In questo articolo Susanna Lovisolo della nostra community PRO, ci racconta cosa succede prima della creazione, quando un’idea prende forma senza ancora avere un segno. È un passaggio sottile, difficile da spiegare, ma centrale per chi vuole costruire un immaginario e non solo eseguire un disegno.

Lasciamo quindi la parola a Susanna, buona lettura!

Il foglio bianco e il blocco creativo

Ci sono dei giorni in cui non riesco a disegnare.
È una sensazione che molti illustratori conoscono bene: il classico blocco creativo davanti al foglio bianco.

Non è che mi manchi la voglia, è che sento di non essere ancora pronta.
Se mi sforzo, riesco anche a buttare giù qualcosa di esteticamente carino.
Però, quando la ricerca della perfezione diventa una forzatura, il risultato finisce per non convincermi mai del tutto.

Ci ho messo un bel po’ a metabolizzare questa cosa.
All’inizio insistevo, convinta che fosse solo una questione di esercizio e muscoli della mano.
Riempivo fogli su fogli ripetendo sempre gli stessi soggetti, come spesso si fa negli esercizi di disegno per migliorare la tecnica, sperando che il segno migliorasse quasi per inerzia.
Un po’ aiutava, certo, ma non arrivavo mai al nocciolo del problema.
La verità era un’altra: disegnavo troppo presto, senza lasciare spazio al processo creativo che viene prima del disegno.

Quando inizio a immaginare un personaggio, il foglio bianco non è quasi mai il punto di partenza.
Cerco ispirazione in qualcosa che mi ha colpita durante il giorno o in un pensiero che mi è rimasto appiccicato addosso.
È una fase invisibile, ma fondamentale nel processo creativo dell’illustrazione.
All’inizio non si tratta quasi mai un’immagine nitida, non vedo il personaggio già definito e pieno di dettagli.
L’ispirazione può arrivare da uno spunto colto camminando senza una meta precisa, o da un ricordo che ritorna senza un motivo apparente.
Magari è un dettaglio notato per caso, o un’emozione che mi attraversa in quel momento.
Cerco di non analizzare troppo. Accolgo le idee che arrivano e le lascio lì, permettendo loro di trasformarsi con i propri tempi.

All’inizio questo processo mi faceva sentire quasi in colpa.
Mi sembrava di sprecare tempo, perché non stavo disegnando in modo produttivo o visibile.
Non c’era nulla da mostrare o da postare sui social.
Me ne stavo semplicemente lì, con la testa tra le nuvole e senza neanche una matita in mano.

Oggi, invece, considero questa attesa una fase fondamentale.

C’è sempre tempo per costruire un personaggio a tavolino.
Non è necessario partire subito dal disegno: lo sviluppo del personaggio nasce prima, nel pensiero.
Non dobbiamo per forza incastrarci in schemi rigidi o elenchi infiniti di tratti fisici e caratteriali.
Basta avere una direzione di massima, per il resto non c’è fretta.

Se qualcosa non torna, so che posso sistemarlo quando prenderò in mano la matita o mentre abbozzerò velocemente le prime linee.
In questo modo smetto di mettere pressione alla mia immaginazione.
Quando mi siedo finalmente alla scrivania, sento che il disegno esce fuori in modo molto più spontaneo.

Ormai capisco abbastanza in fretta se sto andando nella direzione giusta, ma mi prendo la libertà di cambiare rotta mentre lavoro.
L’importante è non forzare mai la mano, specialmente all’inizio.

Questa sensazione emerge con forza ancora maggiore nell’illustrazione per l’infanzia, dove semplicità e narrazione devono convivere.

Molti pensano che basti abbozzare qualcosa di visivamente molto semplice: linee pulite, colori brillanti e dettagli sparsi.
In realtà la vera sfida è trovare il punto di rottura tra il segno e il racconto.
Non è questione di metterci dentro troppo o troppo poco, ma di decidere chi o cosa deve parlare all’interno del foglio.
Ogni scelta pesa. Se si esagera con i dettagli, si rischia di sacrificarne la leggibilità; se si toglie troppo, si rischia che il disegno risulti vuoto.
Non ci sono regole scritte, per questo il giusto equilibrio è così difficile da trovare.

A volte mi accorgo di aver fatto un lavoro tecnicamente ineccepibile, ma che non trasmette nulla a livello emotivo.
Mi ritrovo a fissarlo a lungo senza capire cosa manchi davvero.
Allora decido di metterlo da parte e ci torno sopra dopo un po’.
Solo a mente fredda riesco a centrare il problema.
Non è quasi mai un errore evidente, ma la narrazione generale che non “vibra” come dovrebbe.

Anche la scelta del colore segue questa logica anche se arriva dopo, quando l’idea è già chiara.
Ma non è mai casuale.
La palette colori che scegliamo è l’anima delle nostre illustrazioni.
Deve raccontare uno stato d’animo, una suggestione, o, magari, definire un’epoca.
Che colore potremmo dare alla tristezza?
E come potremmo dipingere un personaggio arrabbiato o in conflitto con se stesso, se è intrappolato in un mondo fatato dove tutto è rosa pastello?

In questa fase, faccio qualche piccolo schizzo e sperimento con le prove colore, come primo passaggio pratico dopo la fase di ideazione.
Solo quando ho dato una forma visiva solida alla mia idea, inizio a lavorarci seriamente.
A quel punto la mano corre veloce, perché so esattamente cosa voglio tirare fuori.
Ho già risolto tutti i miei dubbi durante il processo creativo, anche se il foglio è ancora tecnicamente bianco.
Questo però non significa che l’illustrazione esca perfetta al primo colpo.
Ci sono comunque vari tentativi, correzioni e piccoli aggiustamenti.
A volte decido persino di buttare via tutto e ricominciare da zero.

Ma la parte più densa del lavoro resta quella che non si vede.

Susanna Lovisolo

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In questo articolo Martina Pepiciello ci accompagna proprio dentro questo processo: non tanto dal punto di vista creativo, ma dal punto di vista progettuale.
Un approccio che mostra come l’illustrazione possa diventare uno strumento potente per raccontare idee, fenomeni e cambiamenti attraverso il linguaggio visivo.
Perché disegnare significa anche rendere visibile ciò che prima era difficile da capire.

Passo la parola a Martina, buona lettura! 🙂

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Una delle cose che mi piace di più fare con le illustrazioni è utilizzarle per comunicare concetti complessi, perché l’elemento visivo viene interiorizzato da chi guarda molto più facilmente rispetto alla lettura di un testo.
E il formato dell’infografica è un’ottima espressione di questa idea: grafici, illustrazioni e testo (poco!) devono essere integrati e bilanciati in modo da comunicare delle informazioni al lettore in modo che gli rimangano impresse il più facilmente possibile. Oggi vi spiego il processo che seguo per crearne una.

1. Creare un’infografica – Scelta del tema

Per prima cosa, scelgo il tema che voglio raccontare. 

In questo caso ho scelto un tema su cui sto riflettendo parecchio ultimamente: il fatto che tendiamo a vedere il futuro con pessimismo, nonostante il progresso scientifico e tecnologico abbia migliorato il nostro stile di vita in maniera radicale.

2. Struttura narrativa

Fatto ciò, organizzo il pensiero da raccontare in una sequenza logica che accompagni il lettore alla scoperta di esso. Cerco sempre di raccontare una storia che incentivi ad andare avanti e coinvolga emotivamente il lettore. 

Per questa infografica, decido di iniziare presentando delle statistiche sulla poca fiducia che abbiamo nel futuro e il meccanismo psicologico dietro a questa percezione. Farò poi degli esempi di come la nostra qualità della vita sia migliorata solo nel secolo scorso ed elencherò alcune delle scoperte o invenzioni che hanno reso possibile questo progresso. Terminerò con degli esempi di tecnologie che stanno venendo sviluppate in questo momento e che potrebbero rendere il futuro di gran lunga migliore, e una breve call to action.

3. Ricerca dei dati e rifinitura della struttura per creare un’infografica

Passo poi a cercare dati che supportino le diverse fasi nella storia che sto cercando di raccontare. 

Alcuni esempi di dati che ho trovato in questo caso:

• Statistiche sulla percezione del passato e del futuro da parte delle persone
• Statistiche sull prevalenza di news negative
• Trend su speranza di vita e povertà estrema dal 900 ad oggi
• Stato di sviluppo di alcune tecnologie innovative

Il fatto di trovare o meno dati abbastanza solidi per le diverse fasi mi porta spesso a ridefinire la struttura che avevo in mente. Quando lo scopo è presentare una visione più trasparente possibile della realtà, il design deve adattarsi ai dati, non viceversa. 

Per questa infografica, per esempio, ho scelto quali metriche sulla qualità della vita riportare basandomi sulla disponibilità di dati storici e di statistiche interessanti su scoperte o invenzioni che hanno influenzato quelle specifiche metriche.

4. Bozza del layout

In questa fase decido come riportare i dati (se con grafici, testo o un mix dei due) e come integrare le illustrazioni all’interno dell’infografica. 

In generale, cerco di far passare il messaggio nel modo più efficace possibile. Per i grafici, per esempio, scelgo la forma che risulta più intuitiva possibile, e per il testo cerco formulazioni sintetiche e dirette. 

Per le illustrazioni, idealmente mi piacerebbe creare un layout che integri molto le illustrazioni con i grafici e il testo in modo coesivo. Per esempio, in questo caso avevo pensato di presentare tutte le statistiche che non hanno un loro grafico all’interno di un qualche elemento delle illustrazioni. Quest’idea tende a funzionare meglio con infografiche più semplici e con meno dati. Con un’infografica con molti dati come questa, mi sono resa conto che questo approccio avrebbe compromesso la chiarezza e la facilità di comprensione dei dati. Per questo motivo, ho deciso di tenere illustrazioni, grafici e testi abbastanza distinti. 

Lo scopo di ogni illustrazione è comunque quello di rafforzare il concetto a cui si riferisce. Per esempio, in alto pianifico una figura che guarda indietro da abbinare a una statistica sulla percentuale di persone che avrebbe preferito nascere nel 1975 piuttosto che nel 2025, e una figura che guarda avanti in modo incerto da abbinare alla statistica sulla percentuale di persone che pensano che il 2026 sarà migliore del 2025.

5. Creare un’infografica – Layout finale e rifiniture

A questo punto il grosso del lavoro è fatto, resta solo da creare il layout definitivo in vettoriale che include testi, grafici e illustrazioni.

Se i siti da cui scarico i dati hanno la possibilità di scaricare grafici in SVG, la sfrutto: posso così essere sicura di avere grafici 100% accurati ma anche modificare lo stile a mio piacimento.

Per le illustrazioni uso un mix di illustrazioni create da me e di icone stock modificate per velocizzare il processo negli elementi più semplici.

Il testo da inserire ce l’ho più o meno in mente, ma in questa fase ne approfitto per assicurarmi che sia chiaro e conciso, oltre che ben incastrato nel layout.

Per finire, mi assicuro sempre di avere una palette semplice, che non distragga dai concetti e dai dati, ma che comunichi anche il mood che voglio trasmettere: in questo caso calma, curiosità e ispirazione.

Dopo un po’ di aggiustamenti e rifiniture, arrivo al risultato finale:

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Con Perla esploriamo il legame tra illustrazione e il mondo onirico dei tarocchi: che cos’è un tarocco? Qual è il suo valore simbolico? E in che modo il suo significato può prendere forma attraverso il disegno?

Lasciamo quindi la parola a Perla, che in questo articolo ci guiderà alla scoperta di questi temi affascinanti e approfondiremo praticamente come Disegnare i tarocchi. Buona lettura! 🙂

I tarocchi sono entrati nella mia vita durante l’infanzia.
Mi hanno affascinata fin da subito: erano carte dense di colore, immagini da osservare e interpretare, cariche di mistero e di una magia silenziosa.
Se inizialmente li vivevo come un gioco, con il tempo li ho riscoperti come uno strumento di autoanalisi e ascolto interiore, e da lì è nata una domanda:

che cosa significa davvero ogni carta per me?

È da questa domanda che ho deciso di illustrarli.
Illustrare una carta dei tarocchi significa entrare in dialogo con un archetipo: non si tratta solo di rappresentare un simbolo, ma di dare forma a qualcosa che vive dentro di noi e si tramanda da generazioni attraverso l’inconscio collettivo.

In questo articolo ti racconterò come ho illustrato la carta de Il Matto, offrendoti un punto di partenza per provarci a tua volta.

Il Matto è una carta che sfugge alle definizioni, che si muove ai margini, che esiste nel cambiamento continuo e nell’assenza di una direzione precisa.
È la carta del viaggio prima della meta, del passo nel vuoto, della fiducia istintiva che spinge ad andare avanti anche quando non si sa esattamente dove si sta andando.

Comprendere l’arcano: significato prima dell’immagine

Prima ancora di tracciare una linea, il lavoro comincia sempre dalla comprensione del simbolo.
Il Matto è spesso associato al numero zero, o a nessun numero.
È fuori dall’ordine, ai margini del mazzo e, proprio per questo, lo attraversa tutto.
Rappresenta insieme:

• L’inizio e la fine
• La libertà
• L’intuizione
• Il coraggio di partire senza sapere dove si arriverà
  

Non è follia nel senso comune del termine, ma abbandono.
È l’atto di fidarsi della vita anche quando non esiste una mappa.

Prima di disegnarlo mi sono fermata a chiedermi:

che tipo di libertà voglio raccontare?
Che cosa significa per me la fiducia? Come posso rappresentare visivamente l’istinto che prende il sopravvento sulla razionalità?

Ricerca visiva e riferimenti simbolici

Dopo lo studio concettuale, sono passata alla ricerca iconografica. Nei tarocchi di Marsiglia, che ho scelto come riferimento, Il Matto presenta alcuni elementi significativi:

• Viene rappresentato come un viandante;
• Porta un bastone e un fagotto;
• Un cane lo accompagna o lo trattiene;
• Ha un passo sospeso, quasi instabile.

Questi elementi non sono obbligatori, ma funzionano come ancore simboliche.
Possiamo infatti scegliere di sostituirli con immagini metaforiche, come: un bagaglio emotivo invece che materiale, un animale interiore invece di un cane, uno spazio vuoto al posto del baratro.

La chiave è non appesantire l’immagine: il Matto vive di leggerezza, di aria, di margini aperti.

3. Disegnare i Tarocchi – Dal concept al bozzetto: raccontare il movimento

Una volta chiarito il messaggio, passo al bozzetto. Questa fase, mi aiuta prima di tutto a definire la sensazione di movimento e fiducia verso l’ignoto che il Matto dovrebbe emanare. 

Lavoro su: 

• Linee dinamiche
• Equilibrio instabile
• Asimmetria

Lo disegno partendo da una linea obliqua ascendente, in una posizione che lo fa sembrare quasi sospeso, completamente in balia del destino.
In questa figura ho trovato una forte affinità con Dioniso, e per questo ho scelto di inserire elementi che lo richiamassero: le foglie di vite, una tigre tatuata sul braccio (che era il suo destriero, ma che può anche essere letta come simbolo del dominio sulla paura).

Nei tarocchi è fondamentale anche la direzione dello sguardo dell’arcano da rappresentare.
Il Matto raramente guarda lo spettatore. Il suo sguardo è altrove, o rivolto all’interno. Io l’ho disegnato bendato, rafforzando ancora una volta il concetto dell’istinto primordiale che prende il sopravvento.

4. Disegnare i tarocchi – Colore e atmosfera: il vuoto come presenza

Anche la scelta della palette cromatica necessita di una riflessione rispetto ai concetti che si vogliono raccontare.
In questo caso funzionano bene:

• colori caldi;
• contrasti marcati;
• sfondi aperti o indefiniti;
  

La palette cromatica deve sostenere il significato della carta, non sovrastarlo. Anche la tecnica (acquerello, digitale, matite, mixed media) influisce sull’atmosfera. Il vuoto, in questa carta, non è mancanza ma possibilità. Lasciare parti non definite, texture leggere, segni incompleti aiuta a trasmettere l’idea di qualcosa che non è ancora fissato.

Per questa illustrazione ho scelto di lavorare con acrilici e spatole, una tecnica più fisica e istintiva, capace di rispecchiare la natura primordiale dell’arcano.

5. Dettagli simbolici e rifinitura

Nella fase finale si inseriscono i dettagli: piccoli segni che spesso non vengono notati consciamente, ma che lavorano a livello inconscio. Per quanto mi riguarda, questa fase è utile per sottrarre elementi dall’immagine, piuttosto che aggiungerne. In questo caso ho scansionato la mia tavola e l’ho rielaborata digitalmente. 

Ho scansionato la tavola e l’ho rielaborata digitalmente, scegliendo di dare respiro allo sfondo attraverso il bianco: un segno di caos, ma anche di vuoto, di pausa, di respiro. La spirale, inizialmente collocata nell’angolo in basso a sinistra, ha assunto un ruolo centrale, inserendo Il Matto in una dimensione ciclica, simile a un loop infinito.

Come l’arcano stesso, anche l’immagine rimane aperta.
Non racconta una risposta, ma una possibilità.

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In questo articolo ti porto dentro il mio iter creativo, dall’idea iniziale ai bozzetti, fino alla costruzione del disegno definitivo.
Ciao, sono Mattia (airmatti) e oggi ti accompagno passo passo nel processo con cui ho costruito questa illustrazione: un viaggio tra montagne, identità e libertà.

1. Cosa vuoi raccontare?

Per raccontare una storia con un’immagine sappiamo che servono personaggi, paesaggi, oggetti…
Ma ciò che spesso non consideriamo è che conta tantissimo anche come li mettiamo in scena.

La prima domanda è sempre:
“Che cosa voglio dire, davvero?”

Spesso raccolgo le idee in frasi brevi o parole chiave:
mi aiutano a non perdermi quando il disegno diventa complesso.

In questo caso volevo esprimere:

• orgoglio
• resistenza
• libertà
• il legame di un popolo con la natura: i Quechua delle Ande, discriminati, ma ancora profondamente radicati nella loro terra.

2. Meno è meglio: bozzetti rapidi per scegliere la direzione

Dopo aver definito il “cosa”, sono passato al “come”.

Qui entrano in gioco i thumbnail: schizzi minuscoli e velocissimi dove provo:

• disposizione degli elementi
• peso visivo
• direzione dello sguardo
• rapporto tra personaggi e ambiente

Questa fase serve a una cosa molto elegante: sbagliare in fretta.

Scelte compositive principali

Volevo che l’immagine raccontasse:

• una vita tra montagne, fatta di salite
• una fatica quotidiana che però è sostenuta da un senso di dignità e spiritualità

Per questo ho scelto:

• formato verticale, per enfatizzare l’idea di ascesa
• personaggi in basso, per far sentire l’immensità del paesaggio
• figure relativamente piccole rispetto allo scenario: la montagna diventa protagonista insieme a loro.

3. Primo approccio: struttura e regola dei terzi

Quando un bozzetto “suona giusto”, passo a uno studio più leggibile.

In questa fase mi aiuto spesso con la regola dei terzi: divido lo spazio in una griglia e cerco di posizionare i punti importanti (personaggio, direzione, ritmo delle montagne) in aree che rendono l’immagine più equilibrata e naturale.

Ricerca e riferimenti

Prima di definire davvero i personaggi, faccio una piccola ricerca su:

• caratteristiche fisiche
• abiti tradizionali
• dettagli del paesaggio andino
• oggetti e materiali

Non per copiare, ma per dare credibilità e rispetto al soggetto.

4. Il processo: costruire a livelli (senza pretendere perfezione subito)

Qui arriva la parte che molti saltano perché “voglio vedere subito il finale”.

Peccato, perché il finale è solo la somma di tanti passaggi.

Io costruisco il definitivo a livelli, così:

1. struttura base (forme semplici, proporzioni)
2. gestualità (posa, movimento, relazione tra i personaggi)
3. dettagli progressivi (abiti, accessori, anatomia più precisa)

In questa fase continuo a chiedermi:
“Questa scelta rafforza quello che voglio raccontare?”

Se la risposta è no, si cambia.
Senza drammi.

Ecco un esempio di idea iniziale che ho scartato a favore di quella che hai visto qui sopra:

5. Verso la cima: luci, ombre, texture e atmosfera

Nell’ultima fase aggiungo ciò che dà “vita” alla scena:

• ombre per solidità e profondità
• texture sul paesaggio
• dettagli mirati (pochi, ma al posto giusto)
• effetti finali, come raggi di luce o calore atmosferico

Nel mio caso, la luce era importante per comunicare:
calore, speranza, vitalità.
Una ricompensa emotiva dopo la salita.

Questo processo mi piace perché ricorda una cosa semplice:
un’illustrazione non nasce dal talento in un colpo solo, ma da una sequenza di decisioni.

E più tieni chiaro “il perché”, più ogni decisione diventa facile!

Grazie per averci letti fin qui, puoi seguire il percorso creativo di AIRMATTI, sul suo profilo instagram.

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L'articolo Il viaggio di un’illustrazione: bozzetti, regola dei terzi e costruttivo proviene da La Fabbrica dei Sogni - disegno e illustrazione.

1. Lo schizzo a matita: costruire la base del ritratto

Ogni ritratto nasce da un disegno preparatorio.
Utilizzo una matita H su carta Arches ruvida da 300 g/m², tracciando i contorni principali del volto, lo sguardo e la composizione generale.
In questa fase definisco anche i dettagli personali, come un fiore tra i capelli, elemento distintivo che dona carattere e identità al soggetto.

Lo schizzo resta leggero e facilmente modificabile: una mappa essenziale che guiderà tutto il resto del lavoro.

2. La lineart a china: il segno che definisce la forma

Quando la matita mi convince, passo alla penna a china, alternando spessori diversi di tratto per creare ritmo e profondità.
Le linee più spesse marcano le zone in ombra o i contorni principali, mentre quelle sottili enfatizzano la luce e i dettagli più delicati.

Questo equilibrio di linee dona dinamismo e leggerezza al disegno, mantenendo la composizione ariosa e leggibile.

3. L’acquerello e il cerchio simbolico: quando il disegno prende vita

È con l’acquerello che l’illustrazione si anima davvero.
Lavoro per velature sovrapposte, partendo da toni chiari e trasparenti fino a sfumature più intense.
In questo modo la texture della carta rimane visibile e la lineart continua a respirare.
Lo sfondo circolare luminoso avvolge la figura e porta energia visiva: è un elemento simbolico che racchiude, protegge e armonizza l’immagine, come un piccolo universo personale.
Infine, aggiungo una frase calligrafica e punti luce bianchi per rendere il ritratto più vibrante e completo.

Vorrei portarti al mare, anzi portarti il mare

(La musica non c’è – Coez)

In sintesi

• Schizzo a matita: struttura e proporzioni.
• Lineart a china: carattere e profondità.
• Acquerello e dettagli grafici: colore, significato e armonia.

Ogni passaggio contribuisce a trasformare una semplice foto di riferimento in un’illustrazione artistica unica, dove tecnica e poesia convivono sulla carta.

Marigreisoul x La Fabbrica dei Sogni
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1. Illustrazione per l’infanzia – Osservare e raccogliere ispirazioni

Il primo passo per ogni illustrazione è l’osservazione.
E l’illustrazione per l’infanzia non fa eccezione.
Portare sempre con sé uno sketchbook, aiuta a catturare idee e a realizzare schizzi veloci che potranno diventare la base di un progetto più grande.

In questo caso, parto da alcuni bozzetti di paperelle disegnati a matita, sperimentando diverse pose e accessori, fino a trovare quella che diventerà la protagonista della mia illustrazione.

2. Costruire la figura con forme geometriche

Una volta scelto lo schizzo più convincente, si passa alla costruzione. Il segreto per creare un personaggio equilibrato è partire da forme geometriche semplici.

Per la paperella userò:

• un triangolo per il cappello,
• un piccolo triangolo per il musetto,
• un rettangolo allungato per il collo,
• un triangolo rovesciato per il busto,
• un rettangolo orizzontale per la base della gonna o del piumaggio.

Questa struttura mi aiuta a mantenere le proporzioni e a dare stabilità al disegno.

Nella prima immagine ti mostro le forme che ho scelto, mentre nella seconda il modo in cui le ho combinate per creare il personaggio.

3. Definire lo sketch finale

Sopra alle forme geometriche tracciamo lo schizzo definitivo, aggiungendo dettagli come occhi, becco, piume, vestiti e accessori (ad esempio un cappello elegante e una collana di perle).
In questa fase il personaggio prende davvero vita e inizia a trasmettere la sua personalità.

4. Aggiungere colore e ombre

Quando il disegno ci soddisfa, passiamo alla fase della colorazione digitale o tradizionale. La scelta dei colori è personale, ma è importante pensare al messaggio che vogliamo trasmettere. Toni caldi e delicati possono comunicare dolcezza e affetto, mentre colori più vivaci trasmettono allegria ed energia.

Le ombreggiature e sfumature aiutano a dare profondità e volume, rendendo la paperella più tridimensionale e piacevole da guardare.

5. Inserire dettagli finali: texture e lettering

Per arricchire ulteriormente l’illustrazione possiamo:

• applicare una texture leggera per un effetto artigianale e accogliente,
• aggiungere una frase personalizzata, come “I’m totally quackers for you!”, che rende l’immagine perfetta per un biglietto romantico o un regalo speciale.

Con pochi passaggi – dall’osservazione alla costruzione con forme geometriche, fino alla colorazione e ai dettagli finali – abbiamo imparato come disegnare una paperella.

Questo metodo può essere applicato a molti altri soggetti, rendendo ogni progetto unico e personale. Prendi matita e sketchbook, e prova anche tu a creare la tua paperella illustrata!

Ti è piaciuto questo lavoro? Puoi seguire ELENA su Instagram e scoprire il suo magico mondo di storie e fantastici animali!

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L'articolo Illustrazione per l’infanzia: disegniamo una paperella con Elena proviene da La Fabbrica dei Sogni - disegno e illustrazione.

Buona lettura, e vai Kella!

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La natura, con i suoi colori mutevoli e le infinite sfumature di luce, è una fonte inesauribile di ispirazione. In questo tutorial scopriremo come disegnare una mantide con la tecnica del layering, un metodo che permette di stratificare i colori con le matite per ottenere profondità, luminosità e ricche texture.

Il soggetto scelto è la mantide religiosa, perfetta per mostrare la bellezza di questa tecnica e la sua capacità di trasformare semplici tratti in un disegno ricco di dettagli e sfumature. Imparerai passo dopo passo come realizzare il tuo disegno, sperimentando la magia della tecnica del layering con le matite colorate.

Che tu sia principiante o già esperto, questa guida ti aiuterà a scoprire nuove possibilità creative, portandoti a un risultato finale sorprendente!

Materiali Essenziali per il Layering

Per imparare a destreggiarti con il layering con le matite colorate, ecco ciò che serve:

1. Matita in grafite – Una HB leggera, ideale per lo schizzo iniziale.
   
2. Carta – Consiglio Rismaluce Favini liscio da 200 g/m², perfetta per accogliere più strati di colore senza compromettere la precisione.
   • Con carta più ruvida si ottiene un effetto più espressivo ma meno dettagliato.
     
3. Matite colorate – Uso le Koh-I-Noor Studio: accessibili, ma capaci di ottimi risultati.
   
4. Altri strumenti – Gomma pane, gomma normale, gomma di precisione (Tombow Mono Zero) e penna multicolor (Carioca).

Che cos’è il Layering e perché usarlo

La tecnica del layering con le matite colorate consiste nell’applicare strati leggeri di colore, in genere dal chiaro allo scuro, fino a ottenere la nuance desiderata.

• Alla fine si può applicare maggiore pressione per stabilizzare i pigmenti (tonal burnishing).
• Esistono strumenti specifici come blender o burnisher, ma io preferisco affidarmi alla naturale leggerezza delle stratificazioni.

Il layering è ideale se vuoi ottenere sfumature delicate, colori intensi e un effetto realistico senza dover premere subito con forza sul foglio.

Come disegnare una mantide con la tecnica del layering – Passo dopo passo

Fase 1 – Schizzo e base

Comincio con lo schizzo del disegno utilizzando una matita in grafite leggera (la mia è una HB).
Una volta completato il disegno di base, lo alleggerisco tamponandolo delicatamente con la gomma pane, in modo che le linee siano appena visibili.

Inizio dalla testa del soggetto e procedo dall’alto verso il basso. Questo approccio mi permette di avere sempre una visione chiara d’insieme del lavoro e, soprattutto, minimizza il rischio di appoggiare la mano sulle parti di disegno già completate, evitando così sbavature indesiderate.

Si può procedere anche da destra verso sinistra o all’inverso, a seconda se si è destrimani o mancini.

Fase 2 – Prime ombre

Con le matite colorate delineo una porzione di contorno. Prima con la matita rossa e poi con quella marrone, inizio a tracciare le zone più scure e le ombre.

Fase 3 – Stratificazione dei colori

Torno indietro ed inizio la stratificazione di colori, individuando le aree più verdi (e allora uso il verde), quelle più arancioni (uso l’arancio) e quelle più marroni (uso il marrone), rispettando l’ombreggiatura.

Per la costruzione dell’ombra posso anche immettere i colori complementari: il rosso nel verde ed il verde nel rosso in un gioco di continua calibrazione e stratificazione.

Continuo sovrapponendo ed incrociando i colori, sperimentando ed assicurandomi di non lasciare buchi bianchi e incolori. Non c’è un numero preciso di stratificazioni; posso farne tante quante la carta mi consente prima di arrivare a saturazione.

Se sbaglio la nuance posso intervenire prima tamponando con la gomma pane e poi intervenendo con il gommino di una matita, o con la Tombow Mono Zero.

Cerco ovviamente di rimanere concentrata e sbagliare il meno possibile per non rovinare la carta. Mi godo il momento, sono qui presente a me stessa e nel flusso, non ho fretta.

Fase 4 – Eventuale Schiacciamento con Maggior Pressione

Solo alla fine di questo processo, se sono certa di non dover aggiungere altra stratificazione, applico una maggior pressione con un colore (non necessariamente il più scuro, ma uno chiaro o mediano) per operare fusione e stabilizzazione dei colori (tonal burnishing).

Fase 5 – Lavorazione a zone limitate

Continuo a lavorare per tutto il disegno, ma nel colorare, procedo a zone limitate, per assicurare la stessa concentrazione e impegno in ogni parte, garantendo così uniformità.

Fase 6 – Rifiniture finali con penna multicolor

La mia tecnica di colorazione è quasi sempre contaminata, mista, in quanto prevede l’utilizzo della penna multicolor non solo per rifiniture, ma anche al di sopra delle ombre stesse con una leggerissima velatura o un quasi impercettibile tratteggio.

E questa è la mantide ultimata con la tecnica del layering con le matite colorate!

Texture ed Effetti del Layering

Per spiegarvi al meglio la texture ottenibile con il layering, mi lascio ispirare dall’habitat della mia modella: un bel prato!

Nelle aree più grandi e libere come appunto cielo e prato, è necessaria un impugnatura della matita arretrata, cioè più vicina all’estremità finale che alla punta. Questo permette un libero dipanarsi del movimento del polso, ideale per le velature ampie e uniformi.

La texture del layering varia a seconda del tipo di segno che viene applicato:

• Tratteggio: Linee parallele più o meno fitte
• Incrocio di tratteggi: Linee incrociate che creano una trama più densa
• Segni circolari o ricciolini: Movimenti che tendono a riempire l’area con una texture più morbida e meno direzionale

Mi piace che rimanga una traccia di questi segni grafici, soprattutto in modo labile e soffuso, perché personalizzano la tecnica e conferiscono un carattere unico al disegno.

Altri esempi di disegno con il layering

La stessa tecnica può essere applicata ad altri soggetti naturali o fantastici. Ogni stratificazione regala sfumature uniche e texture diverse: dal realismo delicato alle atmosfere più espressive.

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Articolo di Kella Sashella

Ciao a tutte le Sognatrici e i Sognatori!
Sono KellaSashella, ma potete chiamarmi Kella. Ho 55 anni e ho ripreso a disegnare nel 2022 dopo una lunga pausa. Amo l’illustrazione, i paesaggi della natura e il realismo magico.

Disegno in tradizionale, con grafite, penne e le mie mille matite colorate.
Mi piace pensare che le mie illustrazioni custodiscano la bellezza di un mondo sospeso e che il disegno sia un atto di libertà e meraviglia.

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Ma come farsi notare tra centinaia di messaggi visivi? Come evitare che il proprio lavoro venga inghiottito dalla massa e finisca inosservato?

Durante la fiera 2025 abbiamo fotografato alcune delle presentazioni più creative, curiose o semplicemente ben pensate. Questo articolo nasce per condividere spunti e idee utili a chi vuole prepararsi per le prossime edizioni e lasciare il segno.

✨ Perché curare la presentazione è fondamentale?

Sul muro tutto si gioca in pochi secondi. Chi guarda è bombardato da immagini e nomi, perciò distinguersi diventa essenziale.

Un buon biglietto o una cartolina:

• Cattura l’occhio con un’idea originale
• Comunica subito lo stile e l’universo visivo dell’artista
• Contiene info chiare e immediate (nome, contatti, portfolio)
• Invita ad approfondire (es. QR code, call to action)

E soprattutto… si ricorda.

Idee e ispirazioni dal BCBF 2025

Durante la nostra visita abbiamo notato alcune scelte creative interessanti, che vogliamo condividere per stimolare l’immaginazione:

1. Formati insoliti

• Biglietti pieghevoli tipo mini-leporello
• Tag sagomati (animali, foglie, oggetti)
• Cartoline verticali extra alte

Guarda, ad esempio, l’esposizione dell’artista ELENA IARUSSI che gioca su vari formati e composizioni

o il poster con la taschina a tema dell’artista MARIANGELA LEDONNE che ha voluto differenziare i bigliettini giocando con un formato dagli angoli stondati.

E, visto che abbiamo parlato anche di tag sagomati, impossibile non nominarel’artista BONNIE PANG e i suoi biglietti da visita “coccodrillo”

2. Tocchi artigianali

• Carta ruvida o colorata a mano
• Illustrazioni disegnate direttamente a penna sul supporto
• Angoli stondati, dettagli dorati, cuciture

Guarda, ad esempio, la bellezza di questo vampiro popup realizzato dall’artista CHIARA BORSARI.

o la creatività di questa delicatissima esposizione dell’artista IRENE RUIU con una piccola luce che si accende dietro la carta velina gialla

e l’accuratezza con cui l’artista PAULINE JOYCE BANDUHAN ha curato ogni singolo dettaglio della sua presentazione

3. Storytelling e personalità

• Frasi ironiche o poetiche sul retro
• Micro-biografie illustrate
• Call to action originali: “Scopri la mia mappa immaginaria” o “Scrivimi il tuo animale preferito”

Qui non posso che menzionare l’artista GIULIA BRESCIA che con il suo messaggio motivante e ispirazionale mi ha letteralmente conquistata!

E la piccola bottega dell’artista MELINA LEBEL che ti fa venire voglia di aprire quella porticina ed entrare nel suo mondo.

Consigli pratici per il tuo prossimo biglietto al Bologna Children’s Book Fair

Quindi, se stai pensando a come presentarti nella prossima edizione, ecco qualche dritta semplice ma efficace che potrebbe aiutarti a fare la differenza:

• Racconta chi sei: non solo con lo stile, ma anche con le parole come, ad esempio, ha fatto Giulia.
• Pensa al biglietto come un oggetto da conservare: che sia bello da toccare, aprire, collezionare.
• Sfrutta entrambi i lati: il fronte colpisce, il retro racconta. Ricordati di inserire tutti i tuoi dati necessari per entrare in ocntatto.
• Aggiungi un QR code ben visibile, che rimandi al portfolio o a un progetto specifico.
• Personalizza se puoi: magari creando una mini serie di biglietti diversi da collezionare.

Ah, quasi dimenticavamo: una menzione speciale all’artista ALEFERRA che, con i suoi bigliettini interattivi, ci ha donato un look alternativo e assolutamente cool per la nostra giornata al Bologna Children Book Fair!

Ci leggiamo al prossimo articolo!
Intanto, facci sapere, quale di queste idee ha stimolato di più la tua creatività?

Ale e Kiki

L'articolo Bologna Children’s Book Fair: lasciare il segno sul Muro degli illustratori proviene da La Fabbrica dei Sogni - disegno e illustrazione.

E se da un lato molti hanno apprezzato la bellezza di queste creazioni, da un altro gli illustratori si sono trovati un po’ disorientati. Non tanto per l’aspetto tecnico, ma per una riflessione più profonda: cosa significa, oggi, creare qualcosa che abbia un’identità unica?
Cosa succede quando una macchina riesce a emulare uno stile così distintivo in pochi secondi?

Questa discussione non riguarda solo l’arte professionale. È un tema che tocca chiunque ami disegnare, che lo faccia per passione o per hobby, e che crede nel valore della propria espressione creativa. Oggi, più che mai, è importante riflettere su cosa significhi creare nel contesto di un mondo che cambia velocemente grazie alla tecnologia.

Creatività e Stile: La Ricerca dell’Unicità Personale

Molti di noi, quando disegnano, cercano uno stile che rispecchi la propria personalità. Ogni linea, ogni colore, ogni forma racconta qualcosa di noi. Eppure, negli ultimi tempi, siamo stati travolti da un fenomeno che fa emergere una domanda importante: cosa accade quando le macchine imparano a replicare uno stile in modo così preciso?

Quando si parla di illustrazione, lo stile è ciò che ci rende riconoscibili.
È quella caratteristica che rende identificabile un’immagine, che fa sì che una creazione possa essere immediatamente associata ad un artista.
La bellezza dell’arte sta nella sua originalità, nel segno distintivo che ciascun artista riesce a sviluppare con il tempo.

Ma, se una macchina è in grado di riprodurre questo segno in un attimo, cosa ne resta dell’unicità?

La Differenza tra visione personale e creazione di Fanart: un tema di esplorazione creativa

Molti hanno parlato di queste illustrazioni come di “fanart” delle opere di Miyazaki.
Ma c’è una differenza fondamentale.
Le fanart, come sapete, sono reinterpretazioni di personaggi già esistenti, spesso con un tocco personale dell’artista, che cambia lo stile ma lascia il soggetto riconoscibile.

Nel caso delle immagini generate dall’AI, però, non siamo di fronte a una reinterpretazione: lo stile rimane invariato, ma ciò che cambia è il soggetto. Possiamo generare immagini di qualsiasi cosa – personaggi mai visti prima, scenari immaginari – e farli sembrare creati direttamente da Ghibli.

L’AI, in un certo senso, sta facendo emergere una domanda che riguarda non solo la proprietà intellettuale ma anche la stessa natura della creatività

Ma può davvero sostituirla?

La creatività non è solo estetica, ma significato

Per comprendere perché la creatività umana resta insostituibile, dobbiamo andare oltre la superficie. Una macchina può imparare a replicare uno stile, a imitare forme e colori, ma non può attribuire un significato profondo a ciò che crea.

Un’illustrazione non è solo un insieme di tratti e pennellate ben armonizzate: è il risultato di un processo interiore, di scelte consapevoli, di emozioni vissute e trasformate in segni visivi. Quando un artista crea, non si limita a combinare elementi visivi in modo piacevole, ma racconta una storia, esprime un pensiero, trasmette un messaggio.

Le AI, per quanto avanzate, non provano emozioni, non hanno esperienze di vita da trasformare in arte, non possiedono intenzionalità. Possono generare immagini perfette, ma non possono creare con il cuore. E questo è ciò che rende unica l’espressione umana.

Disegnare, dipingere, raccontare storie visive è un viaggio attraverso cui impariamo, sperimentiamo, troviamo la nostra voce artistica.

L’AI può offrire scorciatoie, ma proprio per questo ci priva di un pezzo fondamentale del processo: la scoperta. Quando impariamo a disegnare, non stiamo solo affinando una tecnica, ma stiamo conoscendo meglio noi stessi, sviluppando il nostro gusto estetico, allenando la capacità di osservare e interpretare il mondo.

L’arte è fatta di tentativi, di errori, di momenti in cui ci sentiamo bloccati e poi troviamo nuove strade. È questo che rende ogni opera viva e irripetibile.
Lo stesso Miyazaki diceva: “Il talento non è qualcosa con cui nasci, ma qualcosa che coltivi”.

La creatività non è il risultato finale, ma tutto ciò che accade mentre cerchiamo di arrivarci.

Non lasciamoci scoraggiare dal rumore digitale. Piuttosto, usiamo questa occasione per riscoprire l’importanza di quello che facciamo: creare non solo per copiare o replicare, ma per dare vita a qualcosa di unico che racconti di noi.

E a proposito di creatività, in questo video ti mostro l’iter creativo che mi ha portata alla realizzazione delle cartoline illustrate per BIG BABOL

Per un approfondimento più tecnico sul tema dal punto di vista professionale dell’illustratore clicca qui:

Ghibli, AI e il futuro dell’illustrazione: cosa significa copiare uno stile?

In homepage, trovi altri articoli sul tema CREATIVITÀ E DISEGNO

L'articolo L’arte di creare: stile, unicità e valore della Creatività nell’era delle AI | il caso Miyazaki proviene da La Fabbrica dei Sogni - disegno e illustrazione.

Con questo articolo voglio portarvi nel mio iter creativo di questo nuovo progetto illustrato: partendo dallo sketch fino alla definizione dei colori, vi mostrerò il processo che ho messo in atto per trasformare questa scatola di BIG BABOL in una nuova illustrazione.

Prima di immergermi nel mondo dell’illustrazione, lasciatemi condividere con voi la meraviglia di questo box. È un cartone rigido, vivacemente decorato con colori sgargianti e un profumo irresistibile di fragola. Aprirlo è stato come fare un tuffo nel passato. All’interno, oltre ai pacchetti di gomme da masticare, ho trovato una lettera scritta a mano, una scelta dell’azienda che ha reso tutto ancora più speciale.

Ma veniamo a noi:

come trasformare questo scrigno di dolcezza firmato BIG BABOL in un’opera illustrata?

Innanzitutto, ho deciso di lasciarmi ispirare dalle forme e dai colori che componevano il box.
I pacchetti rettangolari e le gomme a forma di palline hanno catturato la mia attenzione, così come la palette con toni fluo, blu, rosa, rosso e nero.

Dopo una fase di riflessione e brainstorming, ho deciso di dare vita a un minimondo che catturasse l’essenza giocosa e divertente di Big Babol.
Ho immaginato una ragazza che soffia un palloncino rosa, circondata da pacchetti di gomme trasformati in palazzi e sagome di personaggi in movimento. Il tutto si sviluppa sotto un cielo popolato da pianeti colorati e nuvole bianche.

La fase di sketch è stata cruciale.
Ho optato per una rappresentazione non convenzionale. Ho trasformato il minimondo in un volto femminile, con i pacchetti di gomme che fungono da elementi architettonici e decorativi.
Ho poi suddiviso l’immagine in due piani, creando una composizione dinamica e coinvolgente.

Per la colorazione, invece, ho scelto una palette ispirata ai colori di gomme e pacchetti, con accenti vivaci per creare contrasti e armonie a livello visivo.
Il risultato finale è un’illustrazione che cattura l’energia e il divertimento di Big Babol, trasformando una semplice scatola in un viaggio fantastico alla riscoperta di dolci sapori passati.

Nel video fissato all’inizio dell’articolo trovi tutto l’iter creativo più nel dettaglio, con le riprese in tempo reale del progetto.

Se ti incuriosiscono i miei lavori, trovi il mio portfolio personale qui: ALESSANDRA LORETI -> https://alessandraloreti.it

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