In questo articolo Martina Pepiciello ci accompagna proprio dentro questo processo: non tanto dal punto di vista creativo, ma dal punto di vista progettuale.
Un approccio che mostra come l’illustrazione possa diventare uno strumento potente per raccontare idee, fenomeni e cambiamenti attraverso il linguaggio visivo.
Perché disegnare significa anche rendere visibile ciò che prima era difficile da capire.

Passo la parola a Martina, buona lettura! 🙂

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Una delle cose che mi piace di più fare con le illustrazioni è utilizzarle per comunicare concetti complessi, perché l’elemento visivo viene interiorizzato da chi guarda molto più facilmente rispetto alla lettura di un testo.
E il formato dell’infografica è un’ottima espressione di questa idea: grafici, illustrazioni e testo (poco!) devono essere integrati e bilanciati in modo da comunicare delle informazioni al lettore in modo che gli rimangano impresse il più facilmente possibile. Oggi vi spiego il processo che seguo per crearne una.

1. Creare un’infografica – Scelta del tema

Per prima cosa, scelgo il tema che voglio raccontare. 

In questo caso ho scelto un tema su cui sto riflettendo parecchio ultimamente: il fatto che tendiamo a vedere il futuro con pessimismo, nonostante il progresso scientifico e tecnologico abbia migliorato il nostro stile di vita in maniera radicale.

2. Struttura narrativa

Fatto ciò, organizzo il pensiero da raccontare in una sequenza logica che accompagni il lettore alla scoperta di esso. Cerco sempre di raccontare una storia che incentivi ad andare avanti e coinvolga emotivamente il lettore. 

Per questa infografica, decido di iniziare presentando delle statistiche sulla poca fiducia che abbiamo nel futuro e il meccanismo psicologico dietro a questa percezione. Farò poi degli esempi di come la nostra qualità della vita sia migliorata solo nel secolo scorso ed elencherò alcune delle scoperte o invenzioni che hanno reso possibile questo progresso. Terminerò con degli esempi di tecnologie che stanno venendo sviluppate in questo momento e che potrebbero rendere il futuro di gran lunga migliore, e una breve call to action.

3. Ricerca dei dati e rifinitura della struttura per creare un’infografica

Passo poi a cercare dati che supportino le diverse fasi nella storia che sto cercando di raccontare. 

Alcuni esempi di dati che ho trovato in questo caso:

• Statistiche sulla percezione del passato e del futuro da parte delle persone
• Statistiche sull prevalenza di news negative
• Trend su speranza di vita e povertà estrema dal 900 ad oggi
• Stato di sviluppo di alcune tecnologie innovative

Il fatto di trovare o meno dati abbastanza solidi per le diverse fasi mi porta spesso a ridefinire la struttura che avevo in mente. Quando lo scopo è presentare una visione più trasparente possibile della realtà, il design deve adattarsi ai dati, non viceversa. 

Per questa infografica, per esempio, ho scelto quali metriche sulla qualità della vita riportare basandomi sulla disponibilità di dati storici e di statistiche interessanti su scoperte o invenzioni che hanno influenzato quelle specifiche metriche.

4. Bozza del layout

In questa fase decido come riportare i dati (se con grafici, testo o un mix dei due) e come integrare le illustrazioni all’interno dell’infografica. 

In generale, cerco di far passare il messaggio nel modo più efficace possibile. Per i grafici, per esempio, scelgo la forma che risulta più intuitiva possibile, e per il testo cerco formulazioni sintetiche e dirette. 

Per le illustrazioni, idealmente mi piacerebbe creare un layout che integri molto le illustrazioni con i grafici e il testo in modo coesivo. Per esempio, in questo caso avevo pensato di presentare tutte le statistiche che non hanno un loro grafico all’interno di un qualche elemento delle illustrazioni. Quest’idea tende a funzionare meglio con infografiche più semplici e con meno dati. Con un’infografica con molti dati come questa, mi sono resa conto che questo approccio avrebbe compromesso la chiarezza e la facilità di comprensione dei dati. Per questo motivo, ho deciso di tenere illustrazioni, grafici e testi abbastanza distinti. 

Lo scopo di ogni illustrazione è comunque quello di rafforzare il concetto a cui si riferisce. Per esempio, in alto pianifico una figura che guarda indietro da abbinare a una statistica sulla percentuale di persone che avrebbe preferito nascere nel 1975 piuttosto che nel 2025, e una figura che guarda avanti in modo incerto da abbinare alla statistica sulla percentuale di persone che pensano che il 2026 sarà migliore del 2025.

5. Creare un’infografica – Layout finale e rifiniture

A questo punto il grosso del lavoro è fatto, resta solo da creare il layout definitivo in vettoriale che include testi, grafici e illustrazioni.

Se i siti da cui scarico i dati hanno la possibilità di scaricare grafici in SVG, la sfrutto: posso così essere sicura di avere grafici 100% accurati ma anche modificare lo stile a mio piacimento.

Per le illustrazioni uso un mix di illustrazioni create da me e di icone stock modificate per velocizzare il processo negli elementi più semplici.

Il testo da inserire ce l’ho più o meno in mente, ma in questa fase ne approfitto per assicurarmi che sia chiaro e conciso, oltre che ben incastrato nel layout.

Per finire, mi assicuro sempre di avere una palette semplice, che non distragga dai concetti e dai dati, ma che comunichi anche il mood che voglio trasmettere: in questo caso calma, curiosità e ispirazione.

Dopo un po’ di aggiustamenti e rifiniture, arrivo al risultato finale:

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Con Perla esploriamo il legame tra illustrazione e il mondo onirico dei tarocchi: che cos’è un tarocco? Qual è il suo valore simbolico? E in che modo il suo significato può prendere forma attraverso il disegno?

Lasciamo quindi la parola a Perla, che in questo articolo ci guiderà alla scoperta di questi temi affascinanti e approfondiremo praticamente come Disegnare i tarocchi. Buona lettura! 🙂

I tarocchi sono entrati nella mia vita durante l’infanzia.
Mi hanno affascinata fin da subito: erano carte dense di colore, immagini da osservare e interpretare, cariche di mistero e di una magia silenziosa.
Se inizialmente li vivevo come un gioco, con il tempo li ho riscoperti come uno strumento di autoanalisi e ascolto interiore, e da lì è nata una domanda:

che cosa significa davvero ogni carta per me?

È da questa domanda che ho deciso di illustrarli.
Illustrare una carta dei tarocchi significa entrare in dialogo con un archetipo: non si tratta solo di rappresentare un simbolo, ma di dare forma a qualcosa che vive dentro di noi e si tramanda da generazioni attraverso l’inconscio collettivo.

In questo articolo ti racconterò come ho illustrato la carta de Il Matto, offrendoti un punto di partenza per provarci a tua volta.

Il Matto è una carta che sfugge alle definizioni, che si muove ai margini, che esiste nel cambiamento continuo e nell’assenza di una direzione precisa.
È la carta del viaggio prima della meta, del passo nel vuoto, della fiducia istintiva che spinge ad andare avanti anche quando non si sa esattamente dove si sta andando.

Comprendere l’arcano: significato prima dell’immagine

Prima ancora di tracciare una linea, il lavoro comincia sempre dalla comprensione del simbolo.
Il Matto è spesso associato al numero zero, o a nessun numero.
È fuori dall’ordine, ai margini del mazzo e, proprio per questo, lo attraversa tutto.
Rappresenta insieme:

• L’inizio e la fine
• La libertà
• L’intuizione
• Il coraggio di partire senza sapere dove si arriverà
  

Non è follia nel senso comune del termine, ma abbandono.
È l’atto di fidarsi della vita anche quando non esiste una mappa.

Prima di disegnarlo mi sono fermata a chiedermi:

che tipo di libertà voglio raccontare?
Che cosa significa per me la fiducia? Come posso rappresentare visivamente l’istinto che prende il sopravvento sulla razionalità?

Ricerca visiva e riferimenti simbolici

Dopo lo studio concettuale, sono passata alla ricerca iconografica. Nei tarocchi di Marsiglia, che ho scelto come riferimento, Il Matto presenta alcuni elementi significativi:

• Viene rappresentato come un viandante;
• Porta un bastone e un fagotto;
• Un cane lo accompagna o lo trattiene;
• Ha un passo sospeso, quasi instabile.

Questi elementi non sono obbligatori, ma funzionano come ancore simboliche.
Possiamo infatti scegliere di sostituirli con immagini metaforiche, come: un bagaglio emotivo invece che materiale, un animale interiore invece di un cane, uno spazio vuoto al posto del baratro.

La chiave è non appesantire l’immagine: il Matto vive di leggerezza, di aria, di margini aperti.

3. Disegnare i Tarocchi – Dal concept al bozzetto: raccontare il movimento

Una volta chiarito il messaggio, passo al bozzetto. Questa fase, mi aiuta prima di tutto a definire la sensazione di movimento e fiducia verso l’ignoto che il Matto dovrebbe emanare. 

Lavoro su: 

• Linee dinamiche
• Equilibrio instabile
• Asimmetria

Lo disegno partendo da una linea obliqua ascendente, in una posizione che lo fa sembrare quasi sospeso, completamente in balia del destino.
In questa figura ho trovato una forte affinità con Dioniso, e per questo ho scelto di inserire elementi che lo richiamassero: le foglie di vite, una tigre tatuata sul braccio (che era il suo destriero, ma che può anche essere letta come simbolo del dominio sulla paura).

Nei tarocchi è fondamentale anche la direzione dello sguardo dell’arcano da rappresentare.
Il Matto raramente guarda lo spettatore. Il suo sguardo è altrove, o rivolto all’interno. Io l’ho disegnato bendato, rafforzando ancora una volta il concetto dell’istinto primordiale che prende il sopravvento.

4. Disegnare i tarocchi – Colore e atmosfera: il vuoto come presenza

Anche la scelta della palette cromatica necessita di una riflessione rispetto ai concetti che si vogliono raccontare.
In questo caso funzionano bene:

• colori caldi;
• contrasti marcati;
• sfondi aperti o indefiniti;
  

La palette cromatica deve sostenere il significato della carta, non sovrastarlo. Anche la tecnica (acquerello, digitale, matite, mixed media) influisce sull’atmosfera. Il vuoto, in questa carta, non è mancanza ma possibilità. Lasciare parti non definite, texture leggere, segni incompleti aiuta a trasmettere l’idea di qualcosa che non è ancora fissato.

Per questa illustrazione ho scelto di lavorare con acrilici e spatole, una tecnica più fisica e istintiva, capace di rispecchiare la natura primordiale dell’arcano.

5. Dettagli simbolici e rifinitura

Nella fase finale si inseriscono i dettagli: piccoli segni che spesso non vengono notati consciamente, ma che lavorano a livello inconscio. Per quanto mi riguarda, questa fase è utile per sottrarre elementi dall’immagine, piuttosto che aggiungerne. In questo caso ho scansionato la mia tavola e l’ho rielaborata digitalmente. 

Ho scansionato la tavola e l’ho rielaborata digitalmente, scegliendo di dare respiro allo sfondo attraverso il bianco: un segno di caos, ma anche di vuoto, di pausa, di respiro. La spirale, inizialmente collocata nell’angolo in basso a sinistra, ha assunto un ruolo centrale, inserendo Il Matto in una dimensione ciclica, simile a un loop infinito.

Come l’arcano stesso, anche l’immagine rimane aperta.
Non racconta una risposta, ma una possibilità.

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1. Illustrazione per l’infanzia – Osservare e raccogliere ispirazioni

Il primo passo per ogni illustrazione è l’osservazione.
E l’illustrazione per l’infanzia non fa eccezione.
Portare sempre con sé uno sketchbook, aiuta a catturare idee e a realizzare schizzi veloci che potranno diventare la base di un progetto più grande.

In questo caso, parto da alcuni bozzetti di paperelle disegnati a matita, sperimentando diverse pose e accessori, fino a trovare quella che diventerà la protagonista della mia illustrazione.

2. Costruire la figura con forme geometriche

Una volta scelto lo schizzo più convincente, si passa alla costruzione. Il segreto per creare un personaggio equilibrato è partire da forme geometriche semplici.

Per la paperella userò:

• un triangolo per il cappello,
• un piccolo triangolo per il musetto,
• un rettangolo allungato per il collo,
• un triangolo rovesciato per il busto,
• un rettangolo orizzontale per la base della gonna o del piumaggio.

Questa struttura mi aiuta a mantenere le proporzioni e a dare stabilità al disegno.

Nella prima immagine ti mostro le forme che ho scelto, mentre nella seconda il modo in cui le ho combinate per creare il personaggio.

3. Definire lo sketch finale

Sopra alle forme geometriche tracciamo lo schizzo definitivo, aggiungendo dettagli come occhi, becco, piume, vestiti e accessori (ad esempio un cappello elegante e una collana di perle).
In questa fase il personaggio prende davvero vita e inizia a trasmettere la sua personalità.

4. Aggiungere colore e ombre

Quando il disegno ci soddisfa, passiamo alla fase della colorazione digitale o tradizionale. La scelta dei colori è personale, ma è importante pensare al messaggio che vogliamo trasmettere. Toni caldi e delicati possono comunicare dolcezza e affetto, mentre colori più vivaci trasmettono allegria ed energia.

Le ombreggiature e sfumature aiutano a dare profondità e volume, rendendo la paperella più tridimensionale e piacevole da guardare.

5. Inserire dettagli finali: texture e lettering

Per arricchire ulteriormente l’illustrazione possiamo:

• applicare una texture leggera per un effetto artigianale e accogliente,
• aggiungere una frase personalizzata, come “I’m totally quackers for you!”, che rende l’immagine perfetta per un biglietto romantico o un regalo speciale.

Con pochi passaggi – dall’osservazione alla costruzione con forme geometriche, fino alla colorazione e ai dettagli finali – abbiamo imparato come disegnare una paperella.

Questo metodo può essere applicato a molti altri soggetti, rendendo ogni progetto unico e personale. Prendi matita e sketchbook, e prova anche tu a creare la tua paperella illustrata!

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Con questo articolo voglio portarvi nel mio iter creativo di questo nuovo progetto illustrato: partendo dallo sketch fino alla definizione dei colori, vi mostrerò il processo che ho messo in atto per trasformare questa scatola di BIG BABOL in una nuova illustrazione.

Prima di immergermi nel mondo dell’illustrazione, lasciatemi condividere con voi la meraviglia di questo box. È un cartone rigido, vivacemente decorato con colori sgargianti e un profumo irresistibile di fragola. Aprirlo è stato come fare un tuffo nel passato. All’interno, oltre ai pacchetti di gomme da masticare, ho trovato una lettera scritta a mano, una scelta dell’azienda che ha reso tutto ancora più speciale.

Ma veniamo a noi:

come trasformare questo scrigno di dolcezza firmato BIG BABOL in un’opera illustrata?

Innanzitutto, ho deciso di lasciarmi ispirare dalle forme e dai colori che componevano il box.
I pacchetti rettangolari e le gomme a forma di palline hanno catturato la mia attenzione, così come la palette con toni fluo, blu, rosa, rosso e nero.

Dopo una fase di riflessione e brainstorming, ho deciso di dare vita a un minimondo che catturasse l’essenza giocosa e divertente di Big Babol.
Ho immaginato una ragazza che soffia un palloncino rosa, circondata da pacchetti di gomme trasformati in palazzi e sagome di personaggi in movimento. Il tutto si sviluppa sotto un cielo popolato da pianeti colorati e nuvole bianche.

La fase di sketch è stata cruciale.
Ho optato per una rappresentazione non convenzionale. Ho trasformato il minimondo in un volto femminile, con i pacchetti di gomme che fungono da elementi architettonici e decorativi.
Ho poi suddiviso l’immagine in due piani, creando una composizione dinamica e coinvolgente.

Per la colorazione, invece, ho scelto una palette ispirata ai colori di gomme e pacchetti, con accenti vivaci per creare contrasti e armonie a livello visivo.
Il risultato finale è un’illustrazione che cattura l’energia e il divertimento di Big Babol, trasformando una semplice scatola in un viaggio fantastico alla riscoperta di dolci sapori passati.

Nel video fissato all’inizio dell’articolo trovi tutto l’iter creativo più nel dettaglio, con le riprese in tempo reale del progetto.

Se ti incuriosiscono i miei lavori, trovi il mio portfolio personale qui: ALESSANDRA LORETI -> https://alessandraloreti.it

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Oggi ci immergiamo nel mondo dei flipper, dove l’illustrazione è diventata parte integrante dell’identità dell’oggetto.
In questo articolo scopriremo come gli artisti hanno portato la loro creatività sui tavoli da gioco e come le illustrazioni hanno contribuito a creare l’atmosfera unica che tutti ricordiamo.
Infine proveremo a realizzare un’inedita testata di un flipper con un tema proposto dalla nostra community Facebook.

Ma prima partiamo con

Un po’ di storia

La storia dei flipper affonda le sue radici agli inizi del XIX secolo quando il gioco veniva ancora giocato con palline di metallo e senza elementi elettronici. Un primo antenato del flipper fu la Bagatelle, in cui il giocatore utilizzava una piccola stecca per spingere la pallina su un tavolo inclinato. Solo verso la fine dell’800 la stecca viene sostituita da un pistone a molla, dando vita ad una nuova versione del gioco che gli americani chiamarono PINBALL.

In questi primi rudimenti del flipper troviamo davvero pochissimi elementi illustrati, come il logo del produttore o il nome del gioco.
L’illustrazione fa il suo vero ingresso solo negli anni ’50 e ’60, decenni in cui i flipper iniziavano a diventare più complessi con un funzionamento meccanico.

L’illustrazione, a questo punto, costituiva un elemento chiave nel design dei flipper, con artisti che si concentravano sull’uso di colori vivaci e immagini attraenti per catturare l’attenzione dei giocatori.

Negli anni ’60 la Gottlieb era una delle principali case produttrici di flipper dell’epoca. L’azienda aveva un’attenzione particolare per l’illustrazione e si avvaleva di alcuni degli artisti più talentuosi dell’epoca per creare le illustrazioni delle sue testate.
Tra questi ricordiamo Gordon Morison. Le sue immagini erano spesso ispirate alla cultura popolare dell’epoca, con riferimenti a film, musica e televisione. Le sue opere erano caratterizzate da una forte attenzione ai dettagli e una grande abilità nel creare scene dinamiche e coinvolgenti.

Un altro artista che contribuì in modo significativo alle testate dei flipper Gottlieb fu Roy Parker, che creò alcune delle immagini più iconiche dei flipper Gottlieb degli anni ’60. Parker utilizzava colori vivaci e contrastanti, spesso rappresentando immagini di donne seducenti e avventure esotiche.

Ed ora passiamo alla parte operativa del progetto!

Ora che abbiamo capito come veniva utilizzata l’illustrazione nell’universo dei flipper, rivediamo insieme quali sono i punti chiave che caratterizzavano le testate Gottlieb e che potremmo utilizzare nella nostra illustrazione.

1. Partiamo dallo stile grafico

Le illustrazioni presentavano spesso personaggi caricaturati in modo divertente, con caratteristiche esagerate e fumettistiche. Molto cartoon.

2. I colori

In secondo luogo i colori sono molto vivaci, con una varietà di tonalità utilizzate per creare contrasti e dare profondità all’immagine.
Inoltre, molte illustrazioni presentavano temi in voga per l’epoca, come ad esempio il rock and roll, lo sport, i supereroi e la cultura popolare.

3. La composizione

E, infine, parliamo di COMPOSIZIONE: gli elementi interni all’illustrazione erano disposti in modo creativo e dinamico sulla testata del flipper per accentuare l’idea di movimento e divertimento.

Per decidere che gioco illustrare, sabato e domenica ho aperto un post di confronto sul gruppo Facebook de La Fabbrica dei Sogni, dicendo, genericamente, che stavo cercando un argomento per un video sull’illustrazione a tema videogiochi.

Questo per non influenzare la scelta e dare la possibilità a tutti di esprimersi liberamente e senza il condizionamento dell’oggetto fisico del flipper. L’idea più interessante è stata proposta da Sofia Sgarella che ha detto

“Ale, ma perché non fai un gioco sui Maneskin con Damiano e Viktoria come protagonisti”?

E così eccoci qui a progettare la nostra testata flipper a tema Maneskin.

Trovi tutti gli step del progetto “Disegno un flipper ispirato ai Maneskin” nel video sul canale:

Scopri gli altri articoli a tema disegno creativo del blog!

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La scelta dei materiali

Con l’acquerello non c’è da scherzare! Se i materiali impiegati non sono adatti a questa tecnica, i risultati sono destinati ad essere fallimentari.

Vediamo nel dettaglio cosa ci serve.

Colori ad acquerello

Quando si parla di acquerello, esiste un ampio spettro di qualità ma, per iniziare a muovere i primi passi, raccomandiamo senza dubbio i Winsor & Newton Cotman, una linea di acquerelli a buon mercato e di buona qualità.

Carta

La superficie dove si applica il colore è altrettanto importante, in quanto deve essere in grado di assorbire l’acqua senza rovinarsi. Sebbene ci siano diversi fattori che contribuiscono alla scelta di una buona carta, in linea di massima è sempre buono orientarsi verso carte con una grammatura di almeno 300 g/mq.

Noi scegliamo l’album XL Aquerelle della Canson a grana fine che rispetta i requisiti richiesti.

Pennelli

Anche qui c’è moltissima scelta. In questo caso vi consigliamo di cominciare con dei semplici pennelli tondi con setole morbide, fondamentali per una stesura corretta del colore.

Contenitori per l’acqua

Almeno due, uno per l’acqua che verrà sporcata con il colore e l’altro con l’acqua pulita per ripulire il pennello.

Piattino per miscelare i colori

Il piattino fiore di Flying Tiger è perfetto!

Carta da cucina

Assorbente al punto giusto per asciugare i pennelli!

Scotch di carta

Per fissare il foglio sulla superficie sottostante al fine di non farlo
imbarcare

Mettiamoci all’opera!

Come primo step, fissiamo il foglio con il nastro carta.
N.B. Mi raccomando, prima di farlo aderire, scaricate un po’ il nastro per evitare che il foglio si rovini una volta che sarà arrivato il momento di rimuoverlo.

Disegnare i cani: il volpino di Pomerania

Comiciamo subito con il nostro primo soggetto: il volpino di Pomerania!
Per rimanere fedeli alla nostra idea iniziale, abbiamo deciso che non tracceremo alcun bozzetto preparatorio.
Andremo quindi ad applicare il colore direttamente sul foglio. Vediamo come:

1. Iniziamo preparando il colore
   
   Il segreto di un buon acquerello sta nel mixare la giusta dose di pigmento e acqua. Perciò prendetevi tutto il tempo necessario per farlo.
   
2. I volpini di Pomerania sono particolarmente riconoscibili per il loro pelo lungo che li rende delle adorabili pallette di pelo.
   
   Per questo motivo, lo stilizziamo con la forma di un cerchio.
   
3. Aggiungiamo quindi i dettagli delle orecchie, delle zampette e delle coda che diventano così un tutt’uno con il cerchio.
   Per ottenere l’effetto di sfumatura del manto, tipica di questi cani, possiamo tamponare con la carta da cucina nel punto desiderato oppure aggiungere altra acqua con il pennello pulito.
   
4. Infine quando il colore si sarà completamente asciugato sul foglio, andiamo ad
   aggiungere con un fine liner i dettagli degli occhi, del muso, delle orecchie e delle
   zampette.

Disegnare i cani: il bassotto

Per il secondo soggetto, il bassotto, la procedura è pressoché identica.

1. Anche qui iniziamo preparando il colore, un marrone scuro tendente al rossiccio.

2. I bassotti sono rinomati per la loro particolare forma che ricorda quella di una salsiccia. Quindi sfruttiamo questa loro caratteristica accentuando ulteriormente la lunghezza del corpo.
   
3. Facciamo lo stesso con le zampette che al contrario saranno estremamente corte.
   
4. Aggiungiamo quindi le orecchie cadenti, tipiche del bassotto, con un marrone più
   scuro e una volta asciugato il colore, come prima, andiamo ad aggiungere con un fine liner i dettagli degli occhi e del muso. Per le zampette usiamo invece un Uniposca bianco a punta fine.
   
5. Come ultimissimo dettaglio, aggiungiamo una linea curva di colore più pastoso per fare il collare.

Disegnare i cani: l’husky

Elegante e maestoso, l’husky è il terzo cane che abbiamo scelto di rappresentare.

1. A differenza degli altri soggetti, prepariamo il colore partendo da una tonalità molto
   chiara per poter poi riprodurre il manto bianco e nero che lo caratterizza.
   
2. Quando il colore è ancora fresco, aggiungiamo una tonalità grigio-blu più scura.
   
3. Continuiamo così assecondando le forme morbide dell’husky e finchè il colore verrà
   assorbito completamemente dal foglio. Per schiarire alcuni punti possiamo tamponare
   con il foglio di carta da cucina.
   
4. Aggiungiamo infine i dettagli con il fine liner nero, e per creare l’illusione di una
   coda più folta disegniamo delle linee curve con l’uniposca bianco.

Disegnare i cani: Il dalmata

1. Come precedentemente fatto per l’husky, iniziamo a stendere un colore molto chiaro
   che sarà la base del manto bianco.
   
2. I cani dalmata hanno una corporatura prestante e ben proporzionata perciò
   stendiamo il colore per creare una figura elegante e longilinea.
   
3. Le macchie nere sparse per tutto il manto sono sicuramente il loro tratto distintivo,
   quindi con una tonalità più scura puntelliamo di macchie tutta la silhouette.
   
4. Infine dopo aver dipinto anche le orecchie e quando il colore si sarà completamente
   asciugato sul foglio, andiamo ad aggiungere con un fine liner i dettagli degli occhi, del
   muso e delle zampe.
   
   Con il suo collare rosso vivo, questo dalmata è pronto per fare una passeggiata!

Ora che avete compreso la tecnica che abbiamo sperimentato, divertitevi ad utilizzarla per diverse tipologie di cane. Servitevi ad esempio delle forme geometriche per enfatizzare le caratteristiche di una determinata razza oppure ritraeteli in pose buffe che esaltino il carattere giocoso del cane.
Proprio come negli esempi riportati qui sotto.

Di seguito il video con il processo creativo:

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Chiara Topo

Illustratrice freelance romana con una passione incondizionata per il disegno da quando ne ho memoria! Lavoro principalmente con tecniche digitali ma amo sperimentare anche con quelle tradizionali.
Ho collaborato con la Eagle Pictures per le illustrazioni allegate ai cofanetti delle collezioni in DVD, realizzato diverse cover per la collana di libri sci-fi editi da Future Fiction e illustrato il libro “Quel desiderio che sa di cielo” di Alessandra Loreti edito da Geeko Editor.

Il mio Behance

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Per realizzare questo articolo partiremo dal design di Iordan, il vampiro che abbiamo realizzato insieme in un precedente articolo.

Disegnare un animale antropomorfo – la struttura

Il nostro vampiro, nella sua versione animale, sarà ovviamente un pipistrello.
Andiamo quindi ad approfondire le caratteristiche specifiche di questo animale notturno.
Come puoi notare, la struttura del pipistrello è abbastanza simile a quella umana.
La cassa toracica, la spina dorsale, il collo e la zampa sono anatomicamente somiglianti.

Cos’è che differenzia le ali di un uccello da quelle di un pipistrello?

La differenza sostanziale, oltre al piumaggio (che nei pipistrelli è assente) sta nelle ossa delle ali.
Mentre negli uccelli, le ossa metarcapali e delle falangi consistono in sole tre dita, nei pipistrelli l’ala è costituita prevalentemente da quest’ultime.
Come le nostre mani, anche il pipistrello ha 5 dita, con la differenza che le sue sono estremamente lunghe.

Quindi, quando volano, gli uccelli sbattono le ali facendo partire il movimento dalla spalla. I pipistrelli, invece, sfrecciano nell’aria utilizzando principalmente le zampe anteriori. In questo modo, il loro volo sarà più veloce ed efficace.

Disegnare un animale antropomorfo – la caratterizzazione

Per fare in modo che il nostro Iordan risulti credibile nella sua forma di pipistrello, dobbiamo identificare le caratteristiche che lo rendono riconoscibile.

1. Lo sguardo
   Gli occhi di un personaggio sono fondamentali perché ne trasmettono l’essenza. È quindi importante fare in modo che il suo sguardo resti riconoscibile nella trasformazione ad animale.
   
2. La postura
   Nel nostro caso, Iordan è un vampiro aristocratico e, ovviamente, questo aspetto deve trasparire nel linguaggio del corpo e del nuovo design.
   
3. Altri elementi identificativi
   Individua altri elementi identificativi del personaggio e cerca di capire come trasporli nella sua versione animale. Nel nostro caso, le mani di Iordan sono lunghe e longilinee e, per questo motivo, dovrebbero adattarsi bene alla forma di ala di pipistrello.

Anche in questo caso le forme geometriche ci vengono in aiuto per creare una connessione tra il design del vampiro e quello del pipistrello. Il primo è principalmente composto da un mix di rettangoli, triangoli e cerchi (leggi l’articolo di riferimento per comprendere meglio). Quindi, cercheremo di combinare queste forme per dar vita al nuovo design del pipistrello.

Disegnare un animale antropomorfo – l’atteggiamento

Come abbiamo già accennato, l’atteggiamento del personaggio è essenziale per esternare la sua personalità.
Esplora diverse soluzioni per la posa e procedi per tentativi finché non trovi un’idea che ti soddisfi in pieno.

Il colore

Per la palette dei colori, ci baseremo sulle tonalità già utilizzare per Iordan in versione vampiro.
Li integreremo in modo tale da ricreare lo stesso ritmo del design originale.
Mantenere i colori nella specifica sequenza, aiuterà a rendere il personaggio ancora più riconoscibile.

Ora tocca a te!
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Articolo a cura di Chiara Topo

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Come disegnare un personaggio

Disegnare un personaggio e renderlo caratteristico può sembrare difficile. Eppure, seguendo il percorso che ti indicheremo step by step nell’articolo, potrai realizzare il tuo personaggio con un design efficace, in grado di incuriosire l’osservatore.
Partiamo quindi dal primo step.

1. Definisci la storia del personaggio

Prima di iniziare a disegnare, definisci il carattere del tuo personaggio. Chi è? Cosa fa nella vita? Quali sono le sue aspirazioni? In questo senso è utile scrivere una sorta di sceneggiatura di pochissime righe o qualche parola chiave che descriva il personaggio. Questo è un ottimo punto di partenza perché la storia costituisce la ragione per cui il personaggio esiste nel suo mondo e quindi può determinarne l’aspetto.

Ecco una storia di esempio che ci aiuterà a caratterizzare il nostro personaggio:

Iordan è un vampiro aristocratico di altri tempi, vissuto durante l’era regency. Minaccioso e superbo, non riesce ad abituarsi agli usi e costumi di oggi, quindi indossa sempre la sua tenuta regale da perfetto dandy.

2. Estrapoliamo le parole chiave

Dalla sceneggiatura appena stilata, estrapoliamo le parole principali che ci aiuteranno a capire come disegnare il nostro personaggio.

Vampiro
Minaccioso
Regale
Dandy
Superbo

3. Come disegnare il personaggio: la scelta delle forme

Nel character design le forme sono fondamentali: non solo rendono riconoscibile il personaggio ma sono strettamente legate alla sua psicologia, quindi possono definirne la personalità.

4. Come disegnare il personaggio: la combinazione delle forme

Per il nostro personaggio abbiamo optato per il triangolo e il rettangolo (che ha un significato percepito simile a quello del quadrato), in modo da rimanere fedeli alle parole chiave scelte.

5. Come disegnare il personaggio: la posa

Come gli attori, anche il nostro personaggio recita una parte. La posa è un elemento perfetto per mostrare tutto quello che sappiamo su di lui e che vogliamo comunicare al nostro pubblico. Iordan ha una posa autoritaria che ben definisce la sua natura regale e minaccioso di vampiro.

N.B.: Nonostante la posa sia statuaria, la linea d’azione del personaggio ha un andamento sinuoso.

6. Come disegnare un personaggio: costume e il colore

L’abito non fa il monaco, ma dotare il nostro personaggio del giusto costume lo renderà unico. Abbiamo detto che Iordan è un dandy, perciò il costume design si ispirerà a questa moda in particolare.
Una volta scelto lo stile grafico e il costume del personaggio, passiamo al colore. Sebbene la scelta del colore sia soggettiva, possiamo creare una palette di colori basata sulla psicologia del nostro personaggio.

Ed ecco qui il nostro personaggio ultimato.

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Articolo a cura di Chiara Topo

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Eccoci con l’ultimo articolo della nostra rubrica disegnare le fiabe insieme a Valylove.
Oggi parliamo di un’altra fiaba molto nota nella cultura popolare, quella del brutto anatroccolo.
Se non avete letto i capitoli precedenti di questa rubrica potete recuperarli qui:
Cappuccetto Rosso
Hansel e Gretel
Biancaneve
I vestiti nuovi dell’imperatore

Il brutto anatroccolo

Il brutto anatroccolo è una fiaba di Christian Andersen, pubblicata per la prima volta nel 1843 e inclusa, l’anno successivo, nella raccolta di fiabe di Andersen “i nuovi racconti”.
Questo racconto porta con sé insegnamenti molto importanti, tra cui la consapevolezza e accettazione del sé e della vera bellezza.

Una fiaba che parla della presa di coscienza del proprio IO, al di là del giudizio e della discriminazione per le differenze fisiche.
La storia narra le sofferenze di un cucciolo di cigno, perso dalla sua mamma e nato per caso in una nidiata di anatroccoli. Da subito viene emarginato come diverso e da quel momento il piccolo dovrà affrontare tante offese e sofferenze. 

L’anatroccolo viene umiliato e abusato dai suoi simili in molti modi e, non avendo consapevolezza della propria unicità, si lascia scoraggiare fino a credere di non valere nulla.

La stessa mamma anatra, che all’inizio cerca di proteggerlo, si lascia influenzare dal parere della comunità e decide di allontanare il piccolo anatroccolo.

Le persone troppo spesso giudicano il prossimo esclusivamente per l’aspetto fisico.
Tutto ciò che è diverso provoca pregiudizio e, per la comunità, chi è diverso è sbagliato e diventa facilmente bersaglio di abusi e umiliazioni.

Questa storia ci insegna che spesso è meglio allontanarsi dalla comunità per ricercare il proprio valore, non cedendo alla tentazione di credere alle verità altrui.
Accettare la propria individualità e la propria bellezza significa rendersi consapevoli della propria unicità.

Il brutto anatroccolo – parole chiave

Ora che abbiamo compreso meglio la storia del brutto anatroccolo, individuiamo le parole chiave che rappresentano la fiaba e che possiamo utilizzare come riferimento nella nostra illustrazione.
Dopodiché vediamo come poterla rappresentare visivamente.

Discriminazione
Insicurezza
Solitudine
Consapevolezza

Disegnare le fiabe: il brutto anatroccolo

Step 1. Lo sketch

Una volta individuati gli elementi chiave della storia, proviamo a contestualizzarli all’interno di un disegno. Valentina ha messo in risalto il riflesso dell’anatroccolo nell’acqua che fa trasparire la vera immagine di sé, la sua bellezza profonda non ancora sbocciata.
Dopo lo sketch a matita, ha ripassato il disegno con il colore a china nero punte: 0,3 e 0,5.

Step 2. Colore base

Adesso puoi stendere la base ad acquerello su tutto il disegno.
N.B.: In questa prima fase il colore potrebbe risultare un po’ spento. Non preoccuparti, potrai procedere con una seconda passata.

Step 3. Le ombre

Continua a ripassare il colore, strato su strato, finché non sei soddisfatto del livello di intensità. Adesso ripassa il colore sui punti in ombra per aumentare il contrasto e rendere maggiormente l’idea di volumi.

Step 4. I dettagli

Con una penna bianca evidenzia i punti luce nelle foglie e nel becco del brutto anatroccolo e del cigno riflesso.

Per concludere, con un pennellino e un pigmento dorato, aggiungi dei punti luce d’oro sia nella luna che nelle foglie dei fiori per sottolineare e mettere in evidenza il concetto di “bello”.

Et voilà!
Il brutto anatroccolo è pronto per sbocciare in uno splendido cigno!

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Scopri le altre fiabe da disegnare: Cappuccetto Rosso, Hansel e Gretel, Biancaneve

Illustrazioni nell’articolo a cura di Valylove

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I vestiti nuovi dell’imperatore è una fiaba danese scritta da Hans Christian Andersen e pubblicata per la prima volta nel 1837.
I temi trattati nella storia sono quelli della saggezza, stupidità, astuzia, incompetenza e potere.

Andiamo a vedere nel dettaglio, in compagnia di Valylove, il significato della storia e impariamo step by step a realizzare un’illustrazione a tema.

Di cosa parla I vestiti nuovi dell’imperatore?

La storia ha come protagonista un re vanitoso che, troppo presuntuoso per ammettere il torto, viene raggirato da due sarti imbroglioni.
Conoscendo la sua vanità, infatti, i sarti gli realizzano un vestito molto speciale. Si tratta di un abito creato con stoffe pregiate che solo chi è dotato di saggezza può vedere.
In realtà, come è facile intuire, non esiste nessun vestito, e quando i sarti presentano al re quello che definiscono “un capolavoro ricco di particolari”, l’uomo finge di riuscire a vederlo in modo da non passare per stupido.
Insomma, non può certo sfigurare davanti ai suoi ciambellani!
Così, convinto dell’ottimo lavoro dei sarti, decide di farsi vestire con questo “abito speciale” e dar via ad una sfilata.

Quando il re esce di palazzo completamente nudo, il popolo rimane senza parole ma nessuno ha il coraggio di dire nulla. Tra le persone riecheggiano bisbigli compiaciuti che soddisfano l’ego del re “Hai visto che stoffa?” “E che ornamenti!” “Semplicemente meravigliosi”.
Ma, come tutti sanno, le cortesie di circostanza poco si addicono ai bambini che, senza peli sulla lingua, esprimono sempre il loro pensiero.
E sarà proprio un bambino a svelare l’inganno, puntando il dito contro il re e facendo calare quel velo di menzogna che ricopriva il sovrano.
“Il re è nudo!”
Tutti sanno la verità e adesso nessuno può più far finta di niente.
Così il re, colto alla sprovvista, continua a sfilare fino alla fine dei festeggiamenti tra le risate del popolo e con la consapevolezza di essere stato raggirato per la sua vanità.

Parole chiave del racconto

Individuiamo insieme le parole chiave che identificano la storia:
Vanità
Potere
Astuzia
Paura della verità
Ingenuità

Personaggi e simbologia

All’interno della storia troviamo:
il re: simbolo di vanità e potere
l’abito: che simboleggia la superficialità dell’uomo potente
i ciambellani: a loro volta superficiali e timorosi
i sarti: l’essenza dell’astuzia che sfrutta la superficialità a proprio vantaggio
il bambino: l’ingenuità e la naturalezza che fanno crollare con un soffio questo castello di carte

Disegnare le fiabe: i vestiti nuovi dell’imperatore

Ora che abbiamo le idee un po’ più chiare sulla storia, vediamo come poterla rappresentare visivamente.

Step 1. Lo sketch

Una volta individuati gli elementi chiave della storia, proviamo a contestualizzarli all’interno di un disegno.
Il re è nudo e la sua vanità lascia spazio ad una nuova presa di coscienza nel momento in cui si relaziona con l’autenticità bambino.
Questo sarà il messaggio che trasmetteremo attraverso le immagini.

Prendi quindi un foglio bianco e fissa su carta la tua idea con la matita.
Dopo aver disegnato lo sketch, procedi a ripassarlo con un pennarello a china nera.
Valylove ha usato una punta 0.5 e una 0.2.

Step 2. Colore fase 1

Adesso puoi stendere la base ad acquerello su tutto il disegno.
N.B.: In questa prima fase il colore potrebbe risultare un po’ spento. Non preoccuparti, potrai procedere con una seconda passata.

Step 3. Le ombre

Adesso ripassa il colore sui punti in ombra per aumentare il contrasto e rendere maggiormente l’idea di volumi.

Step 4. I dettagli

Con una penna bianca evidenzia la luce nei capelli, barba e corona del re e nei capelli del bambino. Infine aggiungi degli elementi decorativi per rendere l’idea della festa, in contrasto con i colori cupi del re.

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Illustrazioni nell’articolo a cura di Valylove

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