Con Perla esploriamo il legame tra illustrazione e il mondo onirico dei tarocchi: che cos’è un tarocco? Qual è il suo valore simbolico? E in che modo il suo significato può prendere forma attraverso il disegno?

Lasciamo quindi la parola a Perla, che in questo articolo ci guiderà alla scoperta di questi temi affascinanti e approfondiremo praticamente come Disegnare i tarocchi. Buona lettura! 🙂

I tarocchi sono entrati nella mia vita durante l’infanzia.
Mi hanno affascinata fin da subito: erano carte dense di colore, immagini da osservare e interpretare, cariche di mistero e di una magia silenziosa.
Se inizialmente li vivevo come un gioco, con il tempo li ho riscoperti come uno strumento di autoanalisi e ascolto interiore, e da lì è nata una domanda:

che cosa significa davvero ogni carta per me?

È da questa domanda che ho deciso di illustrarli.
Illustrare una carta dei tarocchi significa entrare in dialogo con un archetipo: non si tratta solo di rappresentare un simbolo, ma di dare forma a qualcosa che vive dentro di noi e si tramanda da generazioni attraverso l’inconscio collettivo.

In questo articolo ti racconterò come ho illustrato la carta de Il Matto, offrendoti un punto di partenza per provarci a tua volta.

Il Matto è una carta che sfugge alle definizioni, che si muove ai margini, che esiste nel cambiamento continuo e nell’assenza di una direzione precisa.
È la carta del viaggio prima della meta, del passo nel vuoto, della fiducia istintiva che spinge ad andare avanti anche quando non si sa esattamente dove si sta andando.

Comprendere l’arcano: significato prima dell’immagine

Prima ancora di tracciare una linea, il lavoro comincia sempre dalla comprensione del simbolo.
Il Matto è spesso associato al numero zero, o a nessun numero.
È fuori dall’ordine, ai margini del mazzo e, proprio per questo, lo attraversa tutto.
Rappresenta insieme:

• L’inizio e la fine
• La libertà
• L’intuizione
• Il coraggio di partire senza sapere dove si arriverà
  

Non è follia nel senso comune del termine, ma abbandono.
È l’atto di fidarsi della vita anche quando non esiste una mappa.

Prima di disegnarlo mi sono fermata a chiedermi:

che tipo di libertà voglio raccontare?
Che cosa significa per me la fiducia? Come posso rappresentare visivamente l’istinto che prende il sopravvento sulla razionalità?

Ricerca visiva e riferimenti simbolici

Dopo lo studio concettuale, sono passata alla ricerca iconografica. Nei tarocchi di Marsiglia, che ho scelto come riferimento, Il Matto presenta alcuni elementi significativi:

• Viene rappresentato come un viandante;
• Porta un bastone e un fagotto;
• Un cane lo accompagna o lo trattiene;
• Ha un passo sospeso, quasi instabile.

Questi elementi non sono obbligatori, ma funzionano come ancore simboliche.
Possiamo infatti scegliere di sostituirli con immagini metaforiche, come: un bagaglio emotivo invece che materiale, un animale interiore invece di un cane, uno spazio vuoto al posto del baratro.

La chiave è non appesantire l’immagine: il Matto vive di leggerezza, di aria, di margini aperti.

3. Disegnare i Tarocchi – Dal concept al bozzetto: raccontare il movimento

Una volta chiarito il messaggio, passo al bozzetto. Questa fase, mi aiuta prima di tutto a definire la sensazione di movimento e fiducia verso l’ignoto che il Matto dovrebbe emanare. 

Lavoro su: 

• Linee dinamiche
• Equilibrio instabile
• Asimmetria

Lo disegno partendo da una linea obliqua ascendente, in una posizione che lo fa sembrare quasi sospeso, completamente in balia del destino.
In questa figura ho trovato una forte affinità con Dioniso, e per questo ho scelto di inserire elementi che lo richiamassero: le foglie di vite, una tigre tatuata sul braccio (che era il suo destriero, ma che può anche essere letta come simbolo del dominio sulla paura).

Nei tarocchi è fondamentale anche la direzione dello sguardo dell’arcano da rappresentare.
Il Matto raramente guarda lo spettatore. Il suo sguardo è altrove, o rivolto all’interno. Io l’ho disegnato bendato, rafforzando ancora una volta il concetto dell’istinto primordiale che prende il sopravvento.

4. Disegnare i tarocchi – Colore e atmosfera: il vuoto come presenza

Anche la scelta della palette cromatica necessita di una riflessione rispetto ai concetti che si vogliono raccontare.
In questo caso funzionano bene:

• colori caldi;
• contrasti marcati;
• sfondi aperti o indefiniti;
  

La palette cromatica deve sostenere il significato della carta, non sovrastarlo. Anche la tecnica (acquerello, digitale, matite, mixed media) influisce sull’atmosfera. Il vuoto, in questa carta, non è mancanza ma possibilità. Lasciare parti non definite, texture leggere, segni incompleti aiuta a trasmettere l’idea di qualcosa che non è ancora fissato.

Per questa illustrazione ho scelto di lavorare con acrilici e spatole, una tecnica più fisica e istintiva, capace di rispecchiare la natura primordiale dell’arcano.

5. Dettagli simbolici e rifinitura

Nella fase finale si inseriscono i dettagli: piccoli segni che spesso non vengono notati consciamente, ma che lavorano a livello inconscio. Per quanto mi riguarda, questa fase è utile per sottrarre elementi dall’immagine, piuttosto che aggiungerne. In questo caso ho scansionato la mia tavola e l’ho rielaborata digitalmente. 

Ho scansionato la tavola e l’ho rielaborata digitalmente, scegliendo di dare respiro allo sfondo attraverso il bianco: un segno di caos, ma anche di vuoto, di pausa, di respiro. La spirale, inizialmente collocata nell’angolo in basso a sinistra, ha assunto un ruolo centrale, inserendo Il Matto in una dimensione ciclica, simile a un loop infinito.

Come l’arcano stesso, anche l’immagine rimane aperta.
Non racconta una risposta, ma una possibilità.

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Buona lettura, e vai Kella!

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La natura, con i suoi colori mutevoli e le infinite sfumature di luce, è una fonte inesauribile di ispirazione. In questo tutorial scopriremo come disegnare una mantide con la tecnica del layering, un metodo che permette di stratificare i colori con le matite per ottenere profondità, luminosità e ricche texture.

Il soggetto scelto è la mantide religiosa, perfetta per mostrare la bellezza di questa tecnica e la sua capacità di trasformare semplici tratti in un disegno ricco di dettagli e sfumature. Imparerai passo dopo passo come realizzare il tuo disegno, sperimentando la magia della tecnica del layering con le matite colorate.

Che tu sia principiante o già esperto, questa guida ti aiuterà a scoprire nuove possibilità creative, portandoti a un risultato finale sorprendente!

Materiali Essenziali per il Layering

Per imparare a destreggiarti con il layering con le matite colorate, ecco ciò che serve:

1. Matita in grafite – Una HB leggera, ideale per lo schizzo iniziale.
   
2. Carta – Consiglio Rismaluce Favini liscio da 200 g/m², perfetta per accogliere più strati di colore senza compromettere la precisione.
   • Con carta più ruvida si ottiene un effetto più espressivo ma meno dettagliato.
     
3. Matite colorate – Uso le Koh-I-Noor Studio: accessibili, ma capaci di ottimi risultati.
   
4. Altri strumenti – Gomma pane, gomma normale, gomma di precisione (Tombow Mono Zero) e penna multicolor (Carioca).

Che cos’è il Layering e perché usarlo

La tecnica del layering con le matite colorate consiste nell’applicare strati leggeri di colore, in genere dal chiaro allo scuro, fino a ottenere la nuance desiderata.

• Alla fine si può applicare maggiore pressione per stabilizzare i pigmenti (tonal burnishing).
• Esistono strumenti specifici come blender o burnisher, ma io preferisco affidarmi alla naturale leggerezza delle stratificazioni.

Il layering è ideale se vuoi ottenere sfumature delicate, colori intensi e un effetto realistico senza dover premere subito con forza sul foglio.

Come disegnare una mantide con la tecnica del layering – Passo dopo passo

Fase 1 – Schizzo e base

Comincio con lo schizzo del disegno utilizzando una matita in grafite leggera (la mia è una HB).
Una volta completato il disegno di base, lo alleggerisco tamponandolo delicatamente con la gomma pane, in modo che le linee siano appena visibili.

Inizio dalla testa del soggetto e procedo dall’alto verso il basso. Questo approccio mi permette di avere sempre una visione chiara d’insieme del lavoro e, soprattutto, minimizza il rischio di appoggiare la mano sulle parti di disegno già completate, evitando così sbavature indesiderate.

Si può procedere anche da destra verso sinistra o all’inverso, a seconda se si è destrimani o mancini.

Fase 2 – Prime ombre

Con le matite colorate delineo una porzione di contorno. Prima con la matita rossa e poi con quella marrone, inizio a tracciare le zone più scure e le ombre.

Fase 3 – Stratificazione dei colori

Torno indietro ed inizio la stratificazione di colori, individuando le aree più verdi (e allora uso il verde), quelle più arancioni (uso l’arancio) e quelle più marroni (uso il marrone), rispettando l’ombreggiatura.

Per la costruzione dell’ombra posso anche immettere i colori complementari: il rosso nel verde ed il verde nel rosso in un gioco di continua calibrazione e stratificazione.

Continuo sovrapponendo ed incrociando i colori, sperimentando ed assicurandomi di non lasciare buchi bianchi e incolori. Non c’è un numero preciso di stratificazioni; posso farne tante quante la carta mi consente prima di arrivare a saturazione.

Se sbaglio la nuance posso intervenire prima tamponando con la gomma pane e poi intervenendo con il gommino di una matita, o con la Tombow Mono Zero.

Cerco ovviamente di rimanere concentrata e sbagliare il meno possibile per non rovinare la carta. Mi godo il momento, sono qui presente a me stessa e nel flusso, non ho fretta.

Fase 4 – Eventuale Schiacciamento con Maggior Pressione

Solo alla fine di questo processo, se sono certa di non dover aggiungere altra stratificazione, applico una maggior pressione con un colore (non necessariamente il più scuro, ma uno chiaro o mediano) per operare fusione e stabilizzazione dei colori (tonal burnishing).

Fase 5 – Lavorazione a zone limitate

Continuo a lavorare per tutto il disegno, ma nel colorare, procedo a zone limitate, per assicurare la stessa concentrazione e impegno in ogni parte, garantendo così uniformità.

Fase 6 – Rifiniture finali con penna multicolor

La mia tecnica di colorazione è quasi sempre contaminata, mista, in quanto prevede l’utilizzo della penna multicolor non solo per rifiniture, ma anche al di sopra delle ombre stesse con una leggerissima velatura o un quasi impercettibile tratteggio.

E questa è la mantide ultimata con la tecnica del layering con le matite colorate!

Texture ed Effetti del Layering

Per spiegarvi al meglio la texture ottenibile con il layering, mi lascio ispirare dall’habitat della mia modella: un bel prato!

Nelle aree più grandi e libere come appunto cielo e prato, è necessaria un impugnatura della matita arretrata, cioè più vicina all’estremità finale che alla punta. Questo permette un libero dipanarsi del movimento del polso, ideale per le velature ampie e uniformi.

La texture del layering varia a seconda del tipo di segno che viene applicato:

• Tratteggio: Linee parallele più o meno fitte
• Incrocio di tratteggi: Linee incrociate che creano una trama più densa
• Segni circolari o ricciolini: Movimenti che tendono a riempire l’area con una texture più morbida e meno direzionale

Mi piace che rimanga una traccia di questi segni grafici, soprattutto in modo labile e soffuso, perché personalizzano la tecnica e conferiscono un carattere unico al disegno.

Altri esempi di disegno con il layering

La stessa tecnica può essere applicata ad altri soggetti naturali o fantastici. Ogni stratificazione regala sfumature uniche e texture diverse: dal realismo delicato alle atmosfere più espressive.

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Articolo di Kella Sashella

Ciao a tutte le Sognatrici e i Sognatori!
Sono KellaSashella, ma potete chiamarmi Kella. Ho 55 anni e ho ripreso a disegnare nel 2022 dopo una lunga pausa. Amo l’illustrazione, i paesaggi della natura e il realismo magico.

Disegno in tradizionale, con grafite, penne e le mie mille matite colorate.
Mi piace pensare che le mie illustrazioni custodiscano la bellezza di un mondo sospeso e che il disegno sia un atto di libertà e meraviglia.

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Con questo articolo voglio portarvi nel mio iter creativo di questo nuovo progetto illustrato: partendo dallo sketch fino alla definizione dei colori, vi mostrerò il processo che ho messo in atto per trasformare questa scatola di BIG BABOL in una nuova illustrazione.

Prima di immergermi nel mondo dell’illustrazione, lasciatemi condividere con voi la meraviglia di questo box. È un cartone rigido, vivacemente decorato con colori sgargianti e un profumo irresistibile di fragola. Aprirlo è stato come fare un tuffo nel passato. All’interno, oltre ai pacchetti di gomme da masticare, ho trovato una lettera scritta a mano, una scelta dell’azienda che ha reso tutto ancora più speciale.

Ma veniamo a noi:

come trasformare questo scrigno di dolcezza firmato BIG BABOL in un’opera illustrata?

Innanzitutto, ho deciso di lasciarmi ispirare dalle forme e dai colori che componevano il box.
I pacchetti rettangolari e le gomme a forma di palline hanno catturato la mia attenzione, così come la palette con toni fluo, blu, rosa, rosso e nero.

Dopo una fase di riflessione e brainstorming, ho deciso di dare vita a un minimondo che catturasse l’essenza giocosa e divertente di Big Babol.
Ho immaginato una ragazza che soffia un palloncino rosa, circondata da pacchetti di gomme trasformati in palazzi e sagome di personaggi in movimento. Il tutto si sviluppa sotto un cielo popolato da pianeti colorati e nuvole bianche.

La fase di sketch è stata cruciale.
Ho optato per una rappresentazione non convenzionale. Ho trasformato il minimondo in un volto femminile, con i pacchetti di gomme che fungono da elementi architettonici e decorativi.
Ho poi suddiviso l’immagine in due piani, creando una composizione dinamica e coinvolgente.

Per la colorazione, invece, ho scelto una palette ispirata ai colori di gomme e pacchetti, con accenti vivaci per creare contrasti e armonie a livello visivo.
Il risultato finale è un’illustrazione che cattura l’energia e il divertimento di Big Babol, trasformando una semplice scatola in un viaggio fantastico alla riscoperta di dolci sapori passati.

Nel video fissato all’inizio dell’articolo trovi tutto l’iter creativo più nel dettaglio, con le riprese in tempo reale del progetto.

Se ti incuriosiscono i miei lavori, trovi il mio portfolio personale qui: ALESSANDRA LORETI -> https://alessandraloreti.it

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Oggi ci immergiamo nel mondo dei flipper, dove l’illustrazione è diventata parte integrante dell’identità dell’oggetto.
In questo articolo scopriremo come gli artisti hanno portato la loro creatività sui tavoli da gioco e come le illustrazioni hanno contribuito a creare l’atmosfera unica che tutti ricordiamo.
Infine proveremo a realizzare un’inedita testata di un flipper con un tema proposto dalla nostra community Facebook.

Ma prima partiamo con

Un po’ di storia

La storia dei flipper affonda le sue radici agli inizi del XIX secolo quando il gioco veniva ancora giocato con palline di metallo e senza elementi elettronici. Un primo antenato del flipper fu la Bagatelle, in cui il giocatore utilizzava una piccola stecca per spingere la pallina su un tavolo inclinato. Solo verso la fine dell’800 la stecca viene sostituita da un pistone a molla, dando vita ad una nuova versione del gioco che gli americani chiamarono PINBALL.

In questi primi rudimenti del flipper troviamo davvero pochissimi elementi illustrati, come il logo del produttore o il nome del gioco.
L’illustrazione fa il suo vero ingresso solo negli anni ’50 e ’60, decenni in cui i flipper iniziavano a diventare più complessi con un funzionamento meccanico.

L’illustrazione, a questo punto, costituiva un elemento chiave nel design dei flipper, con artisti che si concentravano sull’uso di colori vivaci e immagini attraenti per catturare l’attenzione dei giocatori.

Negli anni ’60 la Gottlieb era una delle principali case produttrici di flipper dell’epoca. L’azienda aveva un’attenzione particolare per l’illustrazione e si avvaleva di alcuni degli artisti più talentuosi dell’epoca per creare le illustrazioni delle sue testate.
Tra questi ricordiamo Gordon Morison. Le sue immagini erano spesso ispirate alla cultura popolare dell’epoca, con riferimenti a film, musica e televisione. Le sue opere erano caratterizzate da una forte attenzione ai dettagli e una grande abilità nel creare scene dinamiche e coinvolgenti.

Un altro artista che contribuì in modo significativo alle testate dei flipper Gottlieb fu Roy Parker, che creò alcune delle immagini più iconiche dei flipper Gottlieb degli anni ’60. Parker utilizzava colori vivaci e contrastanti, spesso rappresentando immagini di donne seducenti e avventure esotiche.

Ed ora passiamo alla parte operativa del progetto!

Ora che abbiamo capito come veniva utilizzata l’illustrazione nell’universo dei flipper, rivediamo insieme quali sono i punti chiave che caratterizzavano le testate Gottlieb e che potremmo utilizzare nella nostra illustrazione.

1. Partiamo dallo stile grafico

Le illustrazioni presentavano spesso personaggi caricaturati in modo divertente, con caratteristiche esagerate e fumettistiche. Molto cartoon.

2. I colori

In secondo luogo i colori sono molto vivaci, con una varietà di tonalità utilizzate per creare contrasti e dare profondità all’immagine.
Inoltre, molte illustrazioni presentavano temi in voga per l’epoca, come ad esempio il rock and roll, lo sport, i supereroi e la cultura popolare.

3. La composizione

E, infine, parliamo di COMPOSIZIONE: gli elementi interni all’illustrazione erano disposti in modo creativo e dinamico sulla testata del flipper per accentuare l’idea di movimento e divertimento.

Per decidere che gioco illustrare, sabato e domenica ho aperto un post di confronto sul gruppo Facebook de La Fabbrica dei Sogni, dicendo, genericamente, che stavo cercando un argomento per un video sull’illustrazione a tema videogiochi.

Questo per non influenzare la scelta e dare la possibilità a tutti di esprimersi liberamente e senza il condizionamento dell’oggetto fisico del flipper. L’idea più interessante è stata proposta da Sofia Sgarella che ha detto

“Ale, ma perché non fai un gioco sui Maneskin con Damiano e Viktoria come protagonisti”?

E così eccoci qui a progettare la nostra testata flipper a tema Maneskin.

Trovi tutti gli step del progetto “Disegno un flipper ispirato ai Maneskin” nel video sul canale:

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Queste meravigliose creature alate hanno ricevuto in dono un arcobaleno di colori e, quando sono posati, hanno una forma semplice e aerodinamica, facile da schizzare nelle linee principali.

Materiali e supporti

Una tecnica che si presta particolarmente per ritrarre questa tipologia di soggetto è quella delle matite colorate a carboncino, dall’effetto morbido e vellutato. Queste matite possono essere sfumate, miscelate, graduate a partire dalla velatura fino alla coprenza piena. 

Sono composte da pigmenti pressati con una parte di grafite e una parte di argilla.
Quest’ultima conferisce la consistenza tenera, tipica del carboncino, che si polverizza facilmente.  
La marca usata per questi disegni è la Sakura – Bruynzeel, serie Pastel Design, ma ci sono molte altre marche come Carbothello e Cretacolor.

La difficoltà nell’uso sta nell’eccessivo sfarinamento del pigmento che tende a sporcare; il residuo deve essere soffiato via oppure lasciato scivolare tenendo il supporto su cui si disegna in posizione inclinata. 
Oltre a consumarsi molto facilmente (con il rischio di macchiare il disegno) le matite a carboncino sono anche fragili. Bisogna fare attenzione quando le temperiamo: ricordate di utilizzare sempre un temperino affilatissimo o, ancora meglio, temperare a mano con l’aiuto di un cutter o un taglierino affilato.

Poiché la punta di queste matite si consuma molto velocemente, per alcuni dettagli finali è consigliabile utilizzare anche altri medium, come la penna a sfera, la penna gel bianca e le matite colorate semplici.

La carta migliore, ideata proprio per questo mezzo, è ruvida ma con grana abbastanza fine e vellutata. Di solito gli album pensati per questa tecnica hanno i fogli con un lato più ruvido e uno più liscio. Io preferisco quest’ultimo.

Dopo aver completato il disegno, ricordate che va sempre protetto con un fissativo a base di gommalacca e resine, oppure, in mancanza, con una lacca per capelli.

Iniziamo: disegnare uccelli variopinti

Per cominciare con qualcosa di semplice, suggerisco di partire da soggetti con una gamma limitata di colori. Questo Monachino dal piumaggio bianco e nero ha bisogno di risaltare rispetto al bianco del foglio. Dopo aver abbozzato le forme principali, stendiamo il verde sullo sfondo, sfumandolo con un Cotton fioc .
Quindi passiamo uno strato di colore, cercando di seguire, nel tratto, la forma dell’uccellino.

Con queste matite è un peccato accontentarsi di un solo strato: è proprio quando le velature si sovrappongono che il colore comincia a “vibrare”, dando effetti cangianti, morbidi e pieni.
Ecco il risultato finale:

Il secondo soggetto è più complesso: un Gruccione dalle piume variopinte. Anche in questo caso abbozzo le forme principali in modo leggero e delineo le zone di colore. Attenzione a non esagerare con gli strati. Ad un certo punto la carta si saturerà e non supporterà altro colore. 

Ecco il risultato finale:

Infine mettiamoci alla prova con un soggetto più complesso, un Martin Pescatore. Questo uccello ha molti dettagli nel piumaggio e, per rendere al meglio tutti i particolari, ho usato una tecnica mista, con penna a sfera, penna gel bianca e matite colorate semplici.

Le matite a carboncino rendono particolarmente bene su carta colorata, perché si può lavorare su toni medi aggiungendo sia scuri che punti luce. Inoltre, la tinta di base traspare anche dopo più strati e contribuisce all’armonia dell’insieme. 

Per questa Cinciallegra ho usato un foglio giallo. 

Infine un esempio con sole matite colorate.

Adesso tocca a te cimentarti nel disegno degli uccelli variopinti. Prova a studiare alcune di queste stupende creature usando carta e colori. Sarà un modo per avvicinarsi alla parte più libera e creativa del proprio essere. 

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articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena. Scopri gli altri articoli di Cinzia per la categoria Ispirazione su carta

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Ho guardato e riguardato le sue tavole migliaia di volte, trovandovi sempre qualcosa di nuovo: un mistero da svelare o una meraviglia da assaporare. 
Oggi è ritenuto un autentico classico, anche per le trasposizioni in chiave fumettistica di capolavori di alcuni autori dell’Ottocento: Poe, Lovecraft, Stevenson, Hoffman. Battaglia era in grado di restituire magnificamente l’atmosfera perturbante che caratterizzava le storie di questi grandi scrittori.

Dino Battaglia: il talento

Il suo talento ha diverse componenti:

• sperimentazione stilistica del linguaggio del fumetto con una composizione delle tavole e montaggio delle vignette molto peculiari
• uso del lettering non solo come testo ma come elemento grafico inserito nell’immagine
• capacità narrativa dal ritmo incalzante
• un disegno in bianco e nero colto e raffinato, frutto di una tecnica manuale molto elaborata ed eseguita con grande maestria.

Purtroppo la sua tecnica è rimasta quasi del tutto misteriosa: Battaglia non ha mai tenuto corsi, né lasciato scritti in merito ai suoi “segreti del mestiere”. L’unica a conoscere nel dettaglio il lavoro di Dino Battaglia era sua moglie, brava acquerellista, che ha colorato molti delle sue tavole.
Purtroppo è scomparsa  anch’essa nel 2018. 

Da sporadiche interviste rilasciate negli anni (e alcune tracce raccolte qua e là), ho reperito quante più informazioni possibili e ho provato a ricostruire, in modo del tutto empirico, un metodo che si avvicinasse quanto più possibile al suo. 

Cominciamo dai materiali:

Il medium principale è l’inchiostro di china, applicato con diversi pennini sottili 

Poi strumenti per tamponare, come batuffoli di cotone, spugnette, pezzi di stoffa ecc. 

poi strumenti per graffiare, come cutter di precisione, stecche sottili, cartavetro a grana grossa.
Per correggere eventuali errori è utile anche un correttore acrilico.

infine carta da lucido, un pennarello nero a vernice, gomma e matita.

Come supporto, ho provato diversi tipi di carta ma la migliore è il cartoncino molto liscio da stampante o per pennarelli.

Battaglia: proviamo a comprendere lo stile

Iniziamo.
Per il soggetto dell’illustrazione, ho scelto una serie di immagini che ritraggono scene del museo archeologico nazionale di Napoli, un luogo affascinante e ricco di suggestione.
Se usate vostre foto personali, le immagini a colori vanno convertite in bianco e nero, aumentando notevolmente i contrasti.
Vanno eliminati i dettagli in eccesso e, inoltre, i vari elementi devono essere distribuiti in modo che i bianchi e i neri si alternino in modo armonioso.

Inizio con una leggera traccia a matita.  Quindi ripasso con il pennino intinto nella china.La statua in primo piano è in controluce ma non del tutto scura. Quindi voglio colorarla con il grigio spugnato tipico di Battaglia.

Ricalco la sagoma su carta da lucido e la ritaglio. Quando faccio questa operazione ottengo due sagome: una positiva (la forma ricalcata chiusa) e una negativa, cioè lo sfondo. Posso utilizzarle entrambe.
Per colorare la sagoma uso quella negativa per schermare lo sfondo.

Passo il tampone di ovatta che ho sporcato con il pennello imbevuto di china.
La parte sottostante invece è scurita con il pennarello a vernice.
Le forme regolari sono schermate con semplici fogli di carta.

Ed ecco il risultato finale.

Per il secondo disegno ho usato le sagome in positivo perché stavolta volevo ottenere l’effetto spugnato sullo sfondo.

 ed ecco il risultato finale:

Il busto sullo sfondo è stato graffiato con il cutter ben affilato.
Volendo si può usare anche della carta vetrata.

Per valutare l’equilibrio compositivo, Battaglia metteva i disegni davanti allo specchio.
In questo modo poteva osservare tutto da un diverso punto di vista, ed eventualmente effettuare correzioni, alleggerire il nero con graffiature, o riempire le parti chiare. 

Dino Battaglia è inarrivabile: credo che questi esempi siano solo una base di partenza per iniziare a comprendere un pochino meglio l’approccio stilistico. 
Mi ripropongo di approfondire ancora la sua tecnica così laboriosa ma ricca di soluzioni geniali, tutte da provare: spugnature con stoffe, cartonlegno, sagome ricavate da materiali diversi. 
Adesso tocca a te. Ti invito a sperimentare la tecnica e lo stile di Dino Battaglia provando a ricostruire le sue magiche atmosfere.
Sarà un modo per rendere omaggio ad un maestro rimasto negli anni ineguagliabile!

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articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

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Un disegno può descrivere un momento in tutte le sue sfaccettature e consentire di rispondere a queste domande: che ore sono? Siamo all’aperto o in un ambiente chiuso? Che tempo fa?
Con la luce possiamo raccontare ed evocare emozioni e sentimenti legati alle stagioni, al clima o ai fenomeni atmosferici. 

Per comprendere un tema così complesso è essenziale osservare ciò che ci circonda focalizzandoci sulle sorgenti luminose, sulle ombre e i toni di colore.
Un ottimo testo che offre spiegazioni semplici e chiare sull’argomento è “La luce nell’arte“ di Richard Yot (ed. Logos). 

Per questo progetto lavoreremo con le matite colorate, quindi assicurati di avere tutto ciò che occorre.

Pronti? Iniziamo!

Luce naturale – le nozioni di base

Partiamo dalle nozioni di base: la principale fonte di luce è il sole.
Il sole ha una luce bianca e un’unica direzione, per cui genera ombre nette e marcate.
Anche il cielo illumina con la sua luce blu, ma siccome è molto più grande e avvolgente, genera ombre morbide e anch’esse di colore blu.
Al mattino si nota poco, perché la luce del sole è più forte e il cielo è più chiaro. Inoltre il nostro sistema visivo tende a farci percepire la luce come  neutra. Man mano che scende la sera ci accorgiamo che le ombre diventano più blu.

Lo schema seguente esemplifica i vari tipi di illuminazione naturale.

Luce naturale – luce cd. antimeridiana

La luce cd. antimeridiana è la luce “migliore”, la più ricercata dai fotografi, perchè illumina i soggetti da tutti i lati con luce diffusa e mostra tutti i colori ben saturi. Si vede a metà mattina o metà pomeriggio.

Gli oggetti all’aperto sono illuminati sia dal sole che secondariamente dal cielo.
Gli oggetti di colore chiaro, come ad esempio una strada bianca, riflettono a loro volta la luce, costituendo così una terza sorgente. 
L’area più scura, detta terminatore, è la zona che riceve meno luce e si trova al confine tra la parte esposta al sole e quella esposta ai riflessi luminosi delle superfici chiare. 

Spesso la mente fatica a registrare esattamente questi elementi perchè la nostra visione “corregge” la realtà, per esempio facendoci vedere chiaramente anche al buio, eliminando certe variazioni cromatiche dovute ai riflessi o alle luci artificiali.
La macchina fotografica digitale ci viene in aiuto rivelando spesso realtà che ci sfuggono ad occhio nudo.

Ad esempio questo colonnato, che dal vero mi era sembrato tutto bianco e con le ombre nere o grigie, risulta invece, nella foto scattata verso le 10,30 del mattino, con evidenti ombre blu.
Per ottenere i colori reali programmo il bilanciamento del bianco su “luce neutra”, quindi senza correzioni da parte della macchina.

Al fine di esprimere al meglio la luce, le matite colorate sono un valido aiuto, sia per la varietà di gamma che offrono sia per la possibilità di sfumare e di lavorare a strati uniformi. 
Per ottenere la texture della pietra, graffio leggermente la carta con uno strumento appuntito: così, quando passo il colore, le zone graffiate si evidenziano come piccole irregolarità della superficie. 
Per colorare le forme geometriche in modo preciso e netto, invece, uso un foglio da sistemare lungo i bordi.    

Luce naturale – Luce meridiana

Quando il sole si trova nel punto più alto del cielo, la sua luce meridiana raggiunge la massima intensità ed è bianchissima, tanto da sbiadire i colori circostanti; inoltre genera ombre corte e molto nette e scure, quasi nere. Vediamo che l’effetto è diverso negli ambienti urbani rispetto alle zone verdi.
Nel primo caso i palazzi sono molto luminosi anche per le luci riflesse.

Nelle zone verdi, quando alberi e fogliame sono molto fitti, il verde può a sua volta riflettersi tutto intorno generando una luce dello stesso colore.

Le luci del pomeriggio

Questo sentiero di montagna è stato ritratto tra l’1 e le 2 del pomeriggio; per questo motivo le ombre sono corte e le zone in luce appaiono quasi bianche o dai colori molto chiari.
Ecco lo schizzo iniziale da cui sono partita:

La luce naturale non è mai uguale a se stessa.
Un tardo pomeriggio ritratto d’inverno non è uguale ad un pomeriggio estivo e la presenza o meno di nuvole genera grandi differenze cromatiche. 

Questo paesaggio ad esempio ritrae un pomeriggio di gennaio, verso le 15,30. 

Quando il sole comincia a calare, più sono dense e fitte le nuvole più la luce è diffusa, intensa e blu.
I contorni sono morbidi, i colori e le texture sono ben evidenti, poiché maggiore è lo strato di aria che la luce deve attraversare e più la luce si rifrange e si diffonde.

Essendo il sole vicino all’orizzonte spesso è possibile vedere dei riflessi rosa o arancio sotto le nuvole che vengono illuminate dal basso e che donano al cielo sfumature violacee. Negli spazi verdi, se la luce è debole il fogliame e il terreno scuro non riflettono nulla e assorbono tutta la luce, per cui appaiono sempre scuri.

D’estate, nel tardo pomeriggio, il cielo sereno crea una luce molto gradevole e calda, tendente al giallo. Insieme alle ombre blu formano una coppia cromatica di complementari sempre molto amata dagli artisti. Le ombre si allungano e possono apparire rosa.
Quando i colori sono la cosa più importante, eseguo prima le campiture di base e solo alla fine aggiungo tutti i particolari a matita.

Le luci della sera

Osservate e fotografate i tramonti: non ne esiste uno uguale ad un altro.

Uno degli errori in cui è facile incorrere è l’inserimento delle luci gialle nel cielo blu.
L’accostamento e la sovrapposizione accidentale di questi due colori può dare tonalità sul verde.
Un modo per non sbagliare è sistemare i colori con questa sequenza: giallo (vicino al sole), arancio, rosso, viola, blu.
In tal modo giallo e blu saranno ben distanziati e non correranno il rischio di fondersi tra loro. 

Altro momento speciale è il crepuscolo. Il cielo a quest’ora è imprevedibile: se il tempo è sereno, il sole riesce a dare un tono rosa, arancio o rosso nelle zone di cielo che illumina dal basso e, questo colore, appare anche sulle superfici riflettenti. Pensa ad esempio ai palazzi di colore chiaro.
La luce è debole, per cui colora solo una piccola zona, mentre il lato opposto e la parte alta del cielo sono di un blu intenso.
Se il cielo è nuvoloso appare tutto blu scuro e la notte cala velocemente. 

Per questo scorcio che ho visto dalla mia finestra, in una sera invernale dal cielo terso, ho usato solo tre colori: nero, blu, e rosa.
Le silhouettes degli alberi sono fatti invece con la penna a sfera, che permette tratti più morbidi rispetto al marker.

Vi invito ad osservare il cielo con occhio attento.
Cercate di ritrarre situazioni con atmosfere sempre diverse, con l’aiuto anche di una macchina fotografica.
Un po’ alla volta il vostro sguardo si affinerà e diventerà più sensibile alle variazioni di luce, arricchendo le immagini di nuove e colorate emozioni!

Ora tocca a te sperimentare e rappresentare paesaggi con la luce naturale!

I pastelli utilizzati da Cinzia nell’articolo

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articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

L'articolo Colori e atmosfere: la luce naturale proviene da La Fabbrica dei Sogni - disegno e illustrazione.

La scelta della carta e dei materiali

Colore, textures, luci ed ombre saranno quindi gli elementi su cui focalizzarsi per rendere l’idea del tipo di stoffa. La tecnica da utilizzare va ricercata caso per caso, usando tutti i medium a disposizione (inclusa tanta immaginazione!): acquerelli, pennarelli, pastelli, penna gel…
E, per ottenere effetti realistici, anche superfici in rilievo per il “frottage”o “l’embossing”, come la carta vetrata o il cartoncino filigranato da mettere sotto il foglio per poi sfregare con le matite.

La carta adatta per disegnare non deve essere quindi né troppo spessa, altrimenti non sarà sensibile allo sfregamento, né troppo sottile, perché deve sopportare almeno tre strati di colore, anche ad acqua.  Dopo aver sperimentato diversi supporti ho scelto un album Moleskine liscio da 120 gr., colore avorio. 

Iniziamo a disegnare i vestiti!

Ho trovato molti suggerimenti utili in un manuale scolastico ad uso degli studenti dell’accademia della moda. Ma lo scopo non è di fare “figurini” ad uso delle aziende, bensì vestire le nostre figure arricchendole di elementi narrativi.

Prendiamo ad esempio un tessuto di lana spigato: per questo cappotto ho fatto una prima velatura di acquerello. Poi un frottage eseguito mettendo sotto il foglio un pezzo di carta vetrata molto grossa e sfregando con matita colorata dura. Infine, un terzo strato, sempre a matita, che riproduce il motivo a “spina di pesce” .

Per un pullover di lana, invece, ho usato tre strati di matite colorate morbide: base uniforme, frottage con cartoncino filigranato. Infine ho aggiunto ombre e luci con matita grigio scuro e penna gel bianca.

Gli studenti degli istituti professionali di moda usano raccogliere campioni di stoffe su cartoncini con a fianco la rispettiva versione grafica, cercando la tecnica che meglio interpreta colori ed effetti.
Al momento opportuno sono in grado di disegnare un abito ricorrendo al loro archivio grafico-materico. 
Per questa gonna ho preso come riferimento una foto da un giornale di moda. 

Disegnare i vestiti sui nostri personaggi

A questo punto siamo pronti per rappresentare scene e personaggi dando loro una precisa identità e personalità attraverso l’abbigliamento.
Come reference preferisco attingere al mio archivio di foto personali, scattate qua e là nei musei, per strada, durante le manifestazioni studentesche.. Può sembrare scontato, ma spesso dimentichiamo di volgere lo sguardo verso i luoghi che frequentiamo, ricchi di vita vera e persone interessanti.

Per la camicia ho usato una base di pennarello, una penna gel bianca e un terzo strato di pennarello per le ombre in sovrapposizione.
I jeans sono realizzati con matite colorate e penna gel bianca, mentre la camicia del secondo personaggio è stata fatta con matita e pennarelli.

Matite colorate e pennarelli sono i medium utilizzati anche per illustrare queste ragazze che osservano la strada.
Ogni capo d’abbigliamento ha richiesto uno studio apposito, compresi gli accessori che arricchiscono l’immagine: la matita bianca morbida crea effetti di lucentezza sul pennarello sottostante.
Ricordiamo di far asciugare bene quest’ultimo, che contiene acqua, prima di procedere con matite che contengono leganti oleosi.

La prospettiva delle scarpe e i motivi delle stoffe

Particolare attenzione va prestata anche alla prospettiva delle scarpe. Un dettaglio molto importante che dà l’idea del peso del corpo sul piano, dell’equilibrio generale della figura rispetto alle sue proporzioni e alla posizione che assume. Suggerisco di fare degli studi appositi raccogliendo in un taccuino tipi di scarpe, (ma anche borse, cappelli…) disegnati nelle varie posizioni.

Altro elemento a cui prestare attenzione quando studiamo come disegnare i vestiti è la direzione dei motivi delle stoffe.
Le righe e i quadretti, ad esempio, cambiano verso quando gli arti si piegano, in corrispondenza delle articolazioni.

 Infine un piccolo riferimento allo studio dei costumi, un modo affascinante per calarsi in epoche e mondi lontani. 

Adesso che abbiamo capito come disegnare i vestiti, siamo pronti per sperimentare.
Modelliamo una stoffa intorno al corpo per comprendere le pieghe principali che essa forma quando si tende, si addensa oppure cambia direzione.

Sperimentando in maniera continuativa e costante questo tipo di esercizio, saremo pronti per “cucire abiti su misura” per i personaggi più svariati.

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articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

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L'articolo Come disegnare i vestiti proviene da La Fabbrica dei Sogni - disegno e illustrazione.

Un buon artista può ottenere massimi risultati anche utilizzando strumenti economici e di facile reperibilità. In questo articolo valutiamo una specifica tipologia di questi strumenti, i pennarelli, e vediamo come un prodotto low cost possa comunque garantirci dei buoni risultati se utilizzato con la giusta consapevolezza.

La scelta dei pennarelli

Esistono pennarelli per tutte le tasche.
Abbiamo optato per la scelta di questo strumento perché il pennarello, oltre ad essere un prodotto presente a basso costo sul mercato, offre la possibilità di ottenere sfumature, luci e ombre, linee più o meno spesse.
Ne abbiamo già parlato sul blog in passato.
Oltre ad essere un ottimo modo per esprimersi in maniera semplice e veloce, i pennarelli sono diventati oggi una parte essenziale del disegno.
Le tipologie presenti sul mercato sono numerose, dai più economici ai più costosi, e ciascuno di essi ha caratteristiche diverse a seconda del risultato che si vuole ottenere.

In questo articolo abbiamo deciso di esplorare le possibilità offerte da tre diversi brand di pennarelli low cost, in modo da aiutarvi ad avere una panoramica su alcuni dei 3 prodotti più noti della categoria:

–I Giotto Turbocolor
–I Crayola Super Tips
– I Twin Markers di Flying Tiger

I Giotto Turbocolor

Giotto… Una sola parola ed ecco scorrere davanti ai nostri occhi tutti i frame dei pomeriggi passati a disegnare durante l’infanzia!
Coloratissimi come non mai, i Giotto Turbocolor sono dei pennarelli ad acqua, con un inchiostro composto da una minima parte di solvente e una soluzione acquosa di coloranti.
Questo si traduce in un assorbimento minimo dell’inchiostro sulla carta, sul cui retro, a differenza dei colori a base d’alcool, non trapassa il colore.

Tuttavia, sebbene questi coloranti ad inchiostro siano convenienti per i bambini, sono spesso sconsigliati ai professionisti per via della selezione di coloranti di inchiostro limitata e troppo vivace rispetto ad altri tipi di pennarelli.
Le tonalità che troviamo all’interno della scatola da 24 pezzi sono infatti estremamente brillanti, il che rende difficile la realizzazione di un’illustrazione complessa e ricca di dettagli e sfumature.
Eppure, in questo articolo, abbiamo ideato un modo creativo per sfruttare la punta conica e fine di cui sono dotati questi pennarelli che ci permetterà di tracciare delle linee di inchiostro pulite e precise.

Iniziamo a disegnare con i pennarelli Giotto!

Per prima cosa, come già detto in un articolo precedente, la scelta della carta è fondamentale quando si usano i pennarelli.
A fronte di alcune prove svolte prima di iniziare, abbiamo deciso di utilizzare un semplice foglio F4 della Fabriano per tutti i pennarelli che andremo a testare.
La scelta è quindi ricaduta su una carta spessa e liscia che non si deformerà con l’applicazione dei vari strati di inchiostro.

Una volta posizionato il foglio sul nostro piano di lavoro non ci rimane che tracciare un riquadro per lo sketch iniziale.
Abbiamo deciso che, con tutte e tre le tipologie di pennarelli, realizzeremo dei paesaggi, quindi cominciamo a tracciarne i contorni.

Colorazione

Il bozzetto iniziale ha richiesto pochissimo tempo per via della stilizzazione fatta di forme semplici. Iniziamo la colorazione dal cielo e, partendo da sinistra, tracciamo linee verticali una accanto all’altra in modo da riempire la zona del cielo. Facciamo attenzione a non tracciare linee sovrapposte.

Procediamo con le linee verticali degli altri elementi del paesaggio.
In questa fase cerchiamo di utilizzare i colori più chiari della palette scelta a monte.
Questo ci servirà per creare la base dove applicare le ombre che andremo poi ad integrare nella fase successiva.

È arrivato quindi il momento di aggiungere le ombre!
Con due tonalità di verde più scuro andiamo ad integrare le ombre sull’albero in primo piano, sovrapponendo due strati di linee.
Facciamo lo stesso anche sugli alberi in lontananza a sinistra. Poi andiamo a riempire gli spazi con altre tonalità di verde e aggiungiamo le ombre sparse sul prato con una tonalità di blu per creare l’illusione della profondità del paesaggio.

Una volta completata l’immagine, cancelliamo gli ultimi residui di grafite rimasti…

Et voilà, la nostra illustrazione è pronta per essere incorniciata!
Che ne dite, vi piace?

Dopo aver completato la nostra prima illustrazione, passiamo quindi ai prossimi pennarelli in lista!

Disegnare con i pennarelli Crayola Super Tips

I Crayola Super Tips (piccoli) sono pennarelli ad acqua e, proprio come i Giotto, sono solitamente destinati ai bambini.
Tuttavia il set da 50 pennarelli che abbiamo scelto, offre una grande varietà di tonalità e differisce dai Giotto per la particolare punta dei pennarelli.
I Crayola sono infatti dotati di una punta rigida e conica con la quale è possibile tracciare delle linee sottili o spesse a seconda dell’inclinazione del pennarello.
Grazie a questa loro caratteristica hanno attirato negli ultimi anni anche l’attenzione degli amanti del lettering e dei bullet journal che trovano in questi pennarelli la perfetta soluzione economica per i loro progetti. Vediamo come sfruttare queste particolari caratteristiche per creare un paesaggio illustrato.

Come già fatto precedentemente, partiamo dal bozzetto iniziale del paesaggio. Stavolta però adotteremo una stilizzazione più realistica per testare la resa cromatica di questi pennarelli.

Colorazione

Prima di procedere con l’applicazione del colore, passiamo la gomma pane sul foglio per alleggerire la grafite.
Anche qui iniziamo dal cielo e applichiamo due tonalità di azzurro e celeste, più scuro in alto e più chiaro verso il basso.
Essendo colori a base d’acqua le sfumature sono difficili da ottenere, ma grazie alla punta che permette di fare dei tratti più spessi e ripassando più volte il celeste anche sopra l’azzurro, la stesura diventa più omogenea.

La procedura per la colorazione è più o meno la stessa della prima illustrazione, quindi dopo aver definito il cielo procediamo con le altri parti del paesaggio.

Applichiamo prima il colore alle montagne sull’orizzonte con una tonalità di grigio-blu per farle apparire distanti; poi proseguiamo con il mare intensificando il colore verso il basso per conferire profondità.

A questo punto ci occupiamo della parte in primo piano, colorando il vaso e le ombre portate sul muretto.
Lasceremo bianche alcune parti per ottenere un effetto di luce.
Infine non ci resta che definire gli ultimi dettagli.

Sovrapponiamo altri strati di colore per ottenere delle ombre più intense, aggiungiamo delle macchie d’inchiostro irregolari per creare la texture del muretto e infine definiamo le nuvole in lontananza.

Ora la nostra illustrazione può dirsi finita!

Dulcis in fundo… ecco i nostri ultimi pennarelli in lista!

Disegnare con i Pennarelli di Tiger

Tra i più economici del loro genere, i Twin Markers di Tiger sono pennarelli a base d’alcool dotati di due comode punte: una punta conica per i dettagli e l’altra piatta e a scalpello, perfetta per le campiture.
La soluzione acquosa di coloranti e alcool contenuta in questi pennarelli permette, a differenza dei Giotto e dei Crayola, di stendere uniformemente il colore sul foglio creando sovrapposizioni e sfumature da una tonalità all’altra.

Tuttavia la natura alcolica di questi pennarelli fa sì che il colore trapassi la carta; prima di iniziare a colorare il nostro bozzetto, quindi, assicuriamoci di posizionare un foglio di riserva sotto quello del disegno per evitare macchie indesiderate sulla superficie sottostante.

Colorazione

Iniziamo sempre dal cielo lasciando per il momento le nuvole bianche.
Grazie agli inchiostri di questi pennarelli, la stesura delle due tonalità di celeste e azzurro, risulta essere sicuramente più fluida e omogenea. Anche qui procediamo con gli elementi più in lontananza, come il faro.
A differenza degli altri disegni realizzati, per quanto riguarda la silhouette del faro, ci serviremo di un fine liner di Tiger perché la punta del pennarello nero in dotazione è troppo grande.

Definiamo quindi con ordine tutti i dettagli del faro, facendo attenzione ad utilizzare colori più scuri per la parte sinistra dell’edificio, visto che la luce proviene da destra.
Per rendere più vibrante la scena usiamo il celeste anche per le ombre.

Completato l’edificio, non ci resta che procedere alla stesura del verde del terreno erboso.
In questa fase ci vuole un po’ di pazienza nel sovrapporre diverse tonalità di verde.
Aggiungiamo anche dei tratti più spessi e scuri per rendere lo spazio erboso meno monotono possibile e per restituire l’idea di profondità.
Infine definiamo le nuvole aggiungendo delle leggere ombre per renderle tridimensionali.

L’ultima cosa che rimane da fare è incorniciare la nostra illustrazione!

Conclusioni finali

Siamo arrivati alla conclusione di questo articolo ed è l’ora di tirare un po’ le somme su quanto fatto.
I pennarelli che abbiamo scelto ci hanno dato l’opportunità di metterci alla prova e soprattutto di confermare che anche dagli strumenti più economici possiamo tirar fuori risultati più che soddisfacenti. Ogni pennarello testato ha infatti delle caratteristiche che possiamo sfruttare a nostro vantaggio a seconda dell’effetto che vogliamo ottenere.

Certo, come qualsiasi altro mezzo artistico, richiedono un po’ di pazienza e pratica, ma non c’è ombra di dubbio sul fatto che siano degli ottimi strumenti per creare illustrazioni di tutto rispetto!

Il video completo del Work in progress “Disegnare con i pennarelli economici”

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Chiara Topo

Illustratrice freelance romana con una passione incondizionata per il disegno da quando ne ho memoria! Lavoro principalmente con tecniche digitali ma amo sperimentare anche con quelle tradizionali.
Ho collaborato con la Eagle Pictures per le illustrazioni allegate ai cofanetti delle collezioni in DVD, realizzato diverse cover per la collana di libri sci-fi editi da Future Fiction e illustrato il libro “Quel desiderio che sa di cielo” di Alessandra Loreti edito da Geeko Editor.

Il mio Behance

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“Vestire” un personaggio è tra gli esercizi di disegno più creativi e stimolanti.
Gli abiti contribuiscono a conferire personalità alle figure, dare informazioni preziose sul periodo e il luogo geografico in cui sono collocate, sulla loro età e personalità.

Un tessuto drappeggiato può aggiungere grazia ed eleganza ad un’immagine, equilibrare una composizione riempiendo gli spazi ma anche aggiungere forme, linee, colori e fantasie.

Ma come disegnare i vestiti?

I maestri della pittura classica passavano ore a studiare il panneggio, la forma delle pieghe, il modo in cui queste riflettono la luce a seconda del tipo di tessuto, più o meno pesante o rigido.
Prestavano inoltre molta attenzione alla resa finale dell’abito che sarebbe dovuto apparire pieno ed avvolgente, scolpito intorno alla figura e non semplicemente un insieme di pieghe somiglianti ad un sacco vuoto.
Il panneggio sembra a prima vista uno degli esercizi più difficili per un disegnatore: possiamo letteralmente perderci nella complessità delle pieghe perché non ne esiste una uguale all’altra; ogni piega ha la sua direzione, la sua funzione, ma poi tutte si uniscono per comporre un unico insieme armonioso.

Possiamo semplificare il processo di visione e rappresentazione dei vestiti suddividendo le pieghe in diverse tipologie. Forse non sempre riusciremo ad individuare tutte le pieghe di un abito ma, se riuscissimo a memorizzarne i tipi fondamentali, selezionando e sintetizzando ciò che vediamo, allora i vestiti sembreranno veritieri e la figura si animerà di un proprio carattere, temperamento, individualità.
Vediamo quindi quali sono i i principali tipi di pieghe:

Pieghe a tubo

È la piega più semplice: quando un pezzo di stoffa viene trattenuto e tenuto stretto da un angolo, da questo ricade con forme semi-cilindriche; questo avviene ad esempio nei tendaggi, o in figure semi-coniche come una gonna a ruota o un’ampia mantella.
Sono pieghe che si ripetono spesso, facili da ritrovare nei vestiti.

Pieghe a goccia

Si hanno quando il tessuto cade da un punto o un’area di appoggio in modo libero, creando delle ellissi parziali nei bordi inferiori. Si possono notare queste pieghe nei pantaloni che ricadono da una flessione della gamba, o nei volants di una manica.
Sono forme molto aggraziate che conferiscono movimento e vitalità all’immagine.

Pieghe a festone o a pannolino

Si formano quando il tessuto ha due punti d’appoggio e ricade morbido al centro. Le pieghe si irradiano da ciascuno dei due punti e si incontrano al centro provocando la loro rottura e apertura. Gli artisti classici ne hanno fatto ampio uso. Oggi le possiamo ritrovare in una scollatura, in una gonna – quando la figura è seduta – oppure in un foulard attorno al collo.

Pieghe a zig zag

si formano nei tessuti tubolari: gambe dei pantaloni, maniche, quando la stoffa asseconda un movimento dell’arto creando sporgenze e rientranze in modo alternato. Tra di esse si possono intravedere dei piani triangolari, uno superiore e l’altro inferiore, rivolti l’uno verso
l’altro. Ognuno dei due piani riceve la luce in modo diverso.

I jeans indossati conservano spesso dietro le ginocchia le impronte delle pieghe a zig zag dovute al movimento ripetuto delle articolazioni delle ginocchia.

Pieghe a spirale

Quando il tessuto tubolare si addensa molto, crea tante pieghette con un andamento piuttosto complicato ma che può essere sintetizzato in una serie di spirali che si adattano attorno al corpo in curve e diagonali non parallele tra loro.

Pieghe a mezza chiusura

Quando gambe e braccia si piegano, la stoffa produce brusche rientranze dovute al cambio di direzione. Queste pieghe sono più evidenti di profilo, in corrispondenza degli angoli che si generano dalla flessione degli arti.

Pieghe inerti

Infine, per completezza, quando la stoffa ricade vuota su un piano forma tante pieghe di svariate direzioni che si ammassano l’una sull’altra.

Adesso provate anche voi a disegnare i vestiti!
Modelliamo una stoffa intorno al corpo per comprendere le pieghe principali che essa forma quando si tende, si addensa oppure cambia direzione.

Sperimentando in maniera continuativa e costante questo tipo di esercizio, saremo pronti per “cucire abiti su misura” per i personaggi più svariati.

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articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

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Per ottenere linee dritte e ben fatte ti dò due consigli:

1. quando tracci le linee preliminari di costruzione, impugna la matita con mano morbida, utilizzandola come un bastoncino che puoi muovere con tutto il braccio.

2. In secondo luogo, inizia sempre con esercizi preliminari di riscaldamento: disegna punti a caso e uniscili tra loro.
Oppure, ancora, crea dei poligoni con linee spezzate chiuse e poi trasformali in solidi con una prospettiva assonometrica.

Prima di passare al disegno di case dobbiamo anche aggiungere qualche nozione basilare di  prospettiva che potrà darci un supporto per rendere i nostri disegni più credibili.

Disegnare una casa: Prospettiva frontale e prospettiva angolare

Come sappiamo, la prospettiva è una tecnica con cui riusciamo a rappresentare sul piano uno spazio e volumi tridimensionali.
Ammettiamo che un solido si trovi in una posizione frontale, con una faccia perfettamente parallela al nostro piano di osservazione: in questo caso applicheremo una prospettiva frontale con un unico punto di fuga, ovvero quel punto verso il quale si dirigono tutte le linee del solido, tranne la faccia frontale.
Il punto di fuga si trova sulla linea d’orizzonte, che corrisponde al livello dell’occhio dell’osservatore.

Supponiamo invece che il solido si trovi in una posizione diversa, per cui, davanti a noi, vedremo solo uno dei suoi spigoli.
In questo caso utilizziamo due punti di fuga, in modo che le rette di ciascuna faccia (che noi sappiamo essere parallele), nella visione prospettica concorrano verso i due punti.
Questo secondo metodo va sotto il nome di prospettiva angolare.
Nel paragrafo successivo, trovi un’immagine di riferimento per comprendere meglio.

Disegnare una casa: esercizi pratici

Come esempio di base prova a disegnare una casa semplice, moderna, con il tetto a spioventi.
Nel mio caso, ho utilizzato una carta ruvida che conferisse un effetto sgranato per contrastare lo stile troppo tecnico di questo tipo di disegno.
Comincia tracciando i due punti di fuga e le prime linee che partono da questi.
Traccia le linee perpendicolari che delineano le pareti laterali.

Per il tetto, invece, le linee di costruzione vanno trovate in questo modo: traccia le diagonali nel trapezio che forma la facciata principale. Il punto di intersezione è il centro della facciata.
Da questo punto si alza una linea perpendicolare fino all’altezza dello spigolo del tetto (che può essere più o meno alto in base alla tipologia di casa).
In questo modo le linee che partono dallo spigolo e arrivano ai due angoli superiori sono corrette.

Anche finestre e balconi seguono l’andamento delle linee che si direzionano verso i punti di fuga.

Una volta realizzate le principali linee di costruzioni, delinea le ombre con una matita grassa.
Per ottenere contorni netti senza sbavature utilizza il trucco di schermare la carta nelle aree delimitate dai contorni. 

Ed ecco il risultato finale:

la distanza dal soggetto rappresentato

Quando disegni dal vero ricorda di metterti ad una certa distanza dal soggetto, in modo che rientri nel tuo campo visivo nella suainterezza, senza bisogno di muovere la testa.
Ricorda che l’orizzonte naturale è curvo, ma è solo trovandosi al livello dell’occhio che appare come una linea retta.
Quando il punto di vista è molto ravvicinato l’occhio umano è capace di correggere la visione laterale prospettica addolcendo gli spigoli laterali che, nel disegno geometrico, appaiono alquanto innaturali.
Lo sguardo dell’artista è in grado di correggere queste distorsioni.

Anni fa cercai di copiare un disegno a matita di Seurat dal titolo “Maisons”.
Fui colpita dall’atmosfera brumosa e vaga ottenuta grazie all’assenza di contorni e al segno sgranato.
In questo disegno le linee prospettiche sono meno importanti dell’atmosfera generale.

Qualche anno fa, cercando in rete foto a cui attingere per avere modelli di riferimento, mi sono imbattuta in una marea di case diverse, non solo per lo stile, ma come rappresentazione di forme tangibili e concrete dell’esistenza umana.
Ne ho creato un’ “enciclopedia minimale”, con disegni semplici, a volte appena schizzati, contenente  informazioni essenziali sul tipo di materiale, tecnica costruttiva, zona geografica di provenienza.

Di seguito ti riporto una raccolta di disegni, una carrelata di lavori tratti dalla mia “enciclopedia minimale”, che mostra quanti modi diversi esistono per disegnare una casa.

Insomma, ogni casa ha una sua bellezza!
Che sia solida, forte e antica, che si monti e smonti facilmente per spostarsi in giro per il mondo, oppure che sia semplice e integrata in un contesto naturale alla ricerca di equilibrio e armonia… Qualsiasi essa sia, sei pronto per disegnare la tua casa dei sogni?

articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

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Qui ho usato un segno diverso e ho cercato di rendere evidente la rotondità dell’albero.
È infatti comune l’errore di concentrarsi troppo sui rami laterali e poco sui rami che crescono verso l’osservatore posti di scorcio. In realtà sono importantissimi perché danno profondità e rotondità alla massa.
Tratti curvi, angolosi, a zig zag sono utili per evidenziare la rugosità e le asperità del tronco.

Anche le ombre contribuiscono a dare rotondità.
Se scuriamo troppo, possiamo alleggerire le masse con una gomma pane.

Fin qui mi sono accostata al disegno di alberi rispettando alcune leggi organiche di natura per ottenere un certo realismo.
Voglio soffermarmi adesso su disegni eseguiti in modo più personale.

Disegnare gli alberi come i grandi maestri del fumetto

Grandi artisti del fumetto sono stati maestri, e lo sono tuttora, nel coinvolgere l’osservatore nel loro mondo immaginario, ricreato con uno stile unico che va al di là del puro realismo.
Nelle immagini seguenti ho cercato di riprodurre alcuni alberi tratti dalle loro tavole per tentare di carpire l’essenza del loro tratto e della tecnica e il motivo della loro efficacia grafica.
Prendiamo ad esempio artisti come Hugo Pratt e Sergio Toppi, entrambi maestri dell’avventura: la diversità di segno è lampante: espressionista e sintetico il primo, intrecciato, continuo e fitto il secondo. 

Milo Manara, elegante come una stampa giapponese, ha sempre affermato che il paesaggio fosse importantissimo per esaltare la bellezza delle suoi soggetti femminili.

Dino Battaglia, un mago indiscusso delle atmosfere gotiche e perturbanti, aveva una tecnica meticolosa e complessa fatta di inchiostro di china, spugnature, lamette per grattare l’inchiostro e sagome ritagliate e pressate. 

Massimo Bonfatti infine, maestro dello stile umoristico italiano, si connota per il caratteristico tratto a pennello rotondo e curvo, che si presta a personaggi buffi e allegri, come buffi e allegri sono i suoi alberi.

Concludo con una carrellata di disegni, in bianco e nero e a colori, eseguiti a matita, pennarelli e marker dalla punta sottile e media. 

Che siano realistici o dal tratto personale, quest’estate vi invito a immergervi nella natura con il vostro sketchbook botanico e a provare a disegnare questi splendidi soggetti, silenziosi tutori del nostro habitat naturale, da difendere, preservare e amare.

articolo di Cinzia Imparato – corsi di disegno a Modena

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