In questo articolo ti porto dentro il mio iter creativo, dall’idea iniziale ai bozzetti, fino alla costruzione del disegno definitivo.
Ciao, sono Mattia (airmatti) e oggi ti accompagno passo passo nel processo con cui ho costruito questa illustrazione: un viaggio tra montagne, identità e libertà.

1. Cosa vuoi raccontare?

Per raccontare una storia con un’immagine sappiamo che servono personaggi, paesaggi, oggetti…
Ma ciò che spesso non consideriamo è che conta tantissimo anche come li mettiamo in scena.

La prima domanda è sempre:
“Che cosa voglio dire, davvero?”

Spesso raccolgo le idee in frasi brevi o parole chiave:
mi aiutano a non perdermi quando il disegno diventa complesso.

In questo caso volevo esprimere:

• orgoglio
• resistenza
• libertà
• il legame di un popolo con la natura: i Quechua delle Ande, discriminati, ma ancora profondamente radicati nella loro terra.

2. Meno è meglio: bozzetti rapidi per scegliere la direzione

Dopo aver definito il “cosa”, sono passato al “come”.

Qui entrano in gioco i thumbnail: schizzi minuscoli e velocissimi dove provo:

• disposizione degli elementi
• peso visivo
• direzione dello sguardo
• rapporto tra personaggi e ambiente

Questa fase serve a una cosa molto elegante: sbagliare in fretta.

Scelte compositive principali

Volevo che l’immagine raccontasse:

• una vita tra montagne, fatta di salite
• una fatica quotidiana che però è sostenuta da un senso di dignità e spiritualità

Per questo ho scelto:

• formato verticale, per enfatizzare l’idea di ascesa
• personaggi in basso, per far sentire l’immensità del paesaggio
• figure relativamente piccole rispetto allo scenario: la montagna diventa protagonista insieme a loro.

3. Primo approccio: struttura e regola dei terzi

Quando un bozzetto “suona giusto”, passo a uno studio più leggibile.

In questa fase mi aiuto spesso con la regola dei terzi: divido lo spazio in una griglia e cerco di posizionare i punti importanti (personaggio, direzione, ritmo delle montagne) in aree che rendono l’immagine più equilibrata e naturale.

Ricerca e riferimenti

Prima di definire davvero i personaggi, faccio una piccola ricerca su:

• caratteristiche fisiche
• abiti tradizionali
• dettagli del paesaggio andino
• oggetti e materiali

Non per copiare, ma per dare credibilità e rispetto al soggetto.

4. Il processo: costruire a livelli (senza pretendere perfezione subito)

Qui arriva la parte che molti saltano perché “voglio vedere subito il finale”.

Peccato, perché il finale è solo la somma di tanti passaggi.

Io costruisco il definitivo a livelli, così:

1. struttura base (forme semplici, proporzioni)
2. gestualità (posa, movimento, relazione tra i personaggi)
3. dettagli progressivi (abiti, accessori, anatomia più precisa)

In questa fase continuo a chiedermi:
“Questa scelta rafforza quello che voglio raccontare?”

Se la risposta è no, si cambia.
Senza drammi.

Ecco un esempio di idea iniziale che ho scartato a favore di quella che hai visto qui sopra:

5. Verso la cima: luci, ombre, texture e atmosfera

Nell’ultima fase aggiungo ciò che dà “vita” alla scena:

• ombre per solidità e profondità
• texture sul paesaggio
• dettagli mirati (pochi, ma al posto giusto)
• effetti finali, come raggi di luce o calore atmosferico

Nel mio caso, la luce era importante per comunicare:
calore, speranza, vitalità.
Una ricompensa emotiva dopo la salita.

Questo processo mi piace perché ricorda una cosa semplice:
un’illustrazione non nasce dal talento in un colpo solo, ma da una sequenza di decisioni.

E più tieni chiaro “il perché”, più ogni decisione diventa facile!

Grazie per averci letti fin qui, puoi seguire il percorso creativo di AIRMATTI, sul suo profilo instagram.

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Si tratta di uno schizzo veloce con il quale si cattura l’essenza di una posa e le sue differenti forme in movimento.

Personaggi in movimento – disegnamo!

Per questo tutorial ci serviremo di alcune immagini gratuite prese dal web e cercheremo di catturare l’idea del movimento nei soggetti.
In questo tipo di esercizio, quindi, non sarà importante focalizzarsi sull’anatomia o sui dettagli del personaggio, ma solo sull’effica del movimento.
Una buona idea potrebbe essere quella di utilizzare immagini di persone che praticano sport.

La linea d’azione

Per iniziare un gesture drawing è necessario partire dalla linea d’azione.
La linea d’azione è una linea essenziale che definisce la posa del soggetto e ne determina l’andatura.
In questa linea confluisce tutta l’energia dell’azione e, per questo motivo, permette di stabilire fin da subito la dinamicità della figura.

Catturare l’essenza della posa dei personaggi in movimento

Il gesture drawing esprime la tensione e l’energia di una posa. Attraverso il disegno non cerchiamo di ottenere la somiglianza col soggetto, ma piuttosto di catturare l’essenza del suo atteggiamento.

L’obiettivo in questo caso è stato quello di immortalare l’espressività e il senso di libertà conferiti dalla posa dinamica della ballerina.
Non è stato necessario aggiungere dettagli.
È stato sufficiente catturare il movimento nelle forme e costruire la posa attraverso linee semplici e veloci.

Less is more! La semplicità genera più forza nel movimento.

Linee dritte vs linee curve

Per rendere visivamente efficace il movimento possiamo servirci dell’utilizzo di linee dritte e linee curve. Opponendo questo tipo di linee si garantisce un equilibrio in grado di bilanciare le forze in gioco che crea armonia nella posa.

Il trucco sta nel combinarle cercando di creare un ritmo visivo, evitando quindi le simmetrie.

Esagerare la posa

Per accentuare la fluidità dei personaggi in movimento possiamo intervenire direttamente sugli angoli e sulle curve del personaggio, cercando di portarli all’estremo.

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In natura esistono diverse proporzioni del corpo umano e nessuna è perfetta o ideale. Tuttavia, conoscere le proporzioni generali può fornire gli strumenti necessari per disegnare il corpo umano correttamente. Tra i metodi più utilizzati, c’è quello di usare la testa come unità di misura.
Una persona, infatti, è alta generalmente 7 teste e mezza.

Disegnare un corpo: visione frontale della donna

Come puoi notare nell’immagine sottostante, possiamo utilizzare le dimensioni della testa per risalire ad altre informazioni chiave sulla proporzione del corpo.
Ad esempio:
le spalle di una donna corrispondono a circa 2 teste.
Il braccio disteso arriva a circa 3 teste e mezza dalla spalla.
La gamba (dall’altezza del femore fino a terra) è lunga 4 teste.
L’ombelico si trova a circa 3 teste dall’alto.

Disegnare un corpo: visione frontale dell’uomo

A differenza della donna, l’uomo è generalmente più alto, le spalle sono più ampie e i fianchi più stretti.

Modificare le proporzioni

Ora che hai capito quali sono le indicazioni principali per rappresentare correttamente un corpo, puoi provare a modificarne le proporzioni e reinterpretarle a tuo piacimento.
Guarda l’immagine sottostante.
Se fai riferimento allo stile chibi, ad esempio, la proporzione della testa rispetto a quella del corpo non è sicuramente di 1 a 7 1/2. Qui, infatti, per rendere il personaggio più “cute”, si tende ad ingrandire le dimensioni della testa e ridurre proporzionalmente le misure del corpo.

Ti abbiamo messo a disposizione anche la scheda completa con le proporzioni uomo e donna (e relative indicazioni) per avere tutte le informazioni sotto mano. Puoi scaricarla da qui.

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Ti piace questo modo di imparare?

Se ti piace questo articolo, probabilmente stai cercando un modo per migliorare il tuo disegno senza limitarti a copiare esercizi o tutorial.

Nel nostro libro “Impara a disegnare con la storia dell’arte” abbiamo raccolto un percorso pratico che ti aiuta a sviluppare il tuo sguardo attraverso le opere degli artisti che hanno cambiato il modo di rappresentare il mondo.

Non troverai solo esercizi tecnici, ma un modo diverso di osservare, interpretare e costruire immagini personali.

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Disegnare i piedi – visione dall’alto

Per capire come disegnare i piedi in una visione dall’alto, dobbiamo prima comprenderne la forma.
Il piede tende ad allargarsi verso la punta e le dita sono allineate in un arco discendente.

Possiamo considerare il piede come un elemento composto da 3 volumi distinti, tarso, metatarso e dita.
Ogni dito ha 3 falangi tranne l’alluce che ne ha 2.

Disegnare i piedi – visione dal basso

I piedi visti dal basso, invece, presentano dei cuscinetti che proteggono le articolazioni e hanno la funzione di punto d’appoggio.

Solo l’area interna del piede (quella che nell’immagine successiva è evidenziata in giallo) non tocca terra.
La pianta del piede risulta essere morbida e le ossa e i muscoli non sono visibili.

Puoi cliccare sull’immagine sottostante per leggere tutti i dettagli legati alle singole parti del piede.

Altre inquadrature dei piedi

Di seguito ti riportiamo altri esempi di inquadrature di piedi per comprenderne meglio il movimento e la struttura delle singole parti. La prima immagine ti aiuta a comprendere in che modo il piede poggia al pavimento con un lato che tocca terra e l’altro che, al contrario, resta arcuato. La base che tocca terra ha il compito di conferire stabilità e di proteggere le articolazioni.

Quando camminiamo trasferiamo il peso nel piede dal tallone alle dita; l’alluce è l’ultimo dito a sollevarsi da terra.

Le rughe nella pelle mostrano e accentuano la tensione della posa.

Puoi cliccare sull’immagine sottostante per leggere tutti i dettagli legati alle singole pose.

Disegno creativo con i piedi

Ora che abbiamo visto più nel dettaglio come sono fatti i piedi e quali sono le loro caratteristiche, proviamo a stilizzarli per inserirli in nuovi contesti grafici.
Di seguito alcune idee di stilizzazione: che ne dite di alcune orme lasciate sulla spiaggia o di una serie di impronte colorate con cui riempire i nostri blocchi da disegno?

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Nei precedenti articoli abbiamo visto come disegnare un volto completo, analizzandone le singole parti che lo compongono.
In questa seconda serie di articoli prenderemo in esame il corpo (dal collo ai piedi) e arriveremo a capire come disegnarne uno ben proporzionato e corretto.
Partiamo quindi dalle mani, l’incubo di tutti i disegnatori neofiti, e vediamo cosa fare per disegnarle nel migliore dei modi!

Come disegnare le mani – il dorso

Innanzitutto consideriamo la mano come un elemento costituito da due blocchi: c’è il palmo/dorso e poi ci sono le dita.
Il primo può essere stilizzato con la forma di un esagono irregolare, mentre le articolazioni delle dita si allineano in un susseguirsi di archi.
Ogni dito ha 3 falangi, fatta eccezione per il pollice che ne ha solo 2.

L’immagine che segue è una stilizzazione molto elementare della mano. Ti servirà per capire più nel dettaglio come sono strutturate le articolazioni e le forme base.

I gruppi principali di muscoli visibili nel dorso della mano sono 2. Quando disegnamo la mano dobbiamo tener conto della loro presenza. Guarda anche nel definitivo a colori come i gruppi dei muscoli vengono messi in evidenza con l’utilizzo delle ombre.

Come disegnare le mani – il palmo

La struttura del palmo della mano è come quella del dorso, ovvero caratterizzata da un blocco a forma di esagono irregolare e le articolazioni delle dita che si allineano in un susseguirsi di archi.
A differenza del dorso, il palmo della mano è caratterizzato dalla presenza di alcune linee che rendono ciascuna mano diversa dalle altre perché variano leggermente da persona a persona.
Quando disegni una mano non serve inserire tutte le linee; sarà sufficiente tracciare quelle più profonde e visibili, come nell’immagine sottostante.

Disegnare le mani – variazioni in base all’età

Quando disegnamo le mani dobbiamo tener conto anche dell’età del soggetto ritratto. Le mani dei bambini, ad esempio, hanno dita corte e tozze rispetto alla dimensione del palmo. Le nocche sono pressocché invisibili e sono contrassegnate da piccole fossette rientranti.

Le mani degli anziani, invece, tendono ad essere caratterizzate da uno strato di pelle molto sottile e le dita risulteranno più sottili ed ossute.

Le mani – altri esempi di inclinazioni

Di seguito ti riportiamo un video per facilitarti ulteriormente l’apprendimento e guidarti in ogni singolo passaggio nel disegno della mano. Se hai bisogno di aiuto o vuoi un parere sui tuoi lavori, iscriviti al nostro gruppo Facebook oppure lascia un commento a questo post, ti risponderemo il prima possibile.

Ora che abbiamo visto più nel dettaglio come sono fatte le mani e quali sono le loro caratteristiche, possiamo finalmente provare a stilizzarle per inserirle nei nostri disegni cartoon.
Di seguito ti proponiamo alcune idee di stilizzazione in cui ciascuna mano comunica un messaggio ben preciso.
Quante cose si possono dire con un semplice movimento della mano?

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Dopo aver visto come disegnare singolarmente naso, occhi, bocca e capelli, possiamo passare alla realizzazione completa di un volto illustrato.
In questo articolo affronteremo il volto da diverse inquadrature (frontale, profilo e 3/4) e proveremo infine a realizzarne una rivisitazione nello stile cartoon.

Anche in questo caso l’approccio sarà tra il cartoon e il realistico per rendere il tutorial più semplice e dinamico. Inoltre, alla fine dell’articolo troverai un video tutorial per aiutarti ulteriormente nell’esecuzione dei singoli passaggi.

Pronto? Iniziamo!

Disegnare un volto – visione frontale

Quando disegnamo un volto è importantissimo partire dalla struttura della faccia.
Se iniziassimo il disegno del volto con l’occhio, il naso o la bocca, faremmo molta più fatica a disporre correttamente gli elementi all’interno del viso.
Rischieremmo di avere un volto altamente asimmetrico e sbilanciato.

Quindi, per iniziare nel modo corretto, disegnamo un cerchio che rappresenti lo spazio occupato dalla parte superiore della testa. Proseguiamo poi con la costruzione del mento in modo da avere l’ovale completo della faccia.
A questo punto andiamo a disporre le linee che ci permetteranno di collocare all’interno del volto occhi, naso e bocca.

Piccoli accorgimenti che ti vengono in aiuto:

1. gli angoli della bocca coincidono di solito con il centro degli occhi.
2. Le orecchie sono collocate tra la linea delle sopracciglia e la base del naso

Le stesse linee ti aiuteranno anche a comprendere meglio la disposizione delle orecchie.
– E, a proposito di orecchie, approfondiamone meglio la struttura nella scheda successiva.-

Ricorda che nella visione frontale le orecchie si trovano tra la linea delle sopracciglia e la base del naso mentre, inclinando la testa, le orecchie cambiano posizione seguendo la prospettiva della testa.
Puoi comprendere meglio il concetto guardando l’immagine sottostante.

Arrivati a questo punto possiamo procedere con l’inserimento degli occhi, dei capelli, delle orecchie e della bocca. Nella scheda successiva trovi tutto il procedimento step by step per la realizzazione del tuo volto frontale.

BREVE RECAP:

1. Disegna la struttura di base che ti aiuterà a collocare correttamente tutti gli elementi all’interno del volto.
2. Attraverso l’uso di forme geometriche, sintetizza le singole parti del volto e collocale al suo interno seguendo la struttura che hai già creato.
3. Entra nel dettaglio e definisci meglio ogni singola parte del volto
4. Cancella le linee di costruzione, ripassa l’outline con un trattopen nero e poi completa con il colore.

Disegnare un volto – visione a 3/4

Per disegnare il volto a 3/4 gli step sono gli stessi della visione frontale, ma tengono conto di un’angolazione diversa del viso. Anche qui partiamo con la realizzazione del cerchio per la testa, ma procediamo in maniera diversa.
Nelle schede successive trovi tutto il procedimento, step by step, per la realizzazione del tuo volto a 3/4.

Disegnare un volto – profilo

Concludiamo l’articolo con il disegno del volto di profilo.
Nella scheda successiva trovi tutto il procedimento, step by step, per realizzare la visione laterale del volto.

Sperimentazione creativa

Ora che hai le idee più chiare su come rappresentare un volto, divertiti a sperimentare. Utilizza le forme geometriche per realizzare un volto di fantasia.
Se l’argomento ti incuriosisce, approfondiscilo su questo articolo del sito: Caratterizzare un personaggio attraverso le forme.

Hai visto che costruire un volto non significa “saper disegnare bene”, ma imparare a osservare proporzioni, forme e relazioni.
Ed è una cosa che vale molto oltre il volto.

Ogni artista nella storia ha trovato modi diversi di rappresentare persone, emozioni e realtà: c’è chi ha semplificato le forme, chi le ha deformate, chi ha lavorato sul colore, chi sul segno.

Per questo non esiste un solo modo corretto di disegnare.

Negli ultimi mesi ho raccolto questo approccio dentro un progetto che unisce esercizi pratici e storia dell’arte:

“Impara a disegnare con la storia dell’arte”

All’interno trovi 15 modi diversi di costruire immagini, partendo dagli artisti del passato per sperimentare tecniche e linguaggi contemporanei.

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Come disegnare i capelli?
Pensa ai capelli come ad una forma tridimensionale: possiedono una massa che sovrasta la testa.
Questa idea ti serve per immaginarli non come singole linee ma piuttosto come “zone”, alcune più ricche di linee e altre meno complesse.
Il colore dovrà evidenziare il volume dei capelli andando a definire le zone di ombre e alcuni punti di luce.

Disegnare i capelli corti

Anche con i capelli corti puoi giocare sui volumi utilizzando varie gradazioni della stessa tonalità.
Nella parte superiore della testa i capelli saranno più esposti alla luce, quindi con riflessi più chiari, mentre saranno più scuri nella zona inferiore della testa.
Per comprendere meglio questo concetto, aiutati con la scheda qui sotto.

Disegnare i capelli ricci

I capelli ricci sono un po’ più complessi. Per renderli semplici, ma comunque voluminosi, aiutati con il colore. Utilizza le tonalità più scure nella parte più vicina alla testa e toni più chiari nella parte esterna/superiore. Quando applichi luci e ombre, ricordati di assecondare il movimento ondulato del capello in modo da rendere la rappresentazione più realistica.

Come disegnare i capelli – Le acconciature

Parlando di acconciature, di seguito ti riportiamo alcuni esempi di capelli raccolti che puoi illustrare seguendo i tutorial step by step.
Per la treccia aiutati con uno schema semplificato e poi vai a definire la massa delle ciocche.
Per disegnare la cipolla cerca di rendere la tridimensionalità attraverso linee curve che convergono verso il centro della massa.
Infine, per la coda, puoi rendere l’acconciatura più dinamica giocando con una coda alta ed evidenziando bene lo stacco dalla testa.

Una volta presa confidenza con la tecnica, prova a fare qualche esercizio di stilizzazione e divertiti a sperimentare con esercizi creativi come abbiamo fatto noi con le stagioni.

Ora tocca a te metterti alla prova con questa nuova sfida creativa e disegnare i capelli!
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Disegnare la bocca – Negli articoli precedenti di questo percorso “How To Draw” abbiamo visto come disegnare gli occhi e successivamente il naso.
Oggi andiamo avanti e vediamo come rappresentare correttamente la bocca per poi passare alla stilizzazione nello stile che più preferiamo.

Disegnare la bocca – visione frontale

Iniziamo dalla visione frontale.
Riducendo la bocca ai minimi termini potremmo immaginarla come una foglia.
Partiamo quindi dalla linea centrale che divide le due labbra (1) e procediamo col creare la nostra bocca stilizzata (2).
Ora utilizziamo questa traccia come contenitore e andiamo a delineare più precisamente le labbra tenendo in considerazione le curvature e il punto di rientro nella parte superiore (3).
A questo punto ricalchiamo solo le linee esterne e quella centrale su un nuovo foglio per avere la nostra bocca completa (4).
Per il colore ricordiamoci sempre di tenere in considerazione la fonte di luce che ci aiuterà ad evidenziarne i volumi.

Disegnare la bocca – visione di 3/4

Nella visione a 3/4 risulta ancora più evidente la sovrapposizione dei volumi delle labbra.
Questa volta la nostra struttura a foglia non sarà più frontale ma inclinata lateralmente come se si stesse ripiegando su se stessa (2).
Come fatto precedentemente, utilizziamo anche stavolta lo schema come contenitore per rappresentare le labbra (3).
Nell’immagine 4 vediamo come utilizzare il colore per rendere al meglio la resa dei volumi.

Disegnare la bocca – visione laterale

Anche qui l’iter è lo stesso che abbiamo seguito per realizzare il disegno delle labbra frontali e a 3/4.
La struttura su cui costruire le labbra, stavolta, sarà più simile ad un cuore con la linea centrale che divide le due parti.

Nell’immagine successiva puoi farti un’idea di come stilizzare una bocca socchiusa, inquadrata non frontalmente ma dal basso e dell’alto.
Per semplificarti il compito, ricordati di partire sempre dalla struttura.

L’immagine che segue ti aiuterà a capire meglio come si articola il movimento della bocca.
Ricorda che quando disegni una singola parte del corpo di un personaggio devi considerarla sempre come elemento di un insieme.

Adesso che hai capito come si disegna la bocca, divertiti a sperimentare stili diversi come quello dei cartoon, dei fumetti americani, o dei manga giapponesi.

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Disegnare il naso – Greco, romano, aquilino, a patata, alla francese, il naso è un elemento che caratterizza in maniera determinante le linee del nostro volto.
Dopo l’articolo sugli occhi, vediamo insieme come procedere con il disegno del naso, analizzandone aspetti e caratteristiche.

Prima di entrare nel dettaglio dell’elemento “naso” dobbiamo capire qual è la forma geometrica principale che lo definisce. Nel caso specifico, se dovessimo sintetizzare il naso all’ennesima potenza, avremmo un triangolo.

Partendo da questa forma geometrica piatta dobbiamo iniziare a ragionare in termini tridimensionali. Il nostro triangolo, infatti, ha un’altezza, una larghezza ma anche una profondità.
Lo step successivo per comprendere il naso, quindi, è proprio quella di restituire alla forma la sua tridimensionalità.

Adesso, per entrare nel dettaglio, abbiamo bisogno di conoscere le singole parti che compongono il naso: la radice (parte superiore), il setto nasale (parte centrale) e il bulbo (parte inferiore).

Ora non ci resta che eliminare le linee superflue e dare al naso il colore che più preferiamo.
È essenziale ricordare che, essendo il naso un elemento tridimensionale, terrà conto dell’illuminazione ambientale nella gestione sulla superficie di luci e ombre.

Disegnare il naso: visione laterale

Passiamo alla visione laterale del naso seguendo gli stessi step utilizzati precedentemente:
1. partendo dalla reference di una foto crea una stilizzazione del triangolo
2. restituisci al naso la sua tridimensionalità (da triangolo a piramide)
3. struttura il naso nelle sue 3 parti principali tenendo bene a mente le loro caratteristiche
4. procedi con il colore considerando anche il modo in cui la luce riflette sulla superficie

Altre inclinazioni

Puoi utilizzare questo procedimento anche per inclinazioni del naso differenti, inquadrandolo leggermente dal basso a 3/4, dall’alto oppure completamente dal basso.
La cosa fondamentale è ricordare sempre che per rendere una giusta resa dei volumi devi tener conto delle luci e, conseguentemente, delle ombre.

Quando hai preso dimestichezza con la struttura del naso, puoi passare ad un lavoro creativo di stilizzazione e provare a disegnare il naso in tutte le varianti possibili.
Come amiamo dire sempre, non c’è limite all’immaginazione!

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Su questo blog postiamo spesso articoli che illustrano come approcciare creativamente al disegno. La scelta di non inserire dei tutorial tecnici è legata ad un’esigenza di comunicazione; il messaggio che abbiamo sempre mandato (e che continueremo a mandare) è che CHIUNQUE può disegnare, chiunque può divertirsi e sperimentare attraverso lo strumento del disegno.

Ma abbiamo anche capito, negli anni, che molte persone si sentono ostacolate nel disegno per la paura di sbagliare, di commettere errori, di fare qualcosa che non sia bello, apprezzabile.
Così non ci provano nemmeno e voltano pagina.
Quindi ci siamo poste la domanda “Cosa possiamo fare per dare uno strumento in più che invogli alla sperimentazione?”

Ed ecco la risposta.
Questo sarà il primo post di una nuova rubrica che ti fornirà alcuni spunti di riflessione sulla rappresentazione della realtà. Non saranno tutorial tecnici nel senso puro del termine (manterremo il nostro approccio creativo e sperimentale) ma sarà comunque un modo per conoscere un po’ meglio la realtà circostante e capire come rappresentarla.

Quindi bando alle ciance e partiamo col primo articolo dedicato ad uno dei temi che più incuriosisce chi approccia per la prima volta al disegno.

Come disegnare gli occhi?

Partiamo subito con una premessa: il modo migliore per imparare a disegnare qualcosa è avere sempre a portata di mano una reference (foto o ancor meglio modello/modella) e continuare a sperimentare.

Ma ci sono delle indicazioni, riportate di seguito, che potrebbero comunque velocizzare il processo di apprendimento.
Partiamo con la prima:

Quando disegnamo un volto, e conseguentemente gli occhi, dobbiamo sempre tenere in considerazione l’angolazione del viso.

Per quanto possa sembrare banale (vi assicuriamo che non lo è) iniziamo da una prima utile riflessione: gli occhi acquisiscono forme diverse in base all’angolazione del viso.

Vediamole più nel dettaglio:

Nella visione frontale, con lo sguardo rivolto verso l’obiettivo, la pupilla sarà esattamente al centro del nostro cerchio (bulbo oculare) e lo scheletro della struttura si presenterà come un mirino.

Nell’inclinazione del volto a 3/4, invece, la pupilla sarà decentrata e l’occhio sarà leggermente più schiacciato sui lati.
Ovviamente anche il sopracciglio accompagnerà l’inclinazione del volto.

Infine, quando il volto è disegnato di profilo, l’occhio occuperà solo metà del cerchio disegnato e le ciglia sporgeranno verso l’esterno.

Adesso che abbiamo iniziato a capire come si muove un occhio a seconda dell’inclinazione del volto proviamo a renderlo ancora più semplice, cancellando le linee guida e magari ripassandolo con un trattopen o con una penna.

Per migliorare e continuare a prenderci la mano, prova a riempire fogli e fogli di occhi.
Divertiti a semplificare, rendi le forme più essenziali e giocose, ma mantieni sempre la consapevolezza di quello che stai disegnando.
Buon divertimento!

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