli: il primo è quello di trovare sempre un momento della giornata per svagarvi; non importa che siano 30 minuti o 2 ore, ciò che conta è rilassarsi e svuotare la testa.
Come secondo consiglio invece, vi suggerisco di fare sempre colazione: è il pasto più importante della giornata!

Un consiglio per tutti gli illustratori emergenti che approdano adesso sui social: qual è il “segreto” del successo?

Il segreto è essere costanti, createvi una vostra “schedule” e rispettatela regolarmente, così da tenere sempre alto l’interesse verso il vostro profilo e vedrete che piano piano i “numeri” cominceranno ad alzare.

Manderesti un saluto ai lettori della Fabbrica dei Sogni?

Certo, ma ricordatevi che l’arte è un viaggio, magari ci rincontreremo!

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Buona lettura!

Ciao Martina, benvenuta! È un piacere averti qui. Raccontaci di te: di cosa ti occupi e come nasce la tua passione per il disegno?

Ciao! Piacere mio. Sono Martina Filippella, 28 anni, nata a Monza ma vivo a Milano. Sono un’illustratrice ma mi occupo anche di grafica. Come tante persone che svolgono questa professione ho sempre avuto la passione per il disegno. Ero una bambina pigra e introversa e passavo interi pomeriggi a scarabocchiare su pile di fogli. Ho imparato a disegnare con tanta pratica, ricalcando fumetti (adoravo i disegni delle Witch!) e libri.
Poi, in realtà, ci è voluto molto tempo prima che prendessi in considerazione di far diventare questa passione un lavoro. Penso sia successo non più di cinque anni fa.

Quando e come nasce il progetto Diari di Brodo?

Diari di Brodo nasce innanzitutto in versione analogica, nel 2018. Volevo dare vita a qualcosa che unisse le mie due grandi passioni: il disegno e la scrittura. Quindi avevo iniziato, un po’ per caso, a pasticciare su uno sketchbook raccontando quello che mi capitava durante la giornata. Quello che ne è uscito è un diario illustrato, un reportage di miei pensieri su qualsiasi cosa, dall’amore al film che avevo visto la sera prima. Il tutto con un tono molto ironico e cinico. 
Mi sono accorta che questo “esercizio di stile” funzionava, quindi ho provato a renderlo digitale due anni dopo, durante la pandemia. 
Sono contenta che tuttora continui a funzionare, non solo per me ma anche per le persone che mi seguono.

Che consigli daresti a chi vuole creare un progetto illustrato efficace per il web?

All’università io ho fatto vari corsi di comunicazione, in particolare per i social, e mi è servito moltissimo. Per chi non sa da dove partire consiglio una lunga e approfondita ricerca sia sul supporto sul quale si vuole avviare il progetto (che sia un sito web o una pagina Instagram/Facebook) sia su quello che è già stato fatto. Ovviamente quest’ultima cosa è molto difficile perché è tutto super saturo di contenuti e sembra che tutto sia già stato fatto, ma non bisogna farsi scoraggiare.

L’importante è non copiare e trovare qualcosa che funzioni solo per noi, che sia autentico.
Dopodiché consiglio di lavorare a una strategia: quali sono i punti chiave del nostro progetto, qual è il tono di voce, a che pubblico ci rivolgiamo ecc. Non è indispensabile che abbiamo già subito le idee chiare, magari qualcosa si modificherà in corso d’opera, ma la strategia aiuta a collocare meglio il nostro progetto.

 Se dovessi stilare una top 3 dei tuoi artisti (o anche creativi) di riferimento, chi sarebbero?

La mia fonte di ispirazione numero 1 è Gemma Correll, ha un’ironia incredibile. In generale amo gli illustratori che fanno ridere in maniera intelligente: tra questi Tom Gauld, Brian Rea e David Shrigley. 
Ho una lista infinita in realtà, vado sempre in crisi con questa domanda.

Ci racconteresti una tua giornata tipo?

Mi alzo, faccio colazione, prima di lavarmi e vestirmi mi rimetto a letto e dedico 30 minuti almeno a Diari di Brodo. Penso alla vignetta del giorno oppure a quelle dei giorni successivi. Dopodiché, una volta lavata e vestita, mi metto a lavorare seriamente davanti al computer per interminabili ore. Poi stacco ed esco a fare un giro, oppure semplicemente mi rilasso.

Qual è finora la soddisfazione più grande che hai ottenuto con il tuo lavoro?

Per me l’emozione più grande è stata vedere, nel 2019, le mie illustrazioni su Vanity Fair. Ricordo che la mattina in cui usciva il numero a cui avevo lavorato mi sono alzata presto e sono corsa in edicola a comprarlo. L’ho sfogliato per tutta la giornata e non potevo credere che ci fosse il mio nome scritto nero su bianco.

Progetti per il futuro?

Al momento sono molto concentrata su Diari di Brodo, vorrei crescesse ancora e diventasse un progetto più strutturato. Mi piacerebbe fare un libro-raccolta delle vignette, non so ancora quando ma farò di tutto per realizzarlo. Per quanto riguarda il mio lavoro al di là di Diari di Brodo, vorrei continuare a lavorare con brand di moda. Amo realizzare illustrazioni per t-shirt, pattern per tessuti ecc…

Pensi che ad oggi si possa vivere di sola arte/creatività?

In Italia credo sia ancora molto difficile, soprattutto per quanto riguarda la retribuzione, anche se sono contenta delle possibilità che offre una città come Milano. Io sono stata fortunata e ho avuto accesso a delle opportunità che non si presentano ogni giorno, però per continuare a potermi “permettere” di lavorare solo nell’ambito dell’illustrazione ho imparato a lavorare a ritmi molto veloci e in maniera costante. 
Ovviamente ho una vita sociale, non temete, però stacco davvero di rado. 
Se si è disposti a dedicare tanto tempo e tante energie a questo lavoro allora credo si possa fare.

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Festeggiamo l’arrivo della primavera con una nuova intervista creativa piena di colori e vitalità! Oggi apriamo le porte della Fabbrica dei Sogni ad Alessia Epifani, founder del progetto creativo Supercandystudio.

Ciao Alessia e benvenuta! Parlaci un po’ di te: di cosa ti occupi nello specifico e come nasce la tua passione per il disegno?

Ciao e grazie mille intanto per l’ospitalità! Sono un’illustratrice e grafica di Roma, con base a Milano da qualche anno. La mia formazione è molto varia e credo che questo aiuti molto il percorso di un’artista.
Come dico sempre avere tante personalità creative fornisce continui stimoli e ti rende curioso ogni giorno, affinché tu possa evolvere sempre.

Ormai qualche anno fa, mi sono laureata in grafica editoriale all’ Accademia di Belle Arti di Roma per poi lavorare da freelance come grafica per un paio d’anni. Intanto giravo il mondo, avevo voglia di allargare le mie prospettive, di guardare fuori cosa succedeva e così, mentre giravo il pianeta, mandavo il lavoro da hotel e aeroporti.
Mica male, no?
Tornata dal periodo vagabondo ho fatto esperienza per alcuni mesi come designer di eventi e dopo ho deciso che avrei voluto focalizzare la mia carriera principalmente sull’illustrazione. Così ho conseguito un master in illustrazione editoriale al MiMaster Milano.

Da lì è iniziato il mio percorso in questo bellissimo mondo ma la passione per il disegno nasce da quando ero bambina. Un po’ perché i miei genitori mi portavano spesso a fare laboratori creativi, a vedere mostre, e a me non dispiaceva (ero molto affascinata dall’arte in generale). Un po’ perché mia mamma, che aveva fatto l’accademia di moda, mi raccontava spesso del processo con il quale realizzava i suoi bozzetti, i suoi modelli, e a me piaceva moltissimo, volevo imitarla.

A scuola andavo piuttosto bene, ma mi riprendevano sempre perché durante le lezioni disegnavo, disegnavo e facevo il minimo indispensabile…
Adesso però tutto torna… il disegno è tutta la mia giornata, è il mio rifugio da ogni brutto pensiero.
Alle maestre che dicevano “si applica il minimo necessario” direi che senza paletti ho trovato la mia strada migliore e sicuramente le inviterei a prendere un caffè nel mio studio.

Quando e come nasce il progetto Supercandystudio?

Supercandystudio nasce a Milano, durante il MiMaster, nell’inverno 2019.
È un luogo nostalgico, che parla dei ricordi di ognuno di noi.
Ci ricorda come un odore, un’immagine, una sigla, un oggetto ritrovato in un vecchio cassetto, possa scaturire emozioni senza tempo per portare alla luce ricordi sbiaditi e piccoli tesori che custodiamo nella nostra memoria del cuore.
Supercandystudio è un Carosello del passato, il gioco preferito dell’infanzia, la radio che suona un pezzo nostalgico, la pubblicità di cui non vi levate più la sigla dalla testa…
È il sapore di quella merendina che non esiste più, il passato che nutre il presente e che rimane nel cuore nonostante l’avanzare del futuro.

Il progetto nasce dallo studio di ciò che più sta a cuore alle persone. Per questo, tramite i miei social, le ho coinvolte attraverso sondaggi, discussioni, post, e ho ascoltato i loro ricordi più cari, per poi trasformarli in immagini.
Ridisegnare gli oggetti del passato è come dargli vita nuova, conferirgli una “magica plasticità” che li rende immortali nella nostra memoria.

Mi affascinava molto vedere come diversi illustratori già noti, collaborassero con vari brand e come potesse essere soddisfacente vedere le proprie illustrazioni su oggetti che le persone potessero usare nella loro quotidianità. Così ho iniziato a farlo per conto mio, producendo all’inizio
una piccola linea di cartoleria con le mie illustrazioni.

Con mia immensa gioia, il progetto ha riscosso molti consensi, così ho iniziato diverse collaborazioni e i miei prodotti hanno trovato casa anche presso diversi rivenditori in tante città d’Italia.

Fai spesso riferimenti a brand e prodotti della tua infanzia. Che legame hai
con quegli anni e in che modo lo riproponi nel tuo lavoro?

Della mia infanzia porto ricordi fortissimi e nitidi. Sono cresciuta circondata dalla musica degli anni ’60 e ’70 che mettevano i miei genitori (in pieno contrasto con le nascenti Spice Girls, Britney Spears e i Backstreet Boys) e dai racconti della mia mamma delle pubblicità di quando era piccola…
Mi cantava le sigle del Carosello per svegliarmi la mattina e la sera per addormentarmi.
Da piccola amavo andare al supermercato con i miei genitori e prendevo sempre dei volantini che poi tagliuzzavo per farne collage… la vena artistica era già in me e adoravo già da allora le confezioni colorate e le carte delle caramelle che collezionavo.

Anni felici, analogici e spensierati.
Amo raccontarli alle persone che mi seguono attraverso le mie illustrazioni e dei brevi racconti nostalgici… Ho capito che i ricordi hanno un potere enorme, ci avvicinano anche se siamo lontanissimi, e ci regalano sorrisi inaspettati. Come quando risentiamo il profumo dei nostri nonni in un luogo che mai immaginavamo potesse essere…
Per questo sostengo che ognuno di noi debba lasciare sulla terra un segno importate e positivo… Un giorno anche noi e il nostro lavoro diventeremo ricordi, e dobbiamo assicurarci che siano belli.

Nel disegno prediligi tecniche tradizionali o digitali?

Mi piace tantissimo sperimentare con diversi mezzi analogici: matite, acquerelli, tempere, gouache, chine… ma solo di recente ho cominciato a mostrare quella parte dei miei esperimenti, per il resto, gran parte delle mie illustrazioni sono realizzate in digitale.

Se dovessi stilare una top 3 dei tuoi artisti (o anche creativi) di riferimento, chi sarebbero?

Olimpia Zagnoli
Andy Warhol
Noma Bar

Ci racconteresti una tua giornata tipo?

In realtà non ho una giornata tipo, non ho troppe regole standard, tranne quando ho chiusure serrate di progetti.
Non può mai mancare la colazione al mattino, con calma, e guardando magazine e pagine di libri belli…
Ecco, forse questo è l’unico rito fisso quotidiano.
Il lavoro lo organizzo in maniera abbastanza libera anche perché, se in una determinata parte della giornata non c’è concentrazione o mancano le giuste idee, non esce nulla di buono.
E quando posso, lo porto con me: magari in una bella e calda giornata di sole, mi capita di lavorare all’aperto.

Faccio sempre lunghe passeggiate d’ispirazione e quando posso frequento musei e librerie (di solito ci passo le ore) e mi riconcilio con la natura passeggiando un po’ al parco.
Lo sport è un’altra costante, non tutti i giorni ma quasi ballo o mi alleno a corpo libero, sono proprio della filosofia “mens sana in corpore sano”.
Ah, adoro portare con me i miei followers durante le passeggiate, le mie piccole avventure quotidiane, e creare contenuti e rubriche sempre nuove che poi diventano stories o post per il mio profilo Instagram.

Qual è, finora, la soddisfazione più grande che hai ottenuto con il tuo lavoro?

Su questo sono molto esigente con me stessa e non penso mai ad una soddisfazione come un traguardo, per questo mi viene difficile focalizzarmi su una cosa sola.
Per me la più grande soddisfazione è sempre il processo, poi un po’ la magia finisce, precisamente con il culmine di ogni progetto, e si ricomincia daccapo con nuovi stimoli.
Ecco, un’enorme soddisfazione è quella di riuscire a vivere del lavoro che amo, nulla di più appagante.

Progetti per il futuro?

Tanti, tantissimi, sono sempre in fermento, pronta a nuove avventure.
Sicuramente ho voglia di intraprendere progetti che possano portarmi fuori e in viaggio, come piace a me, anche perché stare tutto questo tempo chiusa mi ha un po’ destabilizzata.
Poi ci sono un sacco di cose che mi piacciono un mondo e vorrei esplorare…
Una di queste il mondo dell’arte contemporanea. Mi affascina, mi dice: “avvicinati”, sento che prima o poi potremmo essere grandi amiche.
Vorrei poi che il mio brand, Supercandystudio, diventasse molto di più che un marchio di sola cartoleria… Succederà, su questo sono super determinata, chi si ferma è perduto.

Bene, Alessia, è stato un piacere averti con noi e ti ringraziamo per la tua partecipazione! Manderesti un saluto ai lettori della Fabbrica dei Sogni?

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L'articolo Intervista creativa a Supercandystudio proviene da La Fabbrica dei Sogni - disegno e illustrazione.

Nella nuova intervista di oggi abbiamo il piacere di raccontarvi e mostrarvi la creatività di una bravissima illustratrice acquarellista: lei è Valentina, conosciuta sul web come Fantasvale.
In questo post Fantasvale ci racconterà il suo percorso che l’ha portata a realizzare alcuni dei suoi più grandi sogni creativi!

Ciao Vale è un piacere averti qui! Raccontaci qualcosa di te: di cosa ti occupi esattamente e come è nata la tua passione per il disegno?

Ciao! Grazie per aver pensato a me. Questa domanda è sempre difficile perché mi occupo di tantissime cose. Da quando ho deciso di dedicarmi all’arte a tempo pieno ne ho fatte veramente tante. La mia passione per il disegno è nata con me, da che ho memoria del mondo ho sempre disegnato. Mi raccontano che già a 3 anni facevo disegni molto complessi e dettagliati.
Non ero interessata ai giocattoli ma passavo le ore con fogli e colori.
Però la vita mi ha portata a seguire altre strade.

Ho studiato al liceo classico e poi mi sono iscritta a Lingue.
Nel 2007 mi sono laureata in letteratura Inglese, dopo lunghi anni di sofferenza interiore perché sentivo che non era la strada giusta per me anche se cercavo di ignorare questo disagio.
Purtroppo ero vittima di quella mentalità che dice cose come “con l’arte non si campa”. Ma sentivo che stavo buttando via un talento. Un mese dopo la laurea ho deciso di fare un corso di illustrazione a 1 ora di strada da casa mia. All’epoca non ce n’erano molti.
Grazie a quel corso mi si è aperto un mondo. Ma il percorso non è stato subito facile perché arrivavo da tanti anni in cui avevo detto a me stessa che non potevo farcela.

Però ho continuato.

Ho fatto altri corsi per approfondire diverse tecniche pittoriche: acquerello, acrilico, disegno dal vero, tecniche miste, tempera. Poco dopo ho aperto il mio canale YouTube per parlare di illustrazione e di arte. È stato il primo canale in Italia a trattare questi argomenti.
Grazie ai socials ho portato il mio impegno ad un altro livello: sono arrivate collaborazioni con le aziende di Belle Arti, eventi e riconoscimenti importanti come diventare Ambassador per Canson e fare un Tour per l’Italia con loro.
Alcuni dei lavori più belli che ho fatto sono arrivati grazie a YouTube, come il curare i laboratori artistici del testo ARTE E IMMAGINE per Fabbri Editori o l’albo illustrato per Terranova.

Ad oggi le cose proseguono nello stesso modo: lavoro con le case editrici, con le aziende di materiali artistici, insegno l’acquerello attraverso corsi adesso anche online e da poco ho anche scritto un Manuale di Acquerello e aperto il mio sito www.fantasvale.com per parlare di questa tecnica davvero speciale.
Con l’arte non lavori? Al contrario! Con l’arte lavori su così tanti livelli e puoi coprire così tanti settori che hai potenzialmente infinite possibilità.

Il tuo percorso sul web quando nasce e come si sviluppa?

Nel 2009 ho aperto il mio canale YouTube che all’epoca si chiamava “Illustration for Dummies” con lo pseudonimo Fantasvale. Inizialmente volevo parlare solo di libri e di illustrazione per l’infanzia, poi però ho iniziato a parlare di tutto quello che mi piace: disegno, pittura, crafting e creatività. E dato che avevo studiato lingue facevo video anche in inglese e spagnolo. Grazie al fatto di essere la prima mi sono posizionata molto bene nel rating di Google tanto che anche oggi se cerchi acquerello spuntano i miei video tra i primi risultati.

Piano piano ho iniziato ad essere conosciuta come Fantasvale e ad un certo punto mi è venuto spontaneo cambiare il nome del canale in Fantasvale Art Lab a cui ho affiancato anche una pagina fan su Facebook. Negli ultimi due anni ho deciso di far convergere la mia attività esclusivamente sull’acquerello e tratto solo questo argomento. Oggi poi mi sono innamorata di Instagram per la sua freschezza e velocità di contenuti. Lì la mia community nel giro di pochissimo è cresciuta ed è diventata molto attiva tanto che ho iniziato a chiamarli “Fantafamily”. Su Instagram posto regolarmente stories, post sulla tecnica dell’acquerello ma anche post motivazionali per aspiranti artisti (avendo io sofferto per questo percorso cerco di sostenere chi vuole intraprenderlo).

Una volta a settimana tengo delle dirette in cui insegno la tecnica. Adesso stiamo parlando di COLORE a tutto tondo (come miscelare i colori, come capire la temperatura del colore, come abbinarli in modo armonioso ecc) e nei prossimi mesi dipingiamo acquerelli monocromi.
Youtube è stato il mio inizio ma Instagram è stato la mia evoluzione. Chissà cosa arriverà dopo.

Approfondendo il discorso web, in un’epoca sempre più satura di contenuti creativi, cos’è importante fare secondo te per distinguersi dagli altri?

Se dico “essere sé stessi” è troppo banale? Forse sarebbe meglio dire essere sè stessi scegliendo due o tre caratteristiche specifiche, quelle che sentiamo più nostre, e specializzarsi su quelle.
Sui socials funziona molto bene la ridondanza di contenuti, gli algoritmi ti posizionano meglio se capiscono esattamente cosa fai e a chi ti rivolgi. Io faccio tante cose ma principalmente faccio acquerello.

Cosa mi distingue? La mia passione quasi fetish per i materiali (mi definisco una art supplies geek), di conseguenza il mio cercare di trasmettere consapevolezza per i materiali stessi, perché non sopporto chi dice cose come “il nero non si deve usare” o “la carta di cellulosa è sbagliata”. Giusto e sbagliato sono due concetti puerili esiste solo la consapevolezza del mezzo e mi batto per passare questo concetto. Mi distingue il mio essere una nerd dell’acquerello e voler approfondire gli argomenti in maniera maniacale: tipo a ottobre abbiamo fatto l’autunno in tutte le salse, a novembre-dicembre abbiamo fatto la neve in tutti i modi possibili, adesso stiamo facendo le gocce d’acqua in tutte le salse e fra poco toccherà a fiori e primavera.
Ultima caratteristica IL COLORE: ma chi l’ha detto che gli acquerelli sono smorti e slavati? Non è assolutamente così. Il mio feed è un’esplosione di colore!

Guardando il tuo lavoro si nota subito una predilezione per lo strumento dell’acquerello. Cos’è che più ami di questa tecnica?

Ehehehe lo avete notato?
Dell’acquerello amo le infinite possibilità: può essere estremamente pittorico e realistico ma anche astratto e libero oppure preciso e schematico.
Ma sopra ogni cosa dell’acquerello amo la trasparenza e la luce. La freschezza che comunica. E poi amo il fatto che sia dannatamente difficile e che mi abbia obbligata a diventare metodica e zen. Io per natura sono una persona caotica, poco razionale. All’inizio dipingevo ad acrilico, tecnica bellissima che permette un’ampia comfort zone: se sbagli copri l’errore con qualche strato di colore.
Con l’acquerello se sbagli butti e ricominci da capo.
Se l’acquerello fosse una persona sarebbe un maestro Jedi: ti insegna a dominare l’istinto e incanalare la creatività al servizio della tecnica.

Immaginando di dover stilare una top 3 dei tuoi artisti di riferimento, quali sarebbero?

Esulando dall’acquerello e pensando solo all’arte visiva direi:
Frida Khalo perché mi sento molto vicina alla sua anima, ai suoi colori e al suo Messico che è anche un po’ il MIO Messico (per un periodo ho vissuto in Messico e ci ho lasciato un pezzo di cuore)
Magritte perché amo il suo surrealismo
Matthew Barney perché è un genio.
Tre acquerellisti geniali: Emil Nolde, Lian Quan Zhen e Blanca Alvarez.

Ci racconteresti una tua giornata tipo?

La mattina bevo un caffè lunghissimo in tazza grande con un goccio di latte, preparo la mia bimba per la scuola poi esco e vado verso il mio studio. Non lavoro in casa trovo terribile farlo, preferisco avere uno spazio di lavoro separato.
In studio ho la mia postazione computer per rispondere alle mail e progettare.
E la postazione per dipingere.
Alterno fase di progettazione a fase di produzione.
Generalmente la mattina la passo al pc e sui socials e il pomeriggio disegno e dipingo.
In mattinata pubblico qualche storia su Instagram eventualmente il post del giorno.
Rispondo alla Fantafamily.
Correggo gli esercizi dei miei corsisti e rispondo alle loro mail e alle mail di lavoro.
Scrivo gli articoli del sito o vado avanti con la stesura di libri e dispense su cui sto lavorando.

Nel pomeriggio invece mi dedico alla fase di testing dei nuovi prodotti e alla realizzazione delle illustrazioni su commissione o personali. Oppure giro video o creo le foto per i miei libri/dispense e/o per gli articoli sul sito.

Cerco di finire il lavoro entro le 18.30 per stare poi con la mia bimba.
Dopo aver messo a letto la cucciola se non sono troppo stanca mi dedico allo studio, attraverso video conferenze e libri, degli argomenti che mi appassionano come la psicologia e la spiritualità.
Altrimenti mi rilasso con una serie TV.

E qual è finora la soddisfazione più grande che hai ottenuto con il tuo lavoro?

Magari sembrerò un po’ melensa ma sono sincera: sono molto grata di ogni passo fatto in questo percorso dal più piccolo al più grande.
Se proprio devo scegliere ho amato molto lavorare al libro Arte e Immagine con il gruppo RCS c’era un bellissimo clima, il team era composto di tante belle persone.
E mi sono divertita molto durante il tour con Canson o durante la Unicolors Accademy per Osama.

Un traguardo personale importante è stato il mio Manuale di Sopravvivenza all’Acquerello, volevo scriverlo da tanto tempo e ce l’ho fatta!
Ma la soddisfazione più grande me la danno quotidianamente tutte le persone che interagiscono con me e che mi fanno sentire utile attraverso la mia arte, quelli che dipingono con me in diretta e che mi scrivono ringraziandomi. Amo molto mettere la mia arte al servizio del prossimo.

Pensi che ad oggi, in Italia, si possa vivere di arte?

Penso che si possa fare tutto mettendoci la giusta dose di testardaggine e impegno (e strategia).
Ovviamente bisogna essere disposti a destrutturare un attimo certe convinzioni granitiche e radicate nella mentalità italiana come quella di stipendio fisso o “posto sicuro” che poi sono i concetti da cui nasce il pensiero che di arte non si campa.
Dipende anche molto da come si vuole vivere di arte. Vendendo le proprie opere? Esponendo in musei e gallerie? Pubblicando?
Ma poi…perché scegliere?
Per me il percorso migliore è stato restare aperta a molte possibilità e lavorare su tanti fronti diversi costruendo piano piano un’attività.
Per qualcun altro potrà essere lavorare di sola editoria.
Altri ancora produrranno le proprie cose e apriranno shop online.
Le possibilità sono così tante che è meglio non mettersi limiti.

Che consigli daresti a tutti quegli artisti emergenti che si interrogano su come trovare un proprio stile?

Vi dico che ci sono passata. E che ho realizzato che il proprio stile è come la ricerca dell’illuminazione spirituale.
Finché ti chiedi come fare non la raggiungi.

Quando inizi a fare ed entri nel flusso è il momento in cui forse hai iniziato a muoverti nella direzione giusta. Ma a quel punto non ti interessa più arrivare perché capisci che conta solo godersi il percorso.

Fantasvale

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Buongiorno!
Con questa nuova intervista creativa faremo una passeggiata nel tempo; verremo catapultati intorno agli anni ’20 grazie all’ironico stile vintage dell’artista Paolo Deandrea.
Avviciniamoci quindi al suo mondo e scopriamo un po’ di più su di lui e sulla sua arte.
Buona lettura!

Ciao Paolo è un piacere averti qui! Raccontaci qualcosa di te: di cosa ti occupi esattamente e qual è stato il tuo percorso di studi?

Grazie, il piacere è mio.
Faccio vignette umoristiche, strisce, cartoon, illustrazioni pubblicitarie e per l’editoria, prevalentemente per ragazzi e bambini. Negli ultimi anni mi sto dedicando alla pittura con un progetto cominciato un po’ per gioco, “le moschine” che mi sta appassionando molto.
Il mio percorso formativo e il mio approccio al lavoro è stato piuttosto bizzarro e casuale. Fin da piccolissimo mi piaceva raccontare storie a fumetti ma non ho mai pensato di farne una professione. Ho studiato agraria, alle superiori e all’università, ma contemporaneamente continuavo a coltivare la passione per il disegno.

Mentre ero all’università mi iscrissi a un corso serale di illustrazione e fumetto, alla scuola del Castello di Milano.

Fu davvero utilissimo.

Da autodidatta usavo solo matite e pennarelli, lì mi si aprì un mondo, corressi molte ingenuità tecniche, scoprii le chine e gli acquarelli liquidi. Ma era solo un divertimento, non avevo nessuna ambizione professionale.

Poi un giorno per caso lessi di un concorso per disegnatori esordienti, partecipai e in modo assolutamente inaspettato vinsi il primo premio. Non ricordo di preciso la data, a metà anni ’80.
Nella giuria c’era la allora direttrice di Linus. Passai in redazione a mostrare qualche disegno, e cominciai a collaborare con loro.

Da lì cominciai a collaborare a vari periodici, quotidiani, agenzie.

Il tuo lavoro ha un richiamo al mondo cartoon degli anni ’40-‘50. Da dove nasce questa passione? 

Direi più ’20-’30.
In realtà i fumetti e le strisce che ho disegnato e disegno tuttora per ragazzi e bambini hanno uno stile completamente diverso.
Il richiamo molto esplicito ai cartoon degli anni ’20 è nelle cose che dipingo.
Trovo che i vecchi cartoon americani, Felix the Cat, Betty Boop, le primissime produzioni Warner e Disney, avessero un’energia primitiva fortissima, che si è via via stemperata ed edulcorata nelle produzioni successive.
Segni, colori e forme erano semplici e perentori.
Li considero degli archetipi, parlano un linguaggio che, almeno nel mio immaginario, racconta un mondo onirico e primordiale.

I personaggi erano semplici, un po’ sciocchi, divertenti ma anche grotteschi, a volte persino un po’ inquietanti. Erano chiassosi, allegri, ma anche violenti e crudeli. Rappresentavano un linguaggio infantile molto più autentico e a volte selvaggio dei loro successori più “addomesticati” e rassicuranti.

Con loro si può essere persino tragici e drammatici, senza prendersi troppo sul serio.

Qual è la tecnica pittorica che prediligi?

Nell’illustrazione e nelle strisce ho cominciato classicamente con chine e acquarelli liquidi, passando poi alla colorazione digitale con Photoshop. A lungo andare però il disegno digitale, che è adattissimo alla produzione editoriale, è un po’ frustrante. Non ti rimane nulla di tangibile del tuo lavoro. Per questo qualche anno fa ho cominciato a dipingere su tela e legno, per tornare al piacere di dipingere e creare un oggetto che esiste nel mondo reale, che puoi toccare.
Uso colori acrilici, gessi, pastelli.

Se dovessi stilare una top 3 dei tuoi artisti di riferimento, quali sarebbero?

Non saprei, sono moltissimi. A parte i classici che ho citato prima, tra i disegnatori di fumetti contemporanei uno su tutti, Bill Watterson, il creatore di Calvin e Hobbes.
Nell’illustrazione e la pittura, Gary Baseman, e l’italiano Daniele Melani in arte Spider, fanno un lavoro interessantissimo di rielaborazione dell’immaginario dei vecchi cartoon.

Ci racconteresti una tua giornata tipo?

La giornata tipo non esiste, ho un’organizzazione davvero caotica del mio tempo, è una cosa che continuo a ripromettermi di modificare.

Diciamo che in ordine cronologico per prima cosa mi occupo dei miei gatti, che reclamano cibo. Spesso le ore più proficue per il disegno e la pittura sono quelle serali o addirittura notturne, in cui riesco ad avere più raccoglimento e concentrazione.
Nella bella stagione mi piace molto anche lavorare all’aperto, in giardino alla luce del sole.

Qual è tra tutte le tue opere quella a cui sei più affezionato e perché?

Non saprei, spesso dopo qualche tempo i lavori che ho fatto non mi piacciono più, li vedo con distacco impietoso e pieni di difetti. 

In questo momento il personaggio che mi piace di più è Daisy.

L’ho disegnata di getto, senza troppe intenzioni di conferirgli un significato esplicito. E’ un personaggio enigmatico, gentile e sorridente, ma chissà cosa ci fa con quell’ascia e quel teschio in mano, dove va, da dove viene.

E qual è la soddisfazione più grande che hai ottenuto finora con il tuo lavoro?

Un giorno stavo scarabocchiando su un foglio degli schizzi, alcuni bambini si sono fermati a guardare, hanno riconosciuto i disegni che vedevano sul loro giornalino. Mi hanno fatto un sacco di feste. Sono stati i complimenti più spontanei, sinceri e graditi che abbia mai ricevuto.
Ero così emozionato e imbarazzato che alla fine mi sono dimenticato di regalargli il disegno.
Mi scuso pubblicamente con loro, casomai mi leggessero.

Pensi che ad oggi, in Italia, si possa vivere di arte?

Direi di si, anche se rispetto a quando ho iniziato io è tutto molto più difficile.
L’editoria è in una crisi nera, molti giornali hanno chiuso o comunque ridimensionato drasticamente i budget. Vent’anni fa, ma anche dieci, era molto più facile vivere facendo l’illustratore.
Anche il mercato dell’arte in generale, gallerie, esposizioni, ecc mi sembra in difficoltà.

Per un giovane esordiente oggi ci sono molti ostacoli, ma non è impossibile. Vedo che molti giovani illustratori e illustratrici bravissime si dedicano al tatuaggio, alla produzione di oggetti d’artigianato, o altre attività in cui possono mettere a frutto il loro talento.

Che consigli daresti a tutti quegli artisti emergenti che si interrogano su come trovare un proprio stile?

Avere una buona storia da raccontare, e cercare di trasformarla in immagini nel miglior modo possibile.

Essere molto critici sul proprio lavoro, senza essere distruttivi ma trovando continui stimoli per fare di più e meglio del giorno prima.

Uno stile personale e riconoscibile credo sia una qualità per un artista, si tratti di un illustratore, pittore o tatuatore. D’altra parte l’elaborazione di uno stile personale è un processo, non credo si possa pianificare a tavolino.

Si sviluppa lavorando molto.
Poi capita a tutti di lasciarsi influenzare da artisti di cui ammiriamo e amiamo il lavoro. È capitato anche a me. Non credo ci sia niente di male, a patto che non si cada nella mera imitazione, che finisce col diventare una gabbia e svilisce il nostro lavoro. A quel punto bisogna trovare il coraggio di svoltare, ringraziare idealmente chi ci ha aiutati e ispirati ma andare avanti cercando la nostra strada.

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Buongiorno!
Eccoci ad una nuova intervista creativa realizzata in collaborazione con gli amici di Bimble.

Per chi non lo sapesse, Bimble è una giovane startup bolognese che mette in contatto artisti e attività commerciali (nello specifico locali pubblici come pub, bar, vinerie, ecc…) al fine di offrire nuovi spazi espositivi agli artisti e nuovi eventi organizzati per le attività.

Oggi scambieremo due parole con il pittore Giovanni Firrincieli che in questa intervista ci permetterà di accedere al suo coloratissimo universo creativo.

Ciao Giovanni benvenuto! Parliamo un po’ di te e del tuo lavoro: di cosa ti occupi esattamente e qual è stato il tuo percorso di studi?

Ciao Alessandra, ti ringrazio per l’invito.
Diciamo che nel quotidiano, oltre che di arte, mi occupo e preoccupo della salute delle persone in qualità di infermiere specialista di camera iperbarica e, nello specifico, di persone impiegate nei reparti subacquei della Marina militare.
Quindi il mio lungo percorso di studi artistici si è via via affiancato ed intrecciato a quello di studi scientifici in un continuo aggiornamento che non conosce fine.

Premesso ciò, se proprio volessimo dare un titolo convenzionale al mio lavoro, possiamo scherzosamente dire che faccio l’“ARTIERE” (artista infermiere)!

Le tue opere ci hanno colpito subito per la scelta cromatica: un’esplosione di colori che ricorda il fumetto nel periodo della Pop Art. Cosa rappresenta per te il colore?

Il colore per me è il sale della vita! Rappresenta un approccio positivo ad essa. Il modo di celebrarla ogni giorno con gioia ed allegria.
Provate solo per un attimo ad immaginare la vostra vita solo ed esclusivamente in bianco e nero…

Da cosa trai ispirazione?

A livello stilistico traggo sicuramente ispirazione dall’insegnamento dei maestri del passato; a partire dalle pitture rupestri fino ad arrivare ai giorni nostri, con particolare interesse per l’astrattismo geometrico, l’espressionismo, il surrealismo ed inequivocabilmente la pop art.

Per ciò che invece concerne i contenuti, traggo ispirazione dalle sensazioni che la vita quotidiana mi regala.
Cerco nel concreto di tradurle e rappresentarle in modo da offrire spunti di riflessione all’osservatore.
Utilizzo uno stile del tutto personale che amo definire pop surreale e che si contraddistingue per la sua immediatezza spesso espressa in chiave ironica ed accattivante per catturare l’interesse soprattutto dei più piccini che rappresentano il futuro e la vera speranza per una società migliore.

Ci racconteresti una tua giornata tipo?

In realtà non ho quasi mai una giornata tipo.
Una mattina mi posso trovare su un gommone a fare assistenza all’immersione. Un’altra su un aereo pronto a lanciarmi con il paracadute. La sera successiva potrei trovarmi nel bel mezzo di un deserto in terra straniera. O ancora a bordo di un’imbarcazione intento a strappare naufraghi dalla furia del mare.

Ma in tutto questo, una cosa è certa: da più di trent’anni i colori e le tele sono sempre stati miei inseparabili compagni di viaggio. Tra una cosa e l’altra sono sempre riuscito a ritagliarmi lo spazio ed il tempo necessario per dipingere. Concludendo potrei definirmi un artista itinerante senza fissa dimora e atelier!

Qual è tra tutte le tue opere quella a cui sei più affezionato e perché?

Sicuramente quella che devo ancora dipingere. La tela bianca accende la mia fantasia, mi crea un fermento interiore ed osservandola mi si apre un mondo dove tutto è ancora da inventare, in divenire e questo per me è pura estasi.

Quali sono i tuoi progetti per il futuro?

Gli impegni ed i progetti per il futuro sono tanti. Uno su tutti è quello di pubblicare un racconto breve illustrato che ho scritto qualche anno fa e di cui è già stata tratta una manifestazione teatrale.
Il titolo è “Oltre l’albero”.

Domanda di routine (ci piace sapere cosa ne pensa ciascun artista): pensi che ad oggi, in Italia, si possa vivere di arte?

Personalmente ritengo che sia molto difficile ma non impossibile. Dipende da tantissimi fattori ponderabili e non, ma soprattutto occorre crederci fino in fondo, proporre qualcosa di veramente valido e provare a trovare i canali giusti per promuoversi al meglio.

Che consigli daresti a tutti quegli artisti emergenti che si interrogano su come trovare un proprio stile?

Io credo che lo stile non si cerchi, è come un seme già piantato dentro di noi fin dalla nascita. Occorre solo coltivarlo con gli studi, la sperimentazione, la pratica, l’osservazione e quant’altro possa servire a far sì che maturi e venga finalmente alla luce come un meraviglioso fiore di rara bellezza che apre i suoi petali al sole.

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Buongiorno e ben trovati in questa nuova intervista creativa realizzata in collaborazione con gli amici di Bimble.
Per chi non lo sapesse, Bimble è una giovane startup bolognese che mette in contatto artisti e attività commerciali (nello specifico locali pubblici come pub, bar, vinerie, ecc…) al fine di offrire nuovi spazi espositivi agli artisti e nuovi eventi organizzati per le attività.

La volta scorsa abbiamo scambiato due parole con Stefania Gagliano, oggi invece conosciamo meglio l’illustratrice Alice Galletti!

Ciao Alice benvenuta! Rompiamo subito il ghiaccio con un’introduzione al tuo lavoro. Di cosa ti occupi esattamente e qual è il percorso formativo che ti ha portata dove sei oggi?

Ciao a tutti! Mi chiamo Alice e sono illustratrice freelance e insegnante di scuola primaria.
Alla fine del Liceo Artistico ho deciso di non scegliere tra le due strade che mi rendevano indecisa sul mio futuro. Le ho imboccate entrambe passando per il bosco.
Mi sono iscritta alla laurea magistrale di Scienze della Formazione Primaria a Bologna e all’Accademia Nemo di Firenze, che ho frequentato nella fascia serale per poter incastrare entrambi i percorsi!
Attualmente sto per completare un corso di perfezionamento a Padova sulla Letteratura per l’Infanzia.

Le tue illustrazioni sono molto eleganti, con questi tratti leggeri e l’accostamento frequente dei colori giallo/oro e nero. Che significato hanno per te queste caratteristiche?

Da quando disegno sono colori che utilizzo spontaneamente, che emergono dalla mia soffitta aggrovigliata di ricordi, tracce e ossessioni. 
Il nero rappresenta il segno, l’equilibrio, la sostanza, è la linea che incornicia e spezza, che pulisce e che sporca.
Invece libri di storia dell’arte, chiese bizantine, la Galleria degli Specchi nella Reggia di Versailles, le opere di Gustav Klimt, sono sicuramente soggetti preziosi che si sono messi di traverso nel mio immaginario.

L’oro è un colore che mi affascina da sempre, evoca una pluralità di chiavi di lettura ed è pieno di contraddizioni: fortune, divinità e ricchezze si contrappongono a maledizioni, tentazioni e dannazione.

Nella mia tesi di laurea ho proprio deciso di indagarne il valore simbolico nella letteratura per l’infanzia per svelare la complessità di questo elemento che per le sue intrinseche proprietà, diventa uno dei principali punti di contatto tra la nostra realtà e il mondo immaginario.

Qual è la tua principale fonte di ispirazione?

Immagino ci sia da distinguere l’ispirazione dalla realtà e l’ispirazione dalla finzione.

Per quanto riguarda la realtà, i miei soggetti preferiti sono sicuramente i bambini e i giovani. I primi  totalmente discostati dall’adultezza, i secondi affascinanti per la loro posizione sulla soglia, indecisi ancora sulla loro appartenenza nel cosmo.

Se invece parliamo di finzione, il mio humus è un sostrato di fiabesco, storia dell’arte e teatro; storie e narrazioni mi riempono l’anima quanto opere dei preraffaelliti, dell’art noveau, di Schiele e Modigliani.

Ci racconteresti una tua giornata tipo?

È un po’ difficile in realtà in questa situazione post pandemia globale ricordarsi quali erano le giornate tipo! Però prima di febbraio mi alternavo tra italiano-storia-inglese-arte-musica in una classe di irriverenti marmocchi di 7 anni e commissioni-grafiche-illustrazioni-progettidell’ultimosecondo!

Mi svegliavo all’alba per raggiungere la scuoletta dall’altra parte della città e andavo a letto all’ora delle streghe per portare avanti illustrazioni, articoli e pruriti indispensabili.

Ammetto che non è sempre facile conciliare le due cose, anzi, è estremamente stancante e difficile, però non c’è nulla che una carissima agenda non possa incastrare!

Leggiamo che l’editoria per l’infanzia è una delle tue passioni: chi sono i tuoi illustratori preferiti del settore?

Sì, l’editoria per l’infanzia per me è un vero chiodo fisso!Il primo amore indiscusso è per Carll Cneut: che meraviglia la sua Rosmarina, la capricciosa Valentina e tutti i suoi personaggi imbronciati e testoni!

Credo che la Voliera d’oro, illustrato da lui e scritto da Anna Castagnoli sia uno tra i miei albi preferiti.

Condivido con David Sala la passione per l’oro, con Joanna Concejo la minuzia dei dettagli e con Edward Gorey l’ardore per il macabro.

Quali sono i tuoi progetti per il futuro?

Attualmente sono impegnata, insieme a Beatrice e Silvia, con Cunegunde, un progetto ponte tra studi universitari e scuola, per una diffusione di inutilità necessaria.

La nostra sfida è quella di trasmettere la letteratura per l’infanzia, partendo da uno spazio dedicato agli adulti che si prendono cura dei bambini e delle bambine.

Sto inoltre collaborando con alcuni progetti sempre legati alla stessa tematica con l’università di Padova, la quarantena mi ha permesso di avere più tempo per la ricerca!

Per quanto riguarda l’illustrazione invece sto preparando insieme a due artigiane della moda, MisStufi e Claudì, una tee che abbiamo ideato nel letargo della quarantena… Presto sarà disponibile, ve ne lascio un assaggio nei saluti finali!
Inoltre ho in serbo un progetto che potrebbe unire le mie passioni in un unico contenitore, ma vedremo se riuscirà a prendere forma!

Domanda di routine (ci piace sapere cosa ne pensa ciascun artista): pensi che ad oggi, in Italia, si possa vivere di illustrazione?

Credo che in Italia sia possibile nel momento in cui al lavoro di illustratore si affiancano attività  analoghe alla professione: laboratori per bambini, corsi per adulti, presentazioni nelle librerie, collaborazioni con artigiani! 

È un equilibrio precario costante, dove si alternano mesi superproduttivi e pieni di commissioni e periodi di magra dove sfruttare il tempo per lavorare a nuovi progetti personali. 

Sono fermamente convinta che in questo ambiente la solidarietà sia fondamentale.
Supportarsi a vicenda come “creativi”, diventa indispensabile per sostenere questa categoria portatrice di bellezza e alterità!

Che consigli daresti a chi vuole approcciare per la prima volta al mondo dell’illustrazione?

La prima cosa che mi è venuta in mente è consigliare una giornata in biblioteca per immergersi nella sezione dedicata agli albi illustrati, per sfogliare dossier di storia dell’arte e per analizzare i cataloghi delle fiere più importanti nel mondo dell’illustrazione.

Capire cosa attira il nostro occhio, che combinazioni di tonalità ci calzano a pennello, se prediligiamo tecniche pastose o piatte, può aiutare a direzionare il nostro gusto e di conseguenza anche il nostro stile.

Ispirarsi agli altri e appropriarsi dell’arte è necessario per consolidare ciò che ci piace del mondo: sentirci continuamente in grado di reinterpretare, impastare e modellare qualcosa che già esiste trasformandolo in qualcosa del presente, con una nota malinconica del passato.

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Ciao lettori della Fabbrica dei Sogni, vi ringrazio per aver seguito la mia intervista, un abbraccio!

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Dopo 2 mesi di pausa da questa rubrica torniamo con una nuova intervista creativa.
Chi ci segue dai primi tempi sa che periodicamente La Fabbrica dei Sogni ospita diverse figure artistiche tra cui illustratori, fumettisti, pittori, scrittori (italiani e non).
Lo scopo è quello di divulgare la creatività e far conoscere ai lettori il dietro le quinte di specifici mondi artistici.

Questa intervista, così come altre che ne seguiranno, nasce in collaborazione con Bimble, giovane startup bolognese che mette in contatto artisti e attività commerciali (nello specifico locali pubblici come pub, bar, vinerie, ecc…) al fine di offrire nuovi spazi espositivi agli artisti e nuovi eventi organizzati per le attività.

Oggi, quindi, scambiamo quattro chiacchiere con la talentuosa Stefania Gagliano, pittrice di Modica, membro del circuito Bimble e conosciuta in arte come Essegì.

 Ciao Stefania. Grazie per aver scelto di raccontarti alla Fabbrica dei Sogni. Allora, come e quando ha avuto inizio il tuo percorso nel mondo della pittura?

Ciao!
Credo sia iniziato da sempre, da quando avevo 4 anni e portavo ovunque vecchie agende e una matita, o una penna, per riempirle di disegni, o al liceo scientifico, o quando nel 2011 ho scoperto la scuola d’Illustrazione per l’infanzia a Sàrmede…
Ma forse il vero momento in cui tutto si è davvero delineato come percorso pittorico è stato l’8 novembre 2017, quando per un intervento di routine agli occhi (laser prk) ho provato non pochi disagi, per problemi di salute legati alla vista che avevo già: non riuscivo a disegnare, per mesi interi fare pochi segni su un foglio era da svenimento…
Un caos! Dopo 2 mesi dall’operazione ho preso un aereo per frequentare un corso dia acquerello a Sàrmede.

Durante il corso avevo con me colliri in quantità industriale, e integratori che sono diventati compagni quotidiani. Quell’esperienza di impossibilità a disegnare e di limite mi ha talmente colpito che ho capito davvero quanto la pittura tradizionale e il mondo dell’illustrazione fossero vitali per me, ed è veramente iniziato tutto!
Da quell’istante le colorazioni con Photoshop sono quasi svanite, mi sono buttata a capofitto sul tradizionale, ed è stato bellissimo riscoprire la meraviglia del materico.

Mai come adesso credo di sentirmi felice di ogni tenace istante.

Mi affascina moltissimo la scelta nella composizione delle immagini: le tue illustrazioni sembrano quasi dei mosaici. Come è nata l’idea di lavorare in questo modo, utilizzando specifiche forme geometriche?

Grazie di cuore per aver notato questo aspetto, un’idea che in realtà ha preso il via molto casualmente! Penso che sia stata spontaneamente guidata dalla voglia di realizzare illustrazioni come incroci di linee, come segni danzanti e ricerca dell’Anima.
Questo gennaio ho mostrato una delle illustrazioni ad un’insegnante che adoro, Marina Marcolin, e mi ha fatto pensare lei alla definizione che dai.
Ha detto “sembrano delle vetrate”.
Non avevo mai pensato che potessero suscitare questa immagine, e adesso è sempre più una scelta mirata. Mi piace considerare i dipinti come un gioco che facevamo da piccoli, “segna la traccia per giungere al tesoro”!
Così chi osserva le illustrazioni, al primo impatto vede solo tanti colori e movimento, ma avvicinandosi e soffermandosi, lasciandosi guidare dalle linee sovrapposte per trovare il disegno “matrice”, può seguire con lo sguardo i colori, che vorrebbero comporre una musica, come piccole note racchiuse in figure geometriche per essere più riconoscibili e immediate.
Ho frequentato il liceo scientifico e scelto grafica nel percorso universitario, credo sia anche un’impostazione mentale quella del “geometrizzare” i segni, così come si fa quotidianamente per disegnare e fare sketch.
Penso che le tessere/mosaico si creino poi con linee abbracciate.

Scorrendo velocemente la gallery si nota una grande predominanza del colore blu. Che significato ha per te questo colore?

Il blu, che da qualche tempo si è trasformato da ceruleo a cobalto fino a blu di prussia, è il colore base del mio amico di vita, il Mare.
Il blu mi invita ad accogliere una sfera spirituale, ed è la base per la musica giusta, almeno per adesso.
A volte azzardo altri colori, ma il Blu, anche solo un pezzettino, mi sorride sempre fra le linee.
È la mia essenza, la riporto ovunque senza pensarci troppo.

Solita domanda di routine 🙂 ci descriveresti una tua giornata tipo di lavoro?

Non c’è una vera e propria giornata tipo, se non è intervallata da tanti altri lavori, non può essere tale!
Per mantenere questo Lavoro e anche comprare materiali ho fatto di tutto: da animatrice, a babysitter.
Adesso sono felice di collaborare spesso con la libreria indipendente “Ma Però” a Modica per laboratori creativi dedicati ai bambini, o aver fatto alcune esperienze a scuola per il progetto Pon.
Sono stata anche collaboratore scolastico quest’anno, penso di aver fatto davvero di tutto per sostentare sempre il lavoro-illustrativo principale.
Mi contattano associazioni o aziende per lavori specifici, come e-book, grafiche, o privati, e da pochi mesi mi dedico molto a creare per proporre dipinti su etsy o altre piattaforme.
Forse in questa quarantena mi sono davvero esclusivamente dedicata alla pittura e, se parlo di questi giorni, la giornata-tipo è musica, sketch di tutti i tipi, a partire da foto/reference per la maggior parte, per allenare la mano.
E poi le idee nascono da se con l’esercizio. Trovata l’idea trasferisco o su foglio (se si tratta di acquerello) o su tela con altri medium. E lì inizia la “danza” per creare il dipinto. Amo ballare quindi anche quest’altra passione concorre a dare ispirazione permettendomi di creare.
Spesso le idee sono anche rielaborazioni di sogni o di canzoni che fanno capolino all’improvviso.

Seconda domanda di routine per i nostri intervistati (eheh) secondo te in Italia si può vivere di arte?

Sto provando di recente a lottarmi sempre più per questo, mi sono anche affidata ai consigli preziosi di Stefania Monopoli, coach per artisti, per capire qualcosa in più riguardo questo mondo. È una passione magnifica ma è anche un lavoro, e ancora capita di sentirmi dire “Va bene, hai disegnato. E il lavoro come va?”
Quindi, tenacemente, continuo a lottare perché possa vivere di arte. Secondo me si può eccome…
Basta solo trovare i canali giusti, con costanza e fatica certamente, proponendosi ma lavorando moltissimo su se stessi per scoprire veramente cosa si può dare, quale sia il proprio essere/ marchio di fabbrica che permetta di risultare riconoscibili, e questo è un cammino lungo, ma che può fare la differenza fra hobby e Lavoro…

Per esperienza personale, nel nord Italia trovo più possibilità da questo punto di vista, ma con Instagram e altri canali siamo più connessi. Speriamo in un cambiamento per tutti.

Che tipo di sviluppo immagini per la tua carriera artistica? Come ti vedi da qui a 10 anni?

Mi immagino sempre fra le nuvole, ancora più di adesso!
In ricerca, in viaggio, fra mostre, corsi di aggiornamento ed esperienze nuove.
Magari facendo ancora laboratori per i più piccoli…
Spero che fra 10 anni avrò usato e sperimentato tutte le tecniche possibili ed immaginabili, magari collaborato anche per libri cartacei, e poi un grande sogno: unire la danza-tango, alla pittura.
Piano piano…

Quali sono gli artisti che ti ispirano maggiormente nel tuo percorso?

Amo l’arte in generale e trovare in ognuno un aspetto di emozione, quindi è complesso.
Ma se mi dovessi riferire a due colossi, non per ciò che realizzo ma penso proprio per un ricordo di linee, mi vengono in mente Ingres e Matisse.
Amo gli impressionisti, alla follia, Schiele per la spontaneità vigorosa.
come contemporanei adoro moltissimi artisti, illustratori come Guasco per la linearità espressiva stupenda e il maestro fiabesco Zavrel.
Ma anche conoscenti… Diciamo che accolgo l’ispirazione come un regalo, trovandola con aspetti diversi da ognuno.

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Un abbraccio e buonissimi…disegni-sogni! 🙂

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Un’esplosione di colori oggi alla Fabbrica dei Sogni.
Per questa nuova intervista creativa abbiamo deciso di coinvolgere Laura de Rosa, in arte Mirabilinto, che ha portato su questi schermi una ventata di folklore e affascinanti tradizioni.

Munitevi quindi di té e biscotti alla cannella e preparatevi per questa nuova avventura nel magico mondo dell’illustrazione.
Buona lettura!

Ciao Laura, grazie per aver scelto di raccontarti nel nostro blog! Dicci un po’: come e quando hai iniziato il tuo percorso nel mondo dell’illustrazione?

Ciao, grazie a voi dell’ospitalità! Ho iniziato a muovere i primi passi in questo mondo circa 2 anni fa anche se i primi corsi risalgono a 3-4 anni fa. Ben prima però, circa 13 anni fa, mi sono laureata in Beni Culturali e subito dopo ho lavorato con pittori e fotografi del territorio veronese. Dopo qualche anno trascorso in loco, mi sono dedicata a tutt’altro inseguendo la passione per l’antropologia ed è in questa “terra di mezzo” che ho iniziato a lavorare in diversi circhi come fotografa, e sono entrata in contatto con comunità di immigrati e comunità rom del territorio, che mi interessava conoscere più da vicino.

Circa 3 anni fa, in modo abbastanza casuale, si è riacceso in me il desiderio di dedicarmi alla pittura e così ho cominciato a curiosare nel mondo dell’illustrazione e a formarmi, seguendo lezioni private e corsi di disegno e pittura. I primi lavori online, che erano più che altro collage, risalgono a 2 anni fa. Man mano sono passata alle illustrazioni.

Attraverso le tue illustrazioni racconti spesso tradizioni folkloristiche. Cosa ti affascina di questo universo?

Come dicevo sono appassionata di antropologia, mi piace viaggiare e curiosare nelle altre culture e penso che il folklore di ogni popolo rispecchi in modo genuino la sua anima. Mi piacerebbe che il folklore non venisse percepito solo come qualcosa di antiquato ma fosse rivisitato anche in chiave attuale perché, fra le altre cose, è meraviglioso dal punto di vista estetico, ed è anche per questo che lo propongo. Per non parlare del fatto che dietro a certi colori, motivi ecc si nascondono simbologie, storie, racconti, una memoria che è importante tramandare perché penso che aiuti a non smarrire le singole identità di ciascun popolo e a non farsi risucchiare dall’omologazione di massa che ci rende tristemente tutti uguali.

A mio parere preservare l’identità di un popolo, ma anche quella individuale, non alimenta la divisione tra le genti e le persone, ma ne valorizza le peculiarità. E poi in un mondo tutto uguale personalmente mi annoierei tantissimo!

I colori che utilizzi sono forti, con contrasti di colori accesi che si alternano (e mescolano) al nero. Quanto racconta di te la scelta di questa palette cromatica?

Molto perché i colori per me sono importantissimi. Penso che quelli più vivaci e infantili rispecchino un mio lato “bambino”, il nero rispecchia le mie parti oscure, che paradossalmente mi hanno spesso guidata verso me stessa costringendomi a fare percorsi complessi, a volte difficili, ma autentici. Altri colori arrivano proprio dal folklore. Nel complesso l’utilizzo di tante tonalità penso sia uno specchio della mia complessità e del mio modo di vedere. Amo osservare le cose da molteplici angolazioni e in questo mi è stato estremamente utile convivere con persone di popoli diversi, aiuta ad ampliare le prospettive.

Solita domanda di routine 🙂 Ci descriveresti una tua giornata di lavoro tipo?

Mi alzo verso le 7:30, accompagno mio figlio a scuola, bevo il caffè in un bar del mio paesino dove fanno delle tartine salate spettacolari, rientro e mi metto a lavorare generalmente al computer o sull’I-pad. Oltre a dedicarmi alle varie commissioni illustrate, scrivo articoli per testate giornalistiche, quindi alterno i due lavori. A pranzo faccio un po’ di pausa, riprendo a lavorare finché arriva mio figlio e lì è tutta un’altra storia 😉

Altra domanda di routine: “Secondo te, in Italia, si può vivere di disegno?”. Qual è il tuo pensiero in merito?

In tanti mi hanno detto di no e continuano a farlo. A mio parere la situazione non è delle migliori ma sono un po’ fatalista e penso che se fa davvero per te, e ti impegni con tenacia e determinazione, puoi riuscirci. Attualmente non mi mantengo solo con le illustrazioni, le alterno con la scrittura, tuttavia in due anni ho fatto grossi passi avanti. Penso dipenda dalla volontà e un po’ forse anche dalla vocazione personale. Mi sono sempre sentita legata al mondo dell’arte, in origine volevo fare l’Accademia ma per vari motivi non ho potuto frequentarla. Quindi un po’ uno se lo sente, anche se poi per anni, com’è successo a me, fa tutt’altro e si dimentica delle proprie passioni. L’importante è riprenderle in mano e dedicarvisi con costanza, formandosi.

Guardando alcune tue illustrazioni viene subito in mente il mondo del fashion design. Quindi, ci chiedevamo, qual è il settore in cui ti senti più libera d’esprimerti (es.: fashion, travel, editorial, ecc…)?

Mi piace molto l’illustrazione editoriale, anche il fashion design e il mondo dell’arredamento, che in tanti mi hanno consigliato vedendo il tipo di illustrazioni che propongo. Ora sto seguendo un corso per realizzare pattern e penso che mi servirà proprio per sperimentare in questo nuovo ambito con carte da parati, oggettistica ecc
Non ho un settore che prediligo rispetto ad altri, anche perché mi annoio facilmente, quindi ho continuo bisogno di sperimentare. Un altro ambito che mi interessa è l’illustrazione per l’infanzia e sto proprio lavorando, quest’anno, a un progetto particolare rivolto ai bambini di una certa età e alle loro famiglie. Un progetto ancora segreto che ha a che fare con i tabù. Amo i libri per bambini che sanno osare e proporre visioni alternative, anche impegnati socialmente. Le storie troppo patinate e tutte carine e belline non fanno per me.

Qual è stata finora la tua esperienza lavorativa più gratificante?

Penso una delle ultime, ovvero un mazzo di carte/tarocchi totalmente personalizzato realizzato per un libro scritto da un’amica. Il mazzo verrà venduto insieme al libro ma non posso ancora rivelare nulla. Comunque lei mi ha lasciato molta libertà creativa e quindi le carte esprimono perfettamente il mio sentire creativo.

Quali sono gli artisti che ti ispirano maggiormente nel tuo percorso?

Mi ispiro moltissimo al folklore dell’est europa, ad artisti naif come Henri Rousseau, Ligabue, Maud Lewis e anche ad alcuni illustratori inglesi particolarmente colorati. Poi adoro Nathalie Lete, Aitch, Unskilledworker e sono pazza di Alessandro Michele, che non è un illustratore ma è un vero e proprio artista nell’ambito della moda.

Che consiglio daresti a chi approccia per la prima volta al mondo dell’illustrazione e vorrebbe avvicinarsi professionalmente a questo campo?

Direi di formarsi seguendo corsi professionali e scuole di disegno. Tante persone ritengono che una base tecnica non sia indispensabile per gli illustratori ma secondo me non è vero, salvo eccezioni. La tecnica ti permette di fare molto più facilmente cose che altrimenti risultano complesse, è una base importante da cui partire.

Manderesti un saluto ai fan della Fabbrica dei Sogni?

Grazie Laura per averci raccontato un po’ di te!

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