Come disegnare un personaggio

Disegnare un personaggio e renderlo caratteristico può sembrare difficile. Eppure, seguendo il percorso che ti indicheremo step by step nell’articolo, potrai realizzare il tuo personaggio con un design efficace, in grado di incuriosire l’osservatore.
Partiamo quindi dal primo step.

1. Definisci la storia del personaggio

Prima di iniziare a disegnare, definisci il carattere del tuo personaggio. Chi è? Cosa fa nella vita? Quali sono le sue aspirazioni? In questo senso è utile scrivere una sorta di sceneggiatura di pochissime righe o qualche parola chiave che descriva il personaggio. Questo è un ottimo punto di partenza perché la storia costituisce la ragione per cui il personaggio esiste nel suo mondo e quindi può determinarne l’aspetto.

Ecco una storia di esempio che ci aiuterà a caratterizzare il nostro personaggio:

Iordan è un vampiro aristocratico di altri tempi, vissuto durante l’era regency. Minaccioso e superbo, non riesce ad abituarsi agli usi e costumi di oggi, quindi indossa sempre la sua tenuta regale da perfetto dandy.

2. Estrapoliamo le parole chiave

Dalla sceneggiatura appena stilata, estrapoliamo le parole principali che ci aiuteranno a capire come disegnare il nostro personaggio.

Vampiro
Minaccioso
Regale
Dandy
Superbo

3. Come disegnare il personaggio: la scelta delle forme

Nel character design le forme sono fondamentali: non solo rendono riconoscibile il personaggio ma sono strettamente legate alla sua psicologia, quindi possono definirne la personalità.

4. Come disegnare il personaggio: la combinazione delle forme

Per il nostro personaggio abbiamo optato per il triangolo e il rettangolo (che ha un significato percepito simile a quello del quadrato), in modo da rimanere fedeli alle parole chiave scelte.

5. Come disegnare il personaggio: la posa

Come gli attori, anche il nostro personaggio recita una parte. La posa è un elemento perfetto per mostrare tutto quello che sappiamo su di lui e che vogliamo comunicare al nostro pubblico. Iordan ha una posa autoritaria che ben definisce la sua natura regale e minaccioso di vampiro.

N.B.: Nonostante la posa sia statuaria, la linea d’azione del personaggio ha un andamento sinuoso.

6. Come disegnare un personaggio: costume e il colore

L’abito non fa il monaco, ma dotare il nostro personaggio del giusto costume lo renderà unico. Abbiamo detto che Iordan è un dandy, perciò il costume design si ispirerà a questa moda in particolare.
Una volta scelto lo stile grafico e il costume del personaggio, passiamo al colore. Sebbene la scelta del colore sia soggettiva, possiamo creare una palette di colori basata sulla psicologia del nostro personaggio.

Ed ecco qui il nostro personaggio ultimato.

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PENNARELLI – POP ART

Roy  Lichtenstein attinse dal mondo del fumetto, non solo nelle stampe di personaggi ma anche per illustrazioni di interni dal forte carattere, con i loro contorni grossi e i colori piatti e puri. Il risultato è particolare se si prendono a modello dei mobili e oggetti antichi, come questa sedia Luigi XVI.
Anche qui ho usato il marker resistente all’acqua, meglio ancora se all’inchiostro di china.
Qualunque sbavatura creerebbe aloni molto antiestetici.

Altro esempio, senza contorno nero, ma con tratti spessi.

PENNARELLI E PLASTICA DA IMBALLAGGIO

Come puoi notare, abbiamo ottenuto risultati abbastanza interessanti utilizzando solo pennarelli scolastici.
Quindi proseguiamo: sono certa che implementando altri materiali semplici possiamo rivoluzionare questa tecnica.
Utilizzeremo anche della plastica da imballaggio, ritagliando delle piccole forme semplici.
In questo modo, sporcando la plastica con i pennarelli, otteremo dei timbri.
Per riportare il colore sul foglio sarà sufficiente fare pressione con la plastica sulla carta, come l’esempio che vedi in foto.

TECNICHE MISTE: PROGETTI COMPLESSI

Ora mixiamo le tecniche apprese e proviamo a rappresentare un oggetto più complesso. Ancora una macchinetta per la moka, un oggetto comune che fa pensare subito al relax, caratterizzato da forme geometriche nette.
Il pezzo da ritagliare è molto semplice e va usato dritto per le forme della base e capovolto per la parte superiore.
Per il coperchio e il beccuccio potremmo usare altri ritagli, colorando solo una parte a forma di triangolo e stando più attenti nel posizionarla al posto giusto.
Per le parti in ombra ripassiamo il ritaglio una seconda volta e disegnamo le parti in plastica direttamente col pennarello nero.
Aggiungiamo qualche riflesso azzurro, sporchiamo un po’ il muro dietro e il gioco è fatto!

L’ultimo esperimento consiste nell’utilizzare per lo stesso lavoro timbro e collage.
Ritagliamo un pezzo più grande di plastica da imballaggio, lo sporchiamo con il pennarello e iniziamo a timbrare.
Ripetiamo questa fase usando diversi colori, quanti vogliamo!
Il pennarello, infatti, può essere lavato dalla plastica con acqua e poco sapone più e più volte.
Quindi ritagliamo le forme e le incolliamo dopo aver scelto la composizione migliore.

Chissà che risultati potremmo ottenere se usassimo questa tecnica per disegnare dei paesaggi… Magari ci proveremo insieme!

Adesso le mie dita sono veramente sporche!
Ho scoperto molteplici possibilità di utilizzo per i pennarelli e mi sono divertita molto!
Ti invito a provare. Scoprire che uno strumento semplice come i pennarelli può permetterci di creare disegni così complessi e piacevoli, ci invita ad osservare la realtà che ci circonda da diversi punti di vista. Possiamo sempre scoprire qualcosa di nuovo!

Alla prossima!

Ora tocca a te sperimentare l’articolo e disegnare con i pennarelli!
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articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

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COSA CI OCCORRE

Ovviamente, in primis, i pennarelli.
Ci tengo a precisare che attualmente  si trovano in commercio anche evidenziatori economici dai toni delicati: grigio chiaro, azzurro chiaro, rosa pastello, verde acqua, lilla, colori che non si trovavano facilmente quando ero una bambina.
Userò anche una penna gel bianca e un marcatore nero waterproof, perchè il nero sporca.
Meglio utilizzare un marker che non si mescoli con gli altri colori una volta asciugato.

Per i soggetti l’ideale saranno le nature morte.
La raffigurazione di oggetti comuni, inseriti in un ambiente domestico e semplice, non ha mai preteso di comunicare chissà cosa, ma solo di trasmettere un senso di “solidità”.
Permette di sperimentare, costruire a piacimento, selezionare in base alla forma, alla geometria. La natura morta si compiace di essere ciò che è, nè più nè meno, è tranquilla, spesso gioiosa e anche quando vira verso l’astratto è materica, fa pensare al quotidiano nella sua concretezza.
Forse questa sua “umiltà” l’ha resa un genere fortunato che da secoli ha trovato sempre spazio nelle case della gente e ancora oggi è molto richiesto. 

Quindi che ne dite? Partiamo?

LA SCELTA DELLA CARTA

La scelta della carta nell’utilizzo dei pennarelli è determinante.
Ho capito col tempo che il supporto utilizzato è strettamente correlato alla tipologia di colori con cui andremo a realizzare il disegno.
Esiste una carta speciale per pennarelli, ma poiché è molto costosa non è l’ideale per sperimentare.
Quindi, dopo svariate sperimentazioni, ho trovato una carta satinata per la stampa da ufficio (non quella patinata per la fotografia), in formato A4, non troppo assorbente.

Perfetto l’album della Lidl a 3 euro.
Su questa carta i colori avranno il tempo di fondersi un po’ prima di asciugarsi, dandomi un effetto più pittorico. 

PRIMI TENTATIVI CON EVIDENZIATORI E PENNARELLI AD ACQUA

Adesso iniziamo a sperimentare con soggetti dalla forma semplice, come una pera o una mela.
Iniziamo utilizzando l’evidenziatore giallo fluo (per delineare la forma) e il grigio (per tracciare le ombre). Adesso passiamo all’evidenziatore verde chiaro per dare un terzo strato su tutto il disegno tranne che nel punto di luce.

Quando alziamo il pennarello dal foglio noteremo che si è formata una gocciolina; cerchiamo di portarla verso il basso, dove ci sono le ombre.
Stiamo anche attenti al verso con cui tracciamo le linee: se nel primo strato andavamo dall’alto verso il basso, nello strato superiore andremo dal basso verso l’alto.
In questo modo i colori si fonderanno meglio.

Adesso proviamo con la mela, nei toni del rosso.
Nel primo strato mettiamo dell’azzurro, del rosa carne e del giallo.
L’azzurro, tono freddo, ci servirà per creare l’ombra in basso.
Nel secondo strato, con direzione contraria a quella precedente, stendiamo il rosso e il violetto.
Infine stendiamo nuovamente il rosso per fondere meglio i toni.

Aggiungiamo il picciolo e uno sfondo a piacere.

Ora non ci resta che testare i toni di azzurro rappresentando semplici vasetti, uno dei quali lo inseriremo con la tecnica del collage.

Come potete notare, non è vero che i pennarelli comuni non si possono mescolare, basta qualche accorgimento. Anche il tratteggio, sebbene più spesso e netto, può risultare una tecnica interessante, come nella rappresentazione di questa moka.

Il colore nero e l’evidenziatore grigio danno sfumature interessanti per questi mocassini in “vernice”

E SE MI MANCA UN COLORE?

A differenza di quanto si pensi, i pennarelli si possono sovrapporre sia per ottenere sfumature che per creare colori nuovi.
Proveremo ora ad ottenere il colore del legno di ciliegio di un vecchio televisore anni ’70.
Siccome il marrone a disposizione non mi convince, sovrapponiamo il verde chiaro al rosso chiaro per ottenere il risultato desiderato.

Per le venature procediamo in questo modo: prima con il rosso chiaro (o arancio) tracciamo delle striature irregolari, poi riempiamo gli spazi vuoti con altre striature di marrone.
Infine ripassiamo il verde chiaro qua e là per uniformare il colore.

Le ombre sono realizzate con il marrone scuro.

PENNARELLI E COLLAGE

Non sembra anche a voi che in passato i prodotti venissero confezionati in modo più “elegante”? Nella foto successiva vediamo come due prodotti classici italiani possano formare una natura morta tutt’altro che banale: raccontano una storia, ci parlano dei ricordi di un’epoca dorata.

Per evidenziare gli elementi principali sul tovagliolo li ho disegnati, ritagliati e  poi incollati sullo sfondo.

PENNARELLI E PUNTINISMO

I pennarelli possono anche essere accostati con piccoli tratti, come nel puntinismo.
Théo Van  Rysselberghe è stato un artista belga maestro in questa tecnica. Ecco la rivisitazione di un suo vaso di fiori con i pennarelli:

E se volessi una composizione più complessa? Per questi pinocchietti di legno, altro classico italiano, ho scelto prima i colori e ho tracciato il disegno a matita. Per il nero ho usato un marker waterproof, per evitare sbavature. Inoltre ho contornato i punti luce per essere sicura di lasciarli bianchi.

UNO STEP IN PIÙ…

I pennarelli si stanno rivelando molto più interessanti di quanto credevamo. Non è vero?
Proviamo quindi a fare uno step in più prendendo spunto dalle magnifiche nature morte di Matisse e dai suoi meravigliosi ed eleganti interni, vere esplosioni di colori e forme composte con grazia.
I piani si accostano  l’uno all’altro con pochi rilievi prospettici, per dare rilevanza all’atmosfera festosa e allegra.

Per questi interni, uno declinato sul blu e l’altro in rosso, ho realizzato prima lo sfondo. Nel primo caso ho decorato la parete con la penna gel bianca, nel secondo ho usato un piccolo timbro fai-da-te, realizzato con un tappo di sughero e un pezzetto di polistirolo inciso e incollato.

Il divano, la pianta il tavolino e i quadri sono ritagliati e incollati. Ogni materiale usato, tappo di sughero, polistirolo, deve essere semplice e casalingo per mantenere una coerenza complessiva.

Se lascio lo sfondo bianco e uso colori chiari e tratti sottili, ottengo un effetto di luce.

Ma la sperimentazione non è finita qui… Nella parte 2 di questo articolo proveremo a spingerci oltre, integrando nel nostro lavoro altri materiali semplici!

Fateci sapere nei commenti cosa ne pensate di questa idea. Chi vuole la parte 2 alzi la mano!

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articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

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Per il materiale ho utilizzato una sola agenda Moleskine per artisti, acquerelli, due pennelli, matita morbida, penna a sfera, tre marcatori di cui uno per calligrafia, gomma-matita e gomma normale.

I contenitori per l’acqua invece li ho reperiti sul posto, riclicando vaschette di plastica e cartone per alimenti e bevande.

Disegnare i ricordi delle vacanze: le reference

La Moleskine è pratica e posso portarla nello zaino comodamente insieme alla matita e alla penna a sfera.
Ho approfittato di pause e soste varie per disegnare il più possibile dal vero, per cogliere dettagli ed elementi che spesso dalle foto non si notano.
Inoltre le emozioni del momento sono sempre più sincere e i disegni, anche se non perfetti, sono sicuramente più emozionanti.

Ogni sera, poi, tornata al residence, ho completato le doppie pagine con altri disegni, aiutandomi con foto scattate con il cellulare e inserendo informazioni interessanti e allegando piccoli ricordi o biglietti da visita.  

Disegnare i ricordi delle vacanze: materiali e trucchi di stile

La carta Moleskine non è perfetta per gli acquerelli ma trovo che il risultato sia comunque molto soddisfacente. Piccole difficoltà, come la texture di un vecchio maso, possono essere superate con un pennello ben appuntito.

Per rendere la rugosità della pietra, un trucco molto utile è quello di schizzare il colore con piccoli e decisi colpetti sul pennello, proteggendo il resto del disegno con della carta assorbente.

Se il disegno viene eseguito con la penna a sfera (magari un bel blu, adatto ai contorni dei paesaggi alpini), può essere poi arricchito con un’altra texture per rendere la roccia, grazie a un triangolino di spugnetta per i piatti, altro materiale facile da reperire.

Completare tutte le pagine in loco è stata una bella sfida, ho rischiato di sottrarre tempo prezioso alla vacanza. Quindi una parte è stata rifinita e arricchita al rientro a casa. Ho usato sempre la stessa tecnica (tranne una volta che ho voluto provare i pastelli a olio), per dare coerenza formale e linearità al diario. Ecco una carrellata finale delle altre pagine.

Sicuramente non sono riuscita a rendere tutta la bellezza della Val di Sole, che è un luogo magico e inafferrabile. Cascate, laghi, ghiacciai, pascoli e praterie, boschi e sentieri ombrosi, custodiscono un patrimonio naturale talmente prezioso da rimanere impresso nel cuore.
Ma spero comunque di aver racchiuso un pezzetto di tutte queste meraviglie nel mio “diario dei ricordi”, da conservare tra le cose care.

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articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

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Eccoci con l’ultimo articolo della nostra rubrica disegnare le fiabe insieme a Valylove.
Oggi parliamo di un’altra fiaba molto nota nella cultura popolare, quella del brutto anatroccolo.
Se non avete letto i capitoli precedenti di questa rubrica potete recuperarli qui:
Cappuccetto Rosso
Hansel e Gretel
Biancaneve
I vestiti nuovi dell’imperatore

Il brutto anatroccolo

Il brutto anatroccolo è una fiaba di Christian Andersen, pubblicata per la prima volta nel 1843 e inclusa, l’anno successivo, nella raccolta di fiabe di Andersen “i nuovi racconti”.
Questo racconto porta con sé insegnamenti molto importanti, tra cui la consapevolezza e accettazione del sé e della vera bellezza.

Una fiaba che parla della presa di coscienza del proprio IO, al di là del giudizio e della discriminazione per le differenze fisiche.
La storia narra le sofferenze di un cucciolo di cigno, perso dalla sua mamma e nato per caso in una nidiata di anatroccoli. Da subito viene emarginato come diverso e da quel momento il piccolo dovrà affrontare tante offese e sofferenze. 

L’anatroccolo viene umiliato e abusato dai suoi simili in molti modi e, non avendo consapevolezza della propria unicità, si lascia scoraggiare fino a credere di non valere nulla.

La stessa mamma anatra, che all’inizio cerca di proteggerlo, si lascia influenzare dal parere della comunità e decide di allontanare il piccolo anatroccolo.

Le persone troppo spesso giudicano il prossimo esclusivamente per l’aspetto fisico.
Tutto ciò che è diverso provoca pregiudizio e, per la comunità, chi è diverso è sbagliato e diventa facilmente bersaglio di abusi e umiliazioni.

Questa storia ci insegna che spesso è meglio allontanarsi dalla comunità per ricercare il proprio valore, non cedendo alla tentazione di credere alle verità altrui.
Accettare la propria individualità e la propria bellezza significa rendersi consapevoli della propria unicità.

Il brutto anatroccolo – parole chiave

Ora che abbiamo compreso meglio la storia del brutto anatroccolo, individuiamo le parole chiave che rappresentano la fiaba e che possiamo utilizzare come riferimento nella nostra illustrazione.
Dopodiché vediamo come poterla rappresentare visivamente.

Discriminazione
Insicurezza
Solitudine
Consapevolezza

Disegnare le fiabe: il brutto anatroccolo

Step 1. Lo sketch

Una volta individuati gli elementi chiave della storia, proviamo a contestualizzarli all’interno di un disegno. Valentina ha messo in risalto il riflesso dell’anatroccolo nell’acqua che fa trasparire la vera immagine di sé, la sua bellezza profonda non ancora sbocciata.
Dopo lo sketch a matita, ha ripassato il disegno con il colore a china nero punte: 0,3 e 0,5.

Step 2. Colore base

Adesso puoi stendere la base ad acquerello su tutto il disegno.
N.B.: In questa prima fase il colore potrebbe risultare un po’ spento. Non preoccuparti, potrai procedere con una seconda passata.

Step 3. Le ombre

Continua a ripassare il colore, strato su strato, finché non sei soddisfatto del livello di intensità. Adesso ripassa il colore sui punti in ombra per aumentare il contrasto e rendere maggiormente l’idea di volumi.

Step 4. I dettagli

Con una penna bianca evidenzia i punti luce nelle foglie e nel becco del brutto anatroccolo e del cigno riflesso.

Per concludere, con un pennellino e un pigmento dorato, aggiungi dei punti luce d’oro sia nella luna che nelle foglie dei fiori per sottolineare e mettere in evidenza il concetto di “bello”.

Et voilà!
Il brutto anatroccolo è pronto per sbocciare in uno splendido cigno!

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Scopri le altre fiabe da disegnare: Cappuccetto Rosso, Hansel e Gretel, Biancaneve

Illustrazioni nell’articolo a cura di Valylove

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I vestiti nuovi dell’imperatore è una fiaba danese scritta da Hans Christian Andersen e pubblicata per la prima volta nel 1837.
I temi trattati nella storia sono quelli della saggezza, stupidità, astuzia, incompetenza e potere.

Andiamo a vedere nel dettaglio, in compagnia di Valylove, il significato della storia e impariamo step by step a realizzare un’illustrazione a tema.

Di cosa parla I vestiti nuovi dell’imperatore?

La storia ha come protagonista un re vanitoso che, troppo presuntuoso per ammettere il torto, viene raggirato da due sarti imbroglioni.
Conoscendo la sua vanità, infatti, i sarti gli realizzano un vestito molto speciale. Si tratta di un abito creato con stoffe pregiate che solo chi è dotato di saggezza può vedere.
In realtà, come è facile intuire, non esiste nessun vestito, e quando i sarti presentano al re quello che definiscono “un capolavoro ricco di particolari”, l’uomo finge di riuscire a vederlo in modo da non passare per stupido.
Insomma, non può certo sfigurare davanti ai suoi ciambellani!
Così, convinto dell’ottimo lavoro dei sarti, decide di farsi vestire con questo “abito speciale” e dar via ad una sfilata.

Quando il re esce di palazzo completamente nudo, il popolo rimane senza parole ma nessuno ha il coraggio di dire nulla. Tra le persone riecheggiano bisbigli compiaciuti che soddisfano l’ego del re “Hai visto che stoffa?” “E che ornamenti!” “Semplicemente meravigliosi”.
Ma, come tutti sanno, le cortesie di circostanza poco si addicono ai bambini che, senza peli sulla lingua, esprimono sempre il loro pensiero.
E sarà proprio un bambino a svelare l’inganno, puntando il dito contro il re e facendo calare quel velo di menzogna che ricopriva il sovrano.
“Il re è nudo!”
Tutti sanno la verità e adesso nessuno può più far finta di niente.
Così il re, colto alla sprovvista, continua a sfilare fino alla fine dei festeggiamenti tra le risate del popolo e con la consapevolezza di essere stato raggirato per la sua vanità.

Parole chiave del racconto

Individuiamo insieme le parole chiave che identificano la storia:
Vanità
Potere
Astuzia
Paura della verità
Ingenuità

Personaggi e simbologia

All’interno della storia troviamo:
il re: simbolo di vanità e potere
l’abito: che simboleggia la superficialità dell’uomo potente
i ciambellani: a loro volta superficiali e timorosi
i sarti: l’essenza dell’astuzia che sfrutta la superficialità a proprio vantaggio
il bambino: l’ingenuità e la naturalezza che fanno crollare con un soffio questo castello di carte

Disegnare le fiabe: i vestiti nuovi dell’imperatore

Ora che abbiamo le idee un po’ più chiare sulla storia, vediamo come poterla rappresentare visivamente.

Step 1. Lo sketch

Una volta individuati gli elementi chiave della storia, proviamo a contestualizzarli all’interno di un disegno.
Il re è nudo e la sua vanità lascia spazio ad una nuova presa di coscienza nel momento in cui si relaziona con l’autenticità bambino.
Questo sarà il messaggio che trasmetteremo attraverso le immagini.

Prendi quindi un foglio bianco e fissa su carta la tua idea con la matita.
Dopo aver disegnato lo sketch, procedi a ripassarlo con un pennarello a china nera.
Valylove ha usato una punta 0.5 e una 0.2.

Step 2. Colore fase 1

Adesso puoi stendere la base ad acquerello su tutto il disegno.
N.B.: In questa prima fase il colore potrebbe risultare un po’ spento. Non preoccuparti, potrai procedere con una seconda passata.

Step 3. Le ombre

Adesso ripassa il colore sui punti in ombra per aumentare il contrasto e rendere maggiormente l’idea di volumi.

Step 4. I dettagli

Con una penna bianca evidenzia la luce nei capelli, barba e corona del re e nei capelli del bambino. Infine aggiungi degli elementi decorativi per rendere l’idea della festa, in contrasto con i colori cupi del re.

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Scopri le altre fiabe da disegnare: Cappuccetto Rosso, Hansel e Gretel, Biancaneve

Illustrazioni nell’articolo a cura di Valylove

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Tutti conoscono Biancaneve per il noto riadattamento Disney ma non tutti sanno che la storia è stata rivisitata ed edulcorata per il piccolo pubblico.
La fiaba racconta le vicende della giovane Biancaneve, una ragazza alle porte dell’età edulta che, a seguito del confronto con la perfida matrigna, scoprirà la libertà e il vero amore.
Si trasformerà così in una donna saggia e consapevole grazie anche all’aiuto dei suoi amici, i 7 nani, che avrà modo di conoscere durante la fuga nel bosco.

Biancaneve, la matrigna e il cacciatore

Simbolicamente parlando Biancaneve rappresenta l’animo umano, il nostro io interiore più puro, candido come la neve.
Contrapposta a Biancaneve c’è invece la matrigna, una donna malvagia, invidiosa e superba.
Sappiamo infatti che la matrigna, ossessionata dalla competizione con Biancaneve, chiederà in continuazione al suo Specchio magico (che rappresenta il pensiero riflesso) chi tra le due sia la più “bella”.

La Matrigna desidera il cuore di Biancaneve per assicurarsi di essere lei la donna più bella del reame.
Ed è proprio per questo compito che decide di assoldare il cacciatore che rappresenta la nostra parte più primitiva mossa dall’istinto animale.

L’uomo però non avrà il coraggio di compiere il fatidico gesto e, per ingannare la regina, le porterà un cuore di cinghiale come prova del crimine.

Il bosco e i 7 nani

Un altro elemento fondamentale nella storia di Biancaneve è il bosco che rappresenta un nuovo percorso di vita e il superamento delle proprie paure.
Dopo aver attraversato 7 montagne Biancaneve incontra la casetta dei 7 nani: sette come le virtù cardinali, i vizi capitali, i giorni in cui Dio creò il mondo e l’universo.
Saranno i nani ad aiutare Biancaneve nel suo percorso di crescita e cambiamento.

La mela

La strega proverà in diversi modi ad uccidere la giovane fanciulla. Nella storia originale, prima della mela, la matrigna dona alla ragazza un corpetto con cui cercherà letteralmente di toglierle il fiato, stringendolo all’inverosimile.
Ma solo la mela, frutto dell’albero della conoscenza, permetterà alla regina di compiere la sua missione avvelenando la ragazza che si lascerà ingannare dalla bellezza esteriore del frutto e al primo morso cadrà in un sonno profondo.

Il principe

Proprio durante questo stato di “sonno”, Biancaneve effettuerà il passaggio dalla purezza e dall’ingenuità della bambina verso la consapevolezza e la maturità della personalità adulta.
A questo punto il Principe-Azzurro sveglierà con un bacio l’anima sopita di Biancaneve permettendole di completare il percorso di consapevolezza e libertà personale.

Le parole chiave della fiaba di Biancaneve

• purezza
• ingenuità
• cambio di rotta
• mela
• amore
• completezza

Fase 1. Sketch

Nella prima fase prova ad individuare le caratteristiche principali della fiaba che possano far riferimento alle parole chiave menzionate qui sopra.

Fase 2. Il disegno

Stabilito lo sketch e gli aspetti della storia che vuoi evidenziare, ripassa la matita con un trattopen nero.

Fase 3. Il colore di base

Ora stendi il colore di base su tutto il disegno utilizzando gli acquerelli. Continua a sovrapporre strati di colore finché il lavoro non ti soddisfa del tutto.

Fase 4. ombre, contrasti e rifiniture

Inizia a dare profondità al colore utilizzando il nero per le ombre. In questo modo aumenterai i contrasti.
Infine utilizza una penna bianca per definire i particolari dell’illustrazione.
Ed eccola qui! La tua illustrazione di Biancaneve è pronta!

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Illustrazioni nell’articolo di Valylove

Disegni dalla community

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Dopo aver analizzato, compreso e rappresentato insieme la fiaba di Cappuccetto Rosso, proviamo a disegnare con Valylove un altro classico della letteratura per l’infanzia risalente al 1812: Hansel e Gretel.

La storia la conosciamo tutti: due giovani fratelli vengono abbandonati dai genitori in un bosco e qui si imbattono nella casa di una strega fatta di dolci e leccornie. La strega, apparentemente buona ed accogliente, li ospita nella sua dimora. Solo in un secondo momento svelerà le sue reali intenzioni: divorare i due poveri malcapitati. Per fortuna i bambini avranno la meglio e riusciranno ad uccidere la strega ed andarsene insieme al tesoro nascosto della vecchia megera.

Ora cerchiamo di scavare un po’ più a fondo nella storia e proviamo ad individuare i punti chiave (evidenti e celati) del racconto.

L’emozione predominante è sicuramente quella della paura (paura di perdersi, dell’abbandono, della fame, di essere mangiati). Ed è proprio la paura l’emozione che porta il padre dei due bambini a compiere il gesto estremo dell’abbandono. Non potendo più sfamare la sua famiglia, ha paura di morire di fame.

Dopo l’abbandono, Hansel e Gretel si ritrovano improvvisamente a doversi prendere cura l’uno dell’altra, a badare alla loro sicurezza e al proprio sostentamento. C’è tuttavia un primo tentativo di abbandono da parte dei genitori da cui riescono a scampare tracciando un percorso di sassolini e ritrovando la strada di casa.
Tutto questo si rivelerà inutile perché saranno abbandonati di nuovo e, stavolta, definitivamente.

Nonostante i pericoli che i due bambini si ritrovano a fronteggiare riescono comunque a salvarsi grazie al loro coraggio, scovando il tesoro e, con esso, l’opportunità di una vita migliore.

Le parole chiave del racconto sono paura, privazione, abbandono, ma anche crescita, coraggio, ricchezza.

Quindi vediamo come riportare queste parole in un’illustrazione a tema.

Hansel e Gretel – lo sketch

Partendo dalle parole chiave cerchiamo di creare una composizione che esplichi in maniera chiara ed incisiva il concetto della fiaba. Dobbiamo ricordarci che a livello visivo il bosco e la casa sono due elementi fondamentali della storia, quindi dovranno essere presenti.
Fai delle prove di composizione e poi scegli quella che reputi migliore. In questo caso Valentina ha scelto la terza proposta in cui la paura è rappresentata dalla strega che emerge dal comignolo, ma strizza anche l’occhio all’iter narrativo della storia. Qui, i due bambini, hanno già il loro tesoro tra le mani.

Hansel e Gretel – il disegno di base e il colore

Stabilito lo sketch, ripassa la traccia a matita con la china e poi vai a stendere la base di colore con gli acquerelli.

Continua a ripassare il colore più volte fino a raggiungere la tonalità desiderata e il giusto contrasto tra luci e ombre. Dopodiché concentrati sul dettaglio del fumo che esce dal comignolo e vai a definire con un pennellino la sagoma della strega.

Ora definisci i dettagli con l’utilizzo dei pennarelli acquarellabili.

Et voilà! La tua illustrazione della fiaba di Hansel e Gretel è pronta per essere incorniciata!

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Illustrazioni nell’articolo di Valylove

Lavori dalla community

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Quando parliamo di fiabe classiche parliamo di racconti, di morali, di tradizioni.
Ciascuna fiaba racchiude dentro sé un micromondo creato da un autore come veicolo di un messaggio, spesso molto più profondo di quanto non si immagini.

Nell’Olimpo delle fiabe troviamo Cappuccetto Rosso, opera classica dei fratelli Grimm composta nel 1697, ma ancora amatissima da grandi e piccini. Col passare degli anni (o meglio, dei secoli) sono stati attribuiti moltissimi significati a questo racconto, di carattere psicologico, esoterico e morale.
Di sicuro Cappuccetto Rosso è una storia che parla di emozioni e che entra nel vivo della paura con grandissimo coraggio.

In questo articolo illustrato da ValyLove, il primo di una serie di post che avranno come tema “Disegnare le fiabe”, approfondiremo la storia attraverso il disegno, comprendendone step by step uno dei possibili significati.

1. Disegnare le fiabe: Cappuccetto Rosso – le parole chiave

Prima di poter passare al disegno vero e proprio dobbiamo comprendere profondamente la storia e capire quali sono le parole chiave che ne costituiscono il fondamento.
Ad esempio, abbiamo parlato di paura e coraggio.
La paura potrebbe essere rappresentata dal lupo nel bosco.
Metaforicamente il coraggio potremmo ritrovarlo nel colore rosso del mantello della bambina.
Spesso e volentieri in ambito cinematografico il rosso viene utilizzato per rappresentare rabbia e passione ma anche guerra e potere.
La storia di Cappuccetto Rosso, poi, è anche un classico aneddoto usato con i bambini per convincerli a non dare confidenza agli sconosciuti.

Ultimata l’analisi, riepiloghiamo le parole chiave individuate fin qui:
paura
coraggio
confidenza
bosco (nuovo percorso di vita dove si posso trovare, novità ma anche ostacoli, paure e trappole)
lupo (minaccia esterna – o interna -, paura di affrontare i propri limiti)
cappuccetto
(al rosso ci arriveremo in una seconda fase)

Ora proviamo a realizzare alcuni sketch veloci con la matita partendo dai concetti sopra esposti (immagine 1 e 2 del collage sottostante).
Infine cerchiamo di dare una nostra chiave di lettura, integrando in un unico disegno i vari elementi (immagine 3 del collage).

2. Disegnare le fiabe: Cappuccetto Rosso – il disegno

Rielaboriamo in una versione definitiva il nostro disegno creato in fase 1 e ripassiamo la matita con un trattopen.
Infine, cancelliamo la matita per rendere il disegno più pulito.
A lavoro ultimato dovremmo avere qualcosa del genere.
Ps: Non importa che il disegno sia graficamente perfetto, l’importante è che sia ragionato e che alla base del tuo lavoro ci sia uno studio come quello svolto in fase 1.

3. Disegnare le fiabe: Cappuccetto Rosso – il colore base

Adesso iniziamo ad entrare un po’ di più nel vivo della tecnica: ValyLove ci mostrerà in che modo, step by step, utilizzerà gli acquerelli per colorare il disegno.
Se non ti trovi a tuo agio con questo strumento puoi decidere di continuare a modo tuo, magari utilizzando pastelli o pennarelli.
Se invece ti piacciono le sfide e vuoi provare a cimentarti nella tecnica dell’acquerello, continua a seguire il tutorial!

La prima fase è quella di stendere la base del colore su tutto il foglio. Munisciti di acquerelli, pennello, bicchiere d’acqua (e tanta pazienza) e inizia a distribuire il colore nelle varie aree.
Ecco il primo step completato!

4. Disegnare le fiabe: Cappuccetto Rosso – colore e ombreggiatura

Continua a stendere il colore, strato su strato, finché non otterrai un’intensità di tono che ti soddisfi. Valentina ha voluto rappresentare la silhouette del lupo con i toni scuri della notte, immaginandolo come un cielo stellato. In questo modo antagonista e ambientazione si fondono in un unico soggetto.

N.B.: per il lupo è stato realizzata una sfumatura dal viola scuro al blu notte per aumentare la dinamicità dell’immagine.

5. Disegnare le fiabe: Cappuccetto Rosso – i dettagli

A questo punto con un pennellino a punta fina sono stati realizzati i fulmini nella silhouette del lupo per rendere ancora più evidente il contrasto tra l’atmosfera minacciosa dello sfondo e il soggetto luminoso in primo piano. Infine, aiutandosi con uno spazzolino da denti inutilizzato, Valentina ha aggiunto le stelle nel cielo spruzzando piccole macchie di colore bianco e facendo molta attenzione a non sporcare il vestito di Cappuccetto Rosso.

Per concludere, a colore asciutto, ha ripassato con il trattopen tutte le linee principali del disegno, andando a rimarcare ulteriormente le ombre con un tratto più spesso.

articolo illustrato da ValyLove

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Illustrati, colorati, divertenti… Avete mai pensato a quanta creatività viene messa in campo per realizzare la grafica dei box dei cereali?
Devono attrarre l’attenzione di grandi e piccini, trasmettere l’idea di energia (indispensabile la mattina!) e ingolosire il pubblico.

In questo articolo vediamo insieme a Marta come realizzare una box di cereali personalizzata procedendo step by step.

1. Scatola di cereali: la struttura

Innanzitutto andiamo a definire le proporzioni della nostra scatola.
Quanto sarà alta, larga e profonda? Disegnamola!

Ora dobbiamo decidere sommariamente quanto spazio occuperanno le immagini e i testi. Per farlo, delineamo le aree dedicate in modo da avere le idee più chiare su come strutturare la nostra grafica.

2. Scatola di cereali: il disegno

Iniziamo con un’idea semplice: cereali con pezzi di frutta per i bambini.
Come rappresentarli in maniera coinvolgente?
Ispiriamoci ai cartoni animati e rendiamo i nostri frutti dei personaggi veri e propri.
Se non hai idea da dove partire con la caratterizzazione dei personaggi, ti consiglio l’articolo del blog Disegnare Kawaii .

Se hai lavorato con forme morbide, mantieni le stesse linee anche per il testo e rendi tutto più dinamico inclinando le lettere e disponendo i personaggi in modo creativo.

3. Il colore

Ora che abbiamo il disegno, pensiamo ai colori che vorremmo utilizzare.
Con questa prima box abbiamo deciso di rivolgerci ai bambini quindi potremmo optare per una di queste 2 strade: colori molto vivaci come viola, giallo, rosso, verde oppure toni pastello.
Indovinate un po’ cosa ha scelto Marta?

Adesso che abbiamo un punto di partenza possiamo decidere di fare un secondo esperimento. Rimanendo sempre sui cereali per bambini con personaggi, Marta ha dato vita a questa scatola di Croko-Choko, cereali a forma di… impronta di animali.
Qui ha scelto di alternare colori pastello a toni più decisi come il rosso, il blu e il fucsia che ha utilizzato sulle squame del coccodrillo.
RROOOAARRR….

E per quanto riguarda gli adulti? Si può trovare una soluzione altrettanto creativa?
Decisamente sì. Su queste scatole che ti proponiamo di seguito sono stati fatti 2 lavori:
1) sono stati pensati in serie in modo che a ciascun volto corrispondesse un gusto di cereali.
2) All’apertura della bocca corrisponde una finestrella di plastica trasparente da cui è possibile vedere il tipo di cereali contenuti all’interno.
3) La scelta del nome è strettamente correlata all’immagine riportata sopra il box (Cereallegri – faccia sorridente, Café Olè – faccia addormentata…)

Insomma… Le soluzioni creative da mettere in campo in una scatola di cereali sono infinite… Attendiamo di vedere le tue!

immagini nell’articolo a cura di Marta Biasci

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Voltaire definiva la scrittura come “la pittura della voce”. Affermazione indiscutibile se pensiamo a quante opere meravigliose sono state pubblicate negli anni sottoforma di romanzi o di racconti, per dirne una.

Ma se volessimo interpretare la cosa in un senso più stretto, viene da chiedersi se esista un modo per creare un’interazione figurativa tra scrittura e pittura o, nel nostro caso, disegno.

Nel post sui calligrammi abbiamo visto in che modo le parole possono modellarsi graficamente fino ad assumere una nuova forma ma senza perdere la loro leggibilità.
Ebbene, oggi faremo il contrario: vedremo in che modo le immagini possono adattarsi al testo senza alterarne la comprensione delle lettere.

In questo caso lavoreremo su singole parole ed ogni lettera contribuirà alla rappresentazione visiva del senso compiuto della parola.

Partiamo con la prima parola: gatto.

Parole illustrate – step 1

Innanzitutto andiamo a definire la scelta del carattere.
È molto importante in questa fase preliminare avere le idee chiare sullo stile del disegno perché le forme delle lettere determineranno anche quelle dei nostri personaggi.

In questo caso Marta ha scelto un carattere con terminali stondati e linee irregolari. I suoi personaggi seguiranno quelle linee.

Parole illustrate – step 2

Adesso analizziamo ogni singola lettera e cerchiamo di capire in che modo possa adattarsi alla forma del soggetto da rappresentare.
Riportiamo il disegno della singola lettera su un altro foglio e iniziamo a fare delle prove.

Continuiamo a sperimentare finché non siamo soddisfatti.
Seguiamo lo stesso procedimento per ogni lettera fino a comporre la parola, tenendo sempre a mente che dovrà mantenere la sua leggibilità.

Parole illustrate – step 3

Ora non ci resta che procedere con il colore.

Lavorando in questo modo possiamo illustrare qualsiasi parola.
Lo scopo di questo esercizio è quello di allenare la propria creatività sviluppando nuove capacità di osservazione che ci consentano di uscire fuori dai soliti standard di raffigurazione.

Di seguito altri esempi di parole illustrate realizzate da Marta.

immagini nell’articolo a cura di Marta Biasci

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San Valentino, la festa degli innamorati, è ormai alle porte!
Hai già scelto cosa regalare alla tua dolce metà?
Tra cioccolatini, peluche e palloncini non c’è che l’imbarazzo della scelta.
Eppure noi della Fabbrica dei Sogni crediamo così tanto nella bellezza dei regali artigianali che vogliamo proporti un’idea diversa in cui mettere alla prova le tue doti artistiche.

In questo articolo vediamo insieme come costruire step by step il tuo personalissimo ritratto di coppia. Per realizzarlo sarà sufficiente una matita o un pennarello a punta fina (se lavori in tradizionale) oppure una tavoletta grafica qualora volessi cimentarti con il digitale.

Bene, mettiamoci subito all’opera.

Il primo step, ovviamente, è la scelta della foto.
Cerca una foto di coppia che ti piaccia particolarmente e che abbia per te un significato speciale. Per il taglio dell’inquadratura è consigliabile un mezzo busto come la foto che utilizzeremo di esempio in questo tutorial.

Adesso ricalchiamo la struttura dei soggetti per comprenderne meglio le proporzioni e la composizione dell’immagine.
Quindi prendiamo un foglio di carta traslucida e iniziamo a ricalcarne le linee principali, quelle che chiameremo “costruttivi”.

In questa prima fase è stata già fatta un’operazione di riadattamento delle forme; come puoi vedere nell’immagine sovrastante, infatti, i corpi sono stati rappresentati più piccoli rispetto alle proporzioni reali proprio per accentuarne l’aspetto cartoon.

Ora prendi un foglio bianco da stampante e sovrapponilo al foglio traslucido.
Avrai bisogno di luce da sotto per favorire il ricalco quindi hai due possibilità: appoggiarti ad un tavolino di vetro con un’illuminazione dal basso, oppure alla finestra.
Nel caso in cui lavori in digitale, sarà sufficiente diminuire l’opacità di ogni nuovo livello che viene a sovrapporsi.
Ricalcate le linee, avrai qualcosa del genere.

Ora utilizza il costruttivo per andare ad aggiungere tutti gli elementi caratterizzanti dei tuoi personaggi. Cerca di semplificare il più possibile le linee che vedi nella foto: rimpicciolisci i nasi, semplifica i capelli, usa poche linee per rappresentare i vestiti.
Il trucco è riportare solo le linee essenziali e renderle più aggraziate per aumentare l’effetto cartoon.

Continua a sistemare le linee lavorando sempre con un tratto leggero in modo che sia più facile apportare le modifiche!
Quando sei pienamente soddisfatto del risultato ottenuto ripeti il procedimento di prima: utilizza un altro foglio da sovrapporre a questo per ricalcare solo le linee principali.
Dovresti ottenere qualcosa del genere:

Adesso procedi con la colorazione, scegliendo in una fase preliminare i colori che vorresti utilizzare.
Sicuramente le tonalità pastello accentueranno quell’effetto fiabesco, sottolineando il carattere cartoon del disegno.
Aggiungi qualche dettaglio rosso che crei contrasto e richiami l’amore… E il gioco è fatto!

Se hai bisogno di altre indicazioni sugli step da seguire, utilizza come riferimento anche il nostro tutorial di Halloween in cui approfondiamo nello specifico il passaggio da “ritratto reale”, in cui ricalchiamo esattamente le linee della foto, a quello “cartoon”.

Questo il link -> https://www.lafabbricadeisogniweb.it/halloween-cartoonizzati

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